Поиск

Полнотекстовый поиск:
Где искать:
везде
только в названии
только в тексте
Выводить:
описание
слова в тексте
только заголовок

Рекомендуем ознакомиться

'Методическая разработка'
В общей системе всестороннего развития человека воспитание ребенка занимает важное место. Начиная с дошкольного возраста закладываются основы здоровья...полностью>>
'Документ'
По желанию клиентов, возможна доставка в Москву, Тулу, Калугу и прилегающие области. По согласованию, возможна доставка и в другие регионы. Стоимость ...полностью>>
'Документ'
Назвать – стол, кровать, шкаф, диван или кресло. МЕБЕЛЬ Раскрасить кроватку так, как показано на рисунке....полностью>>
'Документ'
Общество с ограниченной ответственностью «СкрипинГрад», являющееся официальным представителем ООО «Скрипинский карьер» по продажам, предлагает Вам на ...полностью>>

Главная > Программа

Сохрани ссылку в одной из сетей:
Информация о документе
Дата добавления:
Размер:
Доступные форматы для скачивания:

1

Смотреть полностью

МИНИСТЕРСТВО КУЛЬТУРЫ СТАВРОПОЛЬСКОГО КРАЯ

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ДЕТЕЙ

«ЗЕЛЕНОКУМСКАЯ ДЕТСКАЯ МУЗЫКАЛЬНАЯ ШКОЛА»

АДАПТИРОВАННАЯ ПРОГРАММА ПО ПРЕДМЕТУ

МУЗЫКАЛЬНАЯ ЛИТЕРАТУРА

преподавателя Коваценко С.Ю.

г. Зеленокумск

2011г.

СОДЕРЖАНИЕ

Пояснительная записка……………………………………………………………………. 4

Планирование учебного процесса………………………………………………………... 8

Краткие методические рекомендации……………………………………………………. 9

Проверка успеваемости и учет знаний………………………………………………. ….. 11

Примерный тематический план…………………………………………………………... 13

Содержание предмета. Методические рекомендации………………………………....... 16

Первый год обучения:…………………………………………………………………. … 16

Тема 1 «Введение»………………………………………………………………….…….... 16

Конспект № 1 «Искусство. Виды искусства. Музыка»…………………………………. 17

Конспект № 2 «Содержание музыкальных произведений»……………………………. 18

Конспект № 3 «Выразительные средства музыки»……………………………………... 19

Тема 2 «Песня, марш и танец или с чего начинается музыка?»....................................... 21

Конспект № 4 «Музыкальные жанры. Марш»………………………………………….. 23

Конспект № 5 «Песня»……………………………………………………………………. 24

Конспект № 6 «Танец»……………………………………………………………………. 25

Тема 3 «Народная песня в произведениях классиков русской музыки или как связана

музыка композиторов с музыкой народной»…………………………………………….. 26

Конспект № 7 «Народная песня в произведениях русских композиторов»………..… 27

Тема 4 «Программно-изобразительная музыка, или что помогает услышать и понять замысел композитора в инструментальном произведении?»…………………………… 28

Конспект № 8 «Программно-изобразительная музыка»……………………………….. 29

Тема 5 «Музыка в театре или может ли театр обойтись без музыки, а музыка без

театра»……………………………………………………………………………………… 30

Конспект № 9 «Музыка в театре»………………………………………………………. 31

Конспект № 10 «Балет»…………………………………………………………………… 32

Конспект № 11 «Опера»………………………………………………………………….. 33

Второй год обучения…………………………………………………………………......... 33

Тема 6(1) «Введение. Музыка от древнейших времен до XVIII века. Формирование

классического стиля в музыке»…………………………………………………………… 33

Конспект № 12 (1) «Введение. Музыка от древних времен до XVIII века.

Формирование классического стиля в музыке»………………………………………..… 34

Конспект № 13 (2) «Зарубежная музыка. Классицизм» ……………………………...… 36

Тема 7 (2) «Й.Гайдн»………………………………………………………………………. 36

Конспект № 14 (3) «Йозеф Гайдн»………………………………………………..……… 38

Тема 8 (3) «В.Моцарт»…………………………………………………………………..… 41

Конспект № 15 (4) «Вольфанг Амадей Моцарт»……………………………………..… 42

Тема 9 (4) «Л.Бетховен»…………………………………………………………………... 44

Конспект № 16 (5) «Людвиг ван Бетховен»……………………………………………. 46

Тема 10 (5) «Ф.Шуберт»………………………………………………………………….... 50

Конспект № 17 (6) «Романтизм»…………………………………………………………. 51

Конспект № 18 (7) «Франц Шуберт» ……………………………………………………. 52

Тема 11 (6) «Ф.Шопен»……………………………………………………………………. 55

Конспект № 19 (8) «Фредерик Шопен»………………………………………………… 56

Тема 12 (7) «И.С.Бах»……………………………………………………………………... 59

Конспект № 20 (9) « Барокко»………………………………………………………….… 61

Конспект № 21 (10) «Иоганн Себастьян Бах»…………………………………………… 61

Тема 13 (8) «Заключение»…………………………………………………………………. 65

Третий год обучения…………………………………………………………………….… 65

Тема 14 (1) «введение. Русская музыка до Глинки»………………………………….…. 65

Конспект № 22 (1) «Древнерусская музыка»………………………………………….… 66

Тема 15 (2) «М.И.Глинка»…………………………………………………………..…….. 67

Конспект № 23 (2) «Михаил Иванович Глинка»……………………………………..…. 70

Тема 16 (3) «А.С.Даргомыжский»………………………………………………………… 73

Конспект № 24 (3) «Александр Сергеевич Даргомыжский»…………………………… 74

Тема 17 (4) «Русская музыкальная культура второй половины XIX века»……………. 76

Конспект № 24 (4) «Русская музыка 2-й половины XIX в.»………………………….… 77

Тема 18 (5) «А.П. Бородин»……………………………………………………………….. 77

Конспект № 26 (5) «Александр Порфирьевич Бородин»……………………………..… 80

Тема 19 (6) «Н.А.Римский-Корсаков»…………………………………………………..… 84

Конспект № 27 (6) «Николай Андреевич Римский-Корсаков»………………………… 86

Четвертый год обучения………………………………………………………………….. 92

Тема 20 (7) «М.П.Мусоргский»…………………………………………………………… 92

Тема 21 (8) «П.И.Чайковский»……………………………………………………………. 93

Тема 22 (9) «Русская музыкальная культура концаXIX - начала XX века»…………… 96

Тема 23 (10) «Отечественная музыкальная культура после 1917 года»……………….. 100

Тема 24 (11) «С.С. Прокофьев»……………………………………………………………. 101

Тема 25 (12) «Д.Д. Шостакович»………………………………………………………….. 103

Тема 26 (13) «Заключение»……………………………………………………………...… 105

Пятый год обучения……………………………………………………………………….. 106

Перечень наглядных пособий…………………………………………………………….. 109

Перечень аудиопособий…………………………………………………………………… 109

Перечень видеопособий…………………………………………………………………… 111

Примерные темы рефератов, докладов, компьютерных презентаций……….………… 111

Используемая литература……………………………………………………………….… 112

ПОЯСНИТЕЛЬНАЯ ЗАПИСКА

Рабочая программа «Музыкальная литература» составлена преподавателем муниципального бюджетного образовательного учреждения дополнительного образования детей «Зеленокумская детская музыкальная школа» Коваценко Светланой Юрьевной на основе программы «Музыкальная литература», составленной Методическим советом муниципального бюджетного образовательного учреждения дополнительного образования детей «Зеленокумская детская музыкальная школа» в соответствии с программой по учебной дисциплине «Музыкальная литература» разработанная на базе Методического кабинета по учебным заведениям искусств и культуры Комитета по культуре города Москвы и одобренной научно-методическим центром по художественному образованию (г. Москва 2004 г.).

Занятия по предмету музыкальная литература проводится в объеме 5-летнего и 7-летнего срока обучения. Программа предусматривает также возможность обучения в 6 классе (5-летнего срока обучения) и в 8 классе (7-летнего срока обучения).

Важную роль в системе эстетического воспитания и музыкального образования призваны сыграть детские музыкальные школы, создаваемые в целях всестороннего развития способностей и склонностей учащихся, воспитания их общественной активности. Основными задачами музыкальных школ являются: формирование у детей любви и интереса к серьезному искусству, понимание народного, классического и современного музыкального творчества, развитие музыкальных способностей, а также подготовка активных слушателей и пропагандистов музыки. В решении этих задач ответственная роль принадлежит дисциплине « Музыкальная литература».

В процессе изучения предмета «Музыкальная литература» учащиеся приобщаются к различным видам творческого труда, совершенствуют свой художественный вкус. Музыкальная литература призвана формировать слушательский интерес подростков, направляя его в сторону большого искусства. Этот предмет не ставит перед учащимися трудных задач: на уроках не приходится исполнять музыку, выполнять какие-либо упражнения, а домашние задания, как правило, не отличаются сложностью. Формирование слухового внимания, что лежит в основе умения слушать серьёзную музыку, - осуществляется непроизвольно, без видимых усилий. Управление этим процессом – необходимая, но сложная задача для преподавателя, так как он не может показать, как именно нужно слушать музыку, а так же проверить, насколько учащиеся овладели слушательским навыком.

Данная рабочая программа «Музыкальная литература» отражает классический подход к предмету, в основе которой лежит изучение лучших образцов зарубежной и отечественной музыки. Программа предусматривает использование активных методов обучения, которые позволяют создать условия максимально соответствующие природе восприятия информации ребенком. Дети становятся активными исследователями, мыслителями, критиками, учатся работать с информацией, осмысливать ее и делать необходимые выводы. Программа выделяет разные подходы, используемые в процессе изучения предмета «Музыкальная литература»:

иллюстративный (общие сведения и музыкальные иллюстрации);

информативный (большое количество информации за счет времени, отведенного на написание лекции);

проблемно-поисковый, где активные поиски нового знания способствуют повышению мотивации детей к обучению, созданию творческого микроклимата в группе.

Рабочая программа содержит подробное изложение учебного материала первого, второго, третьего года обучения, конспекты для учащихся, цель которых — освобождение ребенка от затрат большого количества времени на запись той или иной необходимой информации под диктовку преподавателя, что позволяет увеличить время для разговора о музыке. Четкая структурированность материала, полнота изложения, доступность информации конспектов позволяют существенно оптимизировать процесс введения проблемно-поисковых методов, направленных на расширение кругозора, развития умения работать с информацией, сопоставлять и анализировать полученные данные, проводить параллели, переносить полученные знания в другие предметные плоскости. Высвобождая время на уроке для интеллектуального развития и творческого эмоционального проживания, конспекты позволяют также создать условия для грамотного прослушивания аудиоматериалов и просмотра видеоматериалов, что соответственно позволяет значительно повысить качество учебно-воспитательного процесса.

Четвёртый и пятый года обучения, как правило, соответствует 13-15 летнему возрасту. Программа учитывает требование применения в этом возрасте более активных проблемно-поисковых методов обучения, которые способствуют активизации мыслительных процессов, получению информации в процессе увеличения самостоятельной работы (собственно составление конспекты, рефераты, доклады, компьютерные презентации и т.п.), так как информация, добытая путем активного поиска, подкрепленного положительными эмоциями осознания достижимости цели и элементами соревновательности, надолго остается в памяти. В программе четвертого и пятого года обучения подобная форма контроля усвоенных знаний снимает тревожность учащихся, неуверенность в своих силах и способствует созданию благоприятной, доброжелательной атмосферы на уроке.

Рабочая программа «Музыкальная литература» включает в себя также перечень наглядных пособий, аудио, видеоматериалов.

Курс музыкальной литературы изучается в детских музыкальных школах в течение четырех лет: в 4 – 7 классах по специальностям с семилетним сроком обучения и во 2 – 5 классах по специальностям с пятилетним сроком обучения. Тематический план курса, в котором учебный материал расположен по годам обучения с примерным распределением количества уроков по темам, в основном соответствует содержанию известных учебников по музыкальной литературе. Занятия проводятся один раз в неделю. Количество учебных часов определяется учебными планами. Экзамены по предмету «Музыкальная литература» в школе не проводятся.

Содержание обучения определяется целями и задачами начального музыкального образования и теми возможностями, которыми предмет располагает для их реализации. Усвоение содержания предмета является целью обучения и в то же время средством развития, содействующими достижению этих целей. В процессе этого усвоения совершенствуется мышление, память и слух учащегося, формируются их творческие способности и приёмы деятельности. Качество усвоения содержания предмета определяет уровень достижения целей.

В данном учебном курсе музыка представлена произведениями народного и классического искусства различных жанров, стилей и национальных композиторских школ последних трёх столетий. Эти произведения рассматриваются как явления искусства, продукт творческой деятельности музыкантов и конкретной общественно-исторической среды. Выбор произведений определяется как слушательскими возможностями учащимися того или иного возраста и уровнем их музыкальной подготовки, так и дидактической целесообразностью.

Усвоение музыки осуществляется при её прослушивании, разборе, проигрывании и запоминании, как в классе, так и в процессе самостоятельной работы учащихся.

Важной составной частью содержания школьной музыкальной литературы являются знания о музыке из области её теории, истории и музыкальной практики. Теоретические знания необходимы для изучения и объяснения музыки, и в этом смысле сопоставима с ролью теории литературы в общешкольном курсе. Исторические знания важны для понимания исторической и социальной обусловленности музыки, осознания индивидуальных качеств композиторского стиля. Знания из области музыкальной практики помогают ориентироваться в явлениях и процессах современной музыкально-общественной жизни, объяснять и оценивать происходящее в ней.

В содержании предмета следует различать знания информативные и понятийные. К первым относятся все имена, названия, факты, события, то есть те, что несут конкретную информацию. Такие знания составляют значительную часть учебного материала. Понятийные знания в курсе музыкальной литературы – это ключевые слова, словосочетания, термины, которые в обобщённом виде отражают существенные признаки явлений художественного творчества и общественно-музыкальной практики вне их индивидуального проявления. Понятийные знания могут относиться как к области теории, так и к области истории музыки. Необходимость дифференцированного подхода педагога к информативным и понятийным знаниям обуславливается различиями в способах и уровне их освоения учащимися. Если информативные знания должны быть верно, поняты и лишь частично сохранены в долговременной памяти учащихся, то знания понятийные – осмысленные и длительно сохраняемые в памяти – во многом определяют качество усвоения предмета в целом.

Знания о музыке усваиваются в процессе изучения произведений на основе объяснений преподавателя, в самостоятельной работе – посредством чтения, в результате осознанного их запоминания и применения.

Изучения музыкальной литературы формирует у учащихся и определенные способы деятельности – умения и навыки. Музыкальная литература – благодатное поле применения интеллектуальных умений и навыков, то есть приёмов умственной работы. Общение с музыкой и знания о ней развивают эти умения, формируют элементы теоретического мышления. Усвоение содержания предмета идёт успешнее, когда учащиеся владеют рациональными приёмами учебного труда, освоенными в общей школе. Музыкальная литература особенно содействует обогащению тех умений, которыми учащиеся овладевают на уроках истории и литературы.

При изучении того или иного предмета школьники овладеют и специальными умениями. В музыкальном обучении – это способы музыкальной деятельности, имеющие слуховую природу. Уровень и качество владения специальными умениями во многом определяют музыкальную культуру личности. В музыкальной литературе к специальным умениям и навыкам относятся слушательские навыки, то есть эстетическое восприятие музыки.

Слушательские навыки, лежащие в основе всех других способов музыкальной деятельности, в музыкальном обучении имеют межпредметный характер, так как присутствуют и обогащаются на всех уроках музыки. На уроках музыкальной литературы эти навыки формируются при прослушивании и анализе музыки, во внеклассном общении с ней.

Другим специальным умением является анализ музыки, объединяющий музыку и знания о ней. В той или иной форме ученики анализируют музыку на всех уроках в ДМШ, и поэтому данное умение также является межпредметным. На уроках музыкальной литературы оно формируются, в основном, в классной работе, в процессе слухового анализа выразительных средств музыки и при работе с нотным текстом произведений.

Специальные умения, как и понятийные знания, составляют основу курса музыкальной литературы, сердцевину его содержания. И качество их усвоения учащимися в конечном счете будет определять уровень музыкальной культуры, которого они смогут достичь с помощью музыкальной литературы как школьного учебного предмета.

Предметным умением, которым ученики овладевают при изучении музыкальной литературы (на других занятиях может иметь место лишь его применение), является умение рассказывать, говорить о музыке. Суметь что-либо сказать о музыке – значит осмыслить услышанное. Данное умение учит размышлять о музыке, применять знания, связывая их со слуховыми впечатлениями. Выразить свои впечатления от прослушанной музыки, найти слова, чтобы охарактеризовать содержание произведения и объяснить его «устройство» - и есть проявление данного умения. Оно учит вести беседу о музыке, выражать свои мысли о музыкальном искусстве, приобщает к просветительской деятельности.

Качество усвоения учебного материала зависит не только от его объема, но и от того, как он представлен в программе. Объем содержания, в свою очередь, определяется количеством учебного материала и степенью его сложности. Оптимален объем, который может быть качественно усвоен в течение времени, отведенного существующей практикой обучения. Работа в классе музыкальной литературы должна осуществляться на относительно высоком, но доступном уровне трудности в зоне «Ближайшего развития» (Л.Выготский), когда ребенок потенциально способен освоить новое с помощью взрослого в ходе обучения.

Настоящая программа, так же как и учебники, ставит перед преподавателем необходимость выбора, так как включенный в них учебный материал не точно соответствует объему курса, существенно превосходя его. Индивидуальный курс преподавания предмета всегда оказывается вариантом по отношению к проектируемому в программе. При этом оценочным критерием работы преподавателя должно быть не количество пройденного материала, а качество его усвоения учащимися и уровень развития, достигнутый ими в результате изучения музыкальной литературы. Следует помнить также, что облегченный объем учебного материала обедняет приобретаемые знания и снижает темп развития школьников, завышенный – делает знания поверхностными, а усвоение учебного материала – непрочным.

В основу систематизации учебного материала положен хронологически-тематический принцип, традиционный для данного предмета, как и для общешкольной литературы, в сочетании с дидактическим на первом году обучения. Линейное расположение материала с элементами концентричности в освоении понятийных знаний дает возможность познавать конкретные явления художественного творчества, знакомиться с биографиями и творческим наследием великих композиторов и одновременно видеть взаимосвязь эпох и стилей, представлять процесс развития музыкального искусства, смену художественных направлений, историческую обусловленность отдельных этапов музыкального искусства.

Основу изложения содержания в настоящей программе составляет группировка материала в разделы и темы.

Первый год обучения – пропедевтический (вводный, содержащий предварительный круг знаний). Его назначение – пробудить в учащихся сознательный и стойкий интерес к слушанию и разбору музыкальных произведений, к приобретению знаний о музыке. Учебный материал, предлагаемый для изучения, располагается по дидактическому принципу – в порядке возрастания его сложности: от песен – к театральным видам музыки. Он включает небольшие вокальные и инструментальные сочинения, доступные для восприятия и понимания детьми 9-11 лет, и целесообразные в учебно-воспитательном отношении.

Основными формами работы на первом году обучения должны стать прослушивание музыки и работа с нотным текстом, характеристика содержания произведений, их жанровых способностей, структуры и выразительных средств, объяснение и усвоение новых терминов и понятий, рассказ о создании и исполнении музыкальных сочинений, их авторов, самостоятельная работа над текстом учебника и повторение пройденных произведений, запоминание и узнавание музыки.

В работе с детьми необходимо умело использовать их наблюдения и знания, помогать осмысливать предшествующий опыт общения с музыкой. Учащиеся должны получить некоторое представление об общественном назначении музыкального искусства, его роли в быту и своеобразном отражении в нем явлений действительности. Прослушивание и разбор несложных сочинений вокальной и инструментальной музыки помогут учащимся приобрести знания и освоить способы общения с музыкой, необходимые для дальнейшей учебной работы.

Программа второго года обучения представляет собой последовательность монографических тем, соответствующую историко-художественному процессу. Каждая тема-монография содержит рассказ о жизни композитора (биография), краткий обзор творческого наследия, характеристику и разбор отдельных произведений (или их законченных частей) с последующим прослушиванием.

Биография композитора позволяет не только нарисовать портрет великого музыканта, но и содержит сведения исторического, бытового, художественного и музыкально-теоретического характера, показывающие разносторонние связи искусства с жизнью. Формы бытования музыки в различные эпохи и в различных слоях общества, социальное положение музыкантов, сочетание таланта и труда в композиторской профессии – большой познавательный материал, расширяющий представление школьников о музыкальном искусстве. Первая часть биографии, содержащая конкретные факты и имеющая немалое воспитательное воздействие излагается довольно подробно, тогда как последний период жизни, в силу сложности материала, требует сжатого освещения (вспомним любую из биографий, включенных в программу).

Обзор творческого наследия композитора, завершающий биографический урок, позволяет освободить рассказ от перечня многих произведений, что утяжеляет изложение. А группировка в таком обзоре произведений по жанрам (театральные, концертные, камерные, церковные виды музыки) представит их в системе, облегчающей запоминание. При этом можно воспользоваться списком основных сочинений, помещенным в учебниках в конце каждой монографической главы. Обширное и разнообразное творческое наследие Чайковского и Прокофьева на завершающем этапе курса позволит закрепить и углубить понимание учащимися основных особенностей многих жанров музыки.

Музыкальный материал, составляющий основу большинства тем, впервые знакомит учащихся с сонатно-симфоническим циклом и сонатной формой. Эти знания, вводимые в теме «Й.Гайдн», закрепляются затем при изучении сонат и симфоний Моцарта, Бетховена и Шуберта. Освоение инструментальных произведений крупной формы, слуховое, теоретическое и исполнительское (в классе игры на инструменте), следует также рассматривать как важный этап музыкального развития школьников. Представленные в темах другие жанры музыки (песни, фортепианные сочинения малых форм, сюиты), знакомство с фрагментами оперы Моцарта «Свадьба Фигаро» способствуют расширению и углублению полученных ранее знаний.

Тему «И.С.Бах», которая содержит новые и довольно сложные для учащихся музыкально-исторические и теоретические понятия, лучше изучать в конце года, так как темы, посвященные творчеству венских классиков, следуя непосредственно за темой «И.С.Бах», не позволяют расширить и закрепить знания, приобретенные при ее изучении, да и сами, в свою очередь, содержат много нового и сложного.

Знакомству с отечественной музыкой отводится два последних года обучения. Программа предусматривает темы, посвященные основным представителям XIX века: Глинке, Даргомыжскому, Бородину, Римскому-Корсакову, Мусоргскому и Чайковскому и музыке более позднего времени в обзорном порядке. Помимо монографических тем этот раздел программы включает также обзорные уроки, назначение которых – дать общее представление о музыкальной культуре России до Глинки, в 60-70-е годы XIX века и на рубеже XIX и XX веков. Изучение отечественной музыкальной культуры должно быть связано с курсами истории и литературы общей школы.

Основное внимание в разделе музыкальной классики XIX века уделено опере – ведущему жанру классической музыки. Изучение опер должно быть комплексным и предполагает включение кратких сведений из истории их создания, характеристику содержания и композиции произведения, его важнейших жанровых и театральных особенностей. Эти сведения в сочетании с анализом отдельных сцен и номеров оперы дадут учащимся достаточно полное представление о сочинении. На примере пяти русских классических опере учащиеся смогут хорошо усвоить общие закономерности жанра и некоторые особенности, характерные для творчества отдельных композиторов. Знакомство с произведениями других жанров должно дать учащимся представление о богатстве содержания и жанровом многообразии отечественной музыки.

Курс музыкальной литературы завершается изучением наиболее значительных явлений музыкального творчества советского периода. При этом общие вопросы могут быть освещены как в самостоятельной беседе, так и оказаться связанными с характеристикой личности и судьбы ведущих композиторов. Монографические темы «С. Прокофьев» и «Д.Шостакович» рассматриваются полно, включая жизненный путь и разбор не менее двух произведений разных жанров.

При изучении тем русской музыкальной литературы XX века преподаватель имеет большую свободу в выборе учебного материала и распределении весьма ограниченного времени (автор не считает возможным сокращать изучение тем, посвященных русской классике XIX века, так как именно они составляют основу курса). Заключительная беседа посвящается состоянию и основным проблемам музыкальной культуры 90-х годов, обзору важнейших событий музыкально-общественной жизни. С этой целью полезно знакомить учащихся с газетой «Музыкальное обозрение», журналом «Музыкальная жизнь», организовать выпуск специальных бюллетеней или иметь в школе постоянный стенд «Хроника музыкальной жизни»

Планирование учебного процесса

Планирование работы преподавателя музыкальной литературы как профессиональная необходимость и производственная обязанность. Назначение планирования. Проявление знаний, опыта и творческих намерений преподавателя в процедуре планирования. Конкретизация содержания предмета в рабочих планах преподавателя.

Перспективное планирование работы по классам в календарно-тематических планах. Распределение учебного материала по урокам с учетом времени, необходимого для изложения, закрепления, повторения пройденного и прослушивания музыки.

При составлении календарно-тематических планов можно придерживаться следующих условий.

В течение одного урока проходится биография композитора или 2- 4 небольших вокальных или инструментальных сочинений (песни, пьесы, фрагменты опер и балетов), одна часть сонаты, симфонии (при разборе сонатной формы) или крупное одночастное произведение (например, увертюра «Эгмонт» Бетховена).

Два урока требуется, чтобы разобрать и прослушать полный сонатный или симфонический цикл, сюиту (например, «Зимний костер» Прокофьева, «Шехерезада» Римского-Корсакова). Желательно отвести по два урока на кантату «Александр Невский» Прокофьева и 1-ю часть 7-й симфонии Шостаковича. Например, первый урок включает в себя повторение материала предшествующего занятия историю создания и исполнения симфонии в годы Отечественной войны, разбор части с нотами хрестоматии. Второй урок – восстановление в памяти истории создания и исполнения симфонии, повторение тематического материала 1-й части, ее структуры и прослушивание.

На 3-5 уроков распределяется материал каждой из русских классических опер (для опер Моцарта «Свадьба «Фигаро» достаточно 1-2 урока). В случаях, когда уроки по каким-либо причинам не могут состояться, в планы вносятся необходимые коррективы. Дополнительные, компенсирующие уроки по музыкальной литературе, в силу сложности их организации и общей перегрузки учащихся, не практикуются. Выполнение намеченного плана – один из показателей мастерства преподавателя, его профессиональной культуры.

Учебный год, продолжающийся в музыкальной школе 34 - 35 учебных недель (с 01.09. по 31.05, исключая каникулы), позволяет запланировать до 34 уроков, включая контрольные и резервные (то есть те, которые по календарю могут состояться только в одной из параллельных групп, а также последние занятия в мае). Праздничные дни не учитываются в плане.

Музыкальная литература, благодаря особому характеру изучаемого в данном курсе материала, относится к числу школьных предметов, в которых поурочное планирование играет значительную организующую роль. Только разумно составленный календарно-тематический план и его точное выполнение позволяют в полной мере реализовать и решить основные задачи, стоящие перед музыкальной литературой как одним из предметов учебного плана музыкальной школы.

Краткие методические рекомендации

Решение основных дидактических задач на уроке обеспечивается чередованием различных видов учебного труда: изложение нового материала должна дополняться его закреплением, а повторение пройденного – служить проверкой усвоения знаний. Внутренняя взаимосвязь уроков, образующая единую систему занятий, позволит учащимся последовательно освоить содержание учебного материала. Преподаватель должен добиваться того, чтобы каждый ученик активно работал на протяжении всего урока, и стремиться преодолеть неравномерность усвоения знаний отдельными учениками на основе индивидуального подхода к ним.

Эффективность уроков музыкальной литературы в значительной степени определяется применением разнообразных методов обучения. Определенная часть материала, как теоретического, так и собственно музыкального, лучше всего усваивается учащимися при разборе произведения учителем.

Живому и образному изложению биографий соответствует форма рассказа, в котором хорошо сочетаются приемы повествования, описания, рассуждения. Его оживляют, повышая внимание учеников, риторические вопросы, обогащают точные цитаты и тексты, свободно передающие смысл того или иного высказывания.

Наивысшей активности учащихся можно добиться обращением к форме беседы как к одному из приемов словесных методов обучения. Ее суть – в диалоге, процесс которого привлекает учащихся к поиску новых знаний, что в обучении, несомненно, предпочтительнее преподнесения знаний в готовом виде. Различают беседы поисковые (при работе с новым материалом) и воспроизводящие (при обращении к пройденному).

Дополнительными источниками информации, расширяющими представление учащихся об окружающем музыкальном мире, могут служить и разного рода иллюстрации, применение которых возможно не только на биографических уровнях, но и при изучении музыкальных произведений (особенно театральных, а также вокальных и инструментальных). Наглядные методы обучения «созвучны» своеобразному восприятию подростков и повышают качество усвоения учебного материала.

Источником художественных впечатлений у детей в классе должна быть звучащая музыка. Ее эстетическое воздействие на подростков служит основой для решения учебных задач. Вне прослушивания становится невозможным и приобретение многих знаний о музыке, связанных прежде всего с выразительными особенностями музыкальной речи. На уроке произведение обязательно должно прозвучать целиком или в виде законченного фрагмента, в соответствии с тем, что является предметом изучения. Демонстрация музыки в классе возможна как в виде ее исполнения преподавателем или приглашенным иллюстратором, так и путем воспроизведения с помощью технических устройств. Оба способа должны дополнять друг друга, так как каждый из них имеет свои достоинства.

Прослушивание музыки во многих случаях полезно проводить с нотным текстом, используя для этой цели специальные хрестоматии, оригинальные издания, клавиры опер. Сочетание слуховой и зрительной наглядности концентрирует внимание учащихся и развивает полезные навыки: ноты должны помогать полнее воспринимать музыку. Хороших результатов можно добиться, если заниматься этим регулярно, постепенно усложняя задачу и обязательно обучая школьников данному умению.

Прослушивание музыки в звукозаписи надо использовать и как повод для бесед об исполнительском искусстве, его выдающихся представителях. Внимание школьников к вопросам исполнения музыки может послужить дополнительным стимулом развития их музыкальных интересов и способствовать успехам в классе игры на инструменте.

Обращение к техническим средствам воспроизведения музыки не исключает необходимости исполнения на фортепиано тем и отдельных фрагментов сочинений в процессе их анализа, при характеристике выразительных средств и особенностей композиции.

В качестве практических методов обучения можно рекомендовать различного рода работу с нотным текстом произведений. На занятиях возможно также обращение к тексту учебника, содержащимся в нем нотным примерам и практическим заданиям.

Постоянного внимания преподавателя требует и процесс усвоения учащимися знаний, так как их глубина и прочность – один из принципов обучения. Работа в классе и дома должна помочь учащимся осмыслить и запомнить необходимые сведения из содержания предмета, уметь их узнавать, воспроизводить и самостоятельно применять в музыкальной практике. Этой цели могут служить и специальные приемы по закреплению знаний и тренировке навыков. Закрепление учебного материала возможно в процессе его изложения (первичное закрепление) и в конце урока при повторении пройденного, а также в самостоятельной домашней работе.

Задания на дом должны быть продуманными, целесообразными и доступными. Основной вид домашних заданий по музыкальной литературе – работа с учебником, в котором наибольшую сложность для учащихся представляет освоение нотных примеров в их непосредственной связи, единстве со словесным текстом. Учащихся нужно научить видеть в музыкальном примере подтверждение сказанному в тексте и представлять внутренним слухом общий характер звучания. Исполнят примеры в классе, при проверке задания, ученикам следует выборочно, возможно, в облегченном виде и по нотам.

Вспомогательным материалом при выполнении домашних заданий могут служить и записи в тетрадях, если преподаватель находит нужную краткую запись содержания урока. Помимо устных, целесообразны и учебно-практические задания с нотным текстом произведений, анализ сочинений, исполняемых в классе игры на инструменте, выбор которых определяется содержанием изучаемого материала. Но такие задания следует давать редко и строго индивидуально. Ограниченно должны применяться и письменные виды заданий, так как их выполнение связано с дополнительными затратами времени. Наиболее целесообразны те из них, которые дадут наглядную систематизацию знаний, способствующую их запоминанию.

В музыкальной школе может быть организована внеклассная работа, задача которой – расширить представления учащихся о музыкальном мире, познакомить с наиболее значительными событиями музыкальной жизни, дать простор для проявления интересов и творческой инициативы школьников. С этой целью полезно устраивать музыкальные вечера, посвященные памятным датам, встречи с музыкантами, прослушивание музыки в звукозаписи и просмотр видеокассет в исполнении выдающихся артистов и музыкальных коллективов, выпускать специальные бюллетени и т.п. Вся эта работа проводится на добровольных началах, она должна быть хорошо организованной и имеющей поддержку администрации и родительского актива. Желательно, чтобы ею непосредственно руководил преподаватель музыкальной литературы, так как ему легче будет связать содержание внеклассных мероприятий с программой обучения.

В городах, где есть оперные театры и систематически проводятся концерты классической музыки, следует стимулировать их посещение школьниками вместе с родителями. Наиболее развитых учеников старших классов можно привлекать к посильному участию в музыкально-просветительской деятельности. Приобщение к ней будет способствовать формированию у подростков потребности быть пропагандистами музыки и эстетических знаний. Полезно, если базой музыкального просвещения станет общеобразовательная школа. Преподавателю музыкальной литературы важно заинтересовать ребят подобной работой, убедить их в пользе оказывать им всемерное содействие. Выступление перед своим классом с небольшим рассказом о событиях музыкальной жизни, о великих композиторах, иногда об отдельных произведениях классической музыки – наиболее доступный вид подобной деятельности. Можно также приобщить учащихся делать небольшое вступительное слово перед собственным исполнением музыки, содержащее комментарии о произведении и его авторе.

Проверка успеваемости и учет знаний

Проверку усвоения содержания предмета следует рассматривать как одно из средств управления учебной деятельностью школьников. Объектами повседневного контроля должны явиться учебная работа в классе, уровень знаний и умений, а также динамика развития, общие успехи. Основная форма контроля на уроках музыкальной литературы – повседневное наблюдение за работой, устный и письменный опрос в индивидуальной форме.

При индивидуальном опросе преподаватель имеет возможность обстоятельно проверить усвоение отдельными учащимися биографического и музыкального материала посредством его пересказа, ответов на вопросы, определения музыки на слух.

Фронтальный опрос, сопровождаемый обычно более высокой активностью учащихся, позволяет в течение ограниченного времени осуществить проверку знаний большинства учеников. Такой же опрос предполагает постановку вопросов перед всей группой с целью воспроизведения фактов, объяснения понятий, терминов, названий, приведения доказательств характеристики содержания и выразительных средств музыки, сравнения ее отдельных фрагментов и т.п.

Если при проверке знания биографий композиторов от учащихся требуется более сжатые ответы, то при разборе музыкального материала они могут полнее раскрыть свои возможности. В таком ответе должны проявиться слуховые представления подростков, их умение передать словами выразительность музыки. По ходу ответа возможно напоминание учащимся звучания музыкальных фрагментов.

Текущий контроль успеваемости, осуществляемый преподавателем на каждом уроке посредством наблюдения за учебной работой учащихся и опросов по пройденному материалу, должен сочетаться с организацией периодической обобщающей проверки знаний по определенным разделам программы.

Разнообразные формы контроля соответствуют многостороннему, комплексному обучению учащихся.

В течение учебного года все учащиеся 1- 4 года обучения (5-летней, 7-летней образовательной программы) должны иметь не менее четырёх контрольных аттестаций – контрольных уроков. Контрольные уроки проводятся в конце каждой учебной четверти. Контрольный урок может включать следующие виды заданий:

- музыкальная викторина;

- устный рассказ учащегося;

- письменная работа;

- тесты;

- кроссворды.

Содержание контрольного урока определяется преподавателем по согласованию с учебной частью. Для проверки знаний учащихся проводятся тестовые задания по следующей тематике:

Первый год обучения:

«Содержание музыкальных произведений», «Выразительные средства музыки», «Песня», «Танец», «Программно-изобразительная музыка», «Музыка в театре» сюита Э.Грига «пер Гюнт», «Балет» балет П.И.Чайковского «Щелкунчик», «Опера» опера М.И. Глинки «Руслан и Людмила».

Второй год обучения:

«Зарубежная музыка. Классицизм», «Йозеф Гайдн» биография композитора, симфония № 103 (Es-dur), соната (e-moll), «Вольфанг Амадей Моцарт», «Людвиг ван Бетховен», «Романтизм», «Франц Шуберт» , «Фредерик Шопен», « Барокко», «Иоганн Себастьян Бах».

Третий год обучения:

«Древнерусская музыка», «Михаил Иванович Глинка», «Александр Сергеевич Даргомыжский», «Русская музыкальная культура 2-й половины XIX в.», «Александр Порфирьевич Бородин», «Николай Андреевич Римский-Корсаков».

Четвертый год обучения:

«Модест Петрович Мусоргский», «Пётр Ильич Чайковский», «Русская музыкальная культура конца XIX - начала XX века», «Отечественная музыкальная культура после 1917 года», «С.С. Прокофьев», «Д.Д. Шостакович», «А.Хачатурян» (фрагменты из балета «Спартак», «Г.Свиридов» (фрагменты из вокально-хоровых произведений), «Р.Щедрин» («Озорные частушки»), «А.Шнитке» (токката из Кончерто гроссо № 1).

Пятый год обучения:

«Антонио Вивальди», «Доминико Скарлатти», «Г.Гендель», «Кристоф Глюк», «Карл Вебер». «Феликс Мендельсон», «Роберт Шуман», «Ференц Лист», «Г. Берлиоз», «Николо Паганини», «Джоаккино .Россини», «Камил Сенс-Санс», «Иоганнес Брамс», «Джузеппе Верди», «Рихард Вагнер», «Бедржих Сметана», «Бернгард .Малер», « Клод Дебюсси», «Равель», «Б.Бриттени и английская музыка», «Д.Гершвин и американская музыка», «О.Мессиан и французская музыка».

Контроль за учебной работой учащихся по музыкальной литературе предполагает наличие общепедагогических требований, основными из которых являются: всесторонность, объективность, индивидуальный характер и разнообразие форм проверки. При оптимальном контроле преподаватель следит за усвоением всего учебного материала каждым учеником группы. Эффективность любой формы контроля повышается, если собственно проверочные его функции умело сочетать с обучающими и воспитательными.

Сочетание текущего и периодического контроля позволяет достаточно полно судить о процессе усвоения знаний, всесторонне и объективно оценивать достижения учащихся, что снимает необходимость в дополнительном итоговом контроле в виде годовых зачетов или заключительного экзамена. Характер учебного материала по музыкальной литературе, особенности его усвоения и сохранения в памяти, форма предъявления знаний не позволяют сделать итоговый экзамен в его традиционной форме эффективным по своим дидактическим результатам.

Для того чтобы получить определенное представление о запасе накопленных за годы знаний, полученных учащимися как в классе, так и самостоятельном общении с музыкой, можно рекомендовать вопросы, связанные с теми знаниями, которые долгое время должны сохраняться в памяти подростков, покидающих музыкальную школу. Это могут быть вопросы музыкально-исторические, теоретические, связанные с объяснением музыкальных понятий, терминов, вопросы, касающиеся современной музыкальной жизни, творчества известных композиторов и музыкальных произведений.

Такая итоговая проверка не потребует специальной подготовки и будет напоминать не обычный экзамен, а скорее своеобразную музыкальную олимпиаду, где лучшие ответы могут поощряться не только оценками, но и призами. Выносить же на заключительный контрольный урок большой материал по конкретным разделам курса (биографии композиторов, полная характеристика и разбор произведений, определение на слух музыки, пройденной задолго до контрольного урока) и проводить его в индивидуальной форме, превращая, по существу, в экзамен, не следует.

Любая оценка успеваемости должна учитывать условия учебной работы, возрастные особенности детей и отражать индивидуальный подход к каждому ученику.

Осуществляя контроль за учебной деятельностью учащихся, оценивая каждого ученика, преподаватель ведет соответствующий учет. Баллы, выставляемые за ответы, целесообразно дополнять доброжелательными и аргументированными суждениями преподавателя о качественной стороне ответов с мотивировкой отметки.

Оцениваться могут не только отдельные ответы при индивидуальном и фронтальном опросе, но и качество учебной работы в классе. В связи с этим целесообразным может быть введение поурочного балла, что сделает контроль всесторонним и облегчит четвертную аттестацию.

Четвертные отметки выводятся по результатам текущего опроса и обобщающей проверки на контрольном уроке и должны объективно отражать степень усвоения учебного материала. Итоговыми отметками по музыкальной литературе являются годовые, которые определяются на основании четвертных и с учетом тенденции роста учащихся. Итоговая отметка за последний год обучения идет в документ об окончании музыкальной школы.

Тематический план (5-летняя образовательная программа)

№ тем

Наименование тем

Количество часов

1

2

3

Первый год обучения

1.

Знакомство с небольшими произведениями различных жанров и форм на примере народной и классической музыки.

1

Введение.

Музыка в нашей жизни.

Содержание музыкальных произведений.

Выразительные средства музыки.

6

2

Песня, марш и танец, или с чего начинается музыка?

8

3

Народная песня в произведениях классиков русской музыки, или как связана музыка народная с музыкой композиторов?

4

4

Программно-изобразительная музыка, или что помогает услышать и понять замысел композитора в инструментальном произведении?

5

5

Музыка в театре, или может ли театр обойтись без музыки, а музыка без театра?

7

6

Контрольный урок в конце каждой четверти.

4

Всего 34 часов

Второй год обучения

Классики европейской музыки

7 (1)

Введение.

Музыка от древнейших времен до XVIII века

Формирование классического стиля в музыке.

2

8 (2)

Й. Гайдн.

4

9 (3)

В. Моцарт.

5

10 (4)

Л. Бетховен.

6

11 (5)

Ф. Шуберт.

4

12 (6)

Ф.Шопен.

4

13 (7)

И.С. Бах.

4

14 (8)

Заключение.

1

15 (9)

Контрольный урок в конце каждой четверти.

4

Всего 34 часов

Третий год обучения

Классики русской музыки

16 (1)

Введение.

2

Русская музыка до Глинки.

17 (2)

М.И. Глинка.

9

18 (3)

А.С. Даргомыжский.

3

19 (4)

Русская музыкальная культура 2-й половины XIX в.

2

20 (5)

А.П.Бородин.

6

21 (6)

Н.А. Римский-Корсаков.

8

22 (7)

Контрольный урок в конце каждой четверти.

4

Всего 34 часов

Четвертый год обучения

23 (8)

М.П. Мусоргский.

5

24 (9)

П.И. Чайковский.

8

25 (10)

Русская музыкальная культура конца XIX - начала XX века.

2

26 (11)

Отечественная музыкальная культура после 1917 года.

1

27 (12)

С.С. Прокофьев.

6

28 (13)

Д.Д. Шостакович.

4

29 (14)

Свободное распределение оставшегося времени по усмотрению преподавателя для ознакомления учащихся с творческой личностью и отдельными сочинениями (или их фрагментами) наиболее видных композиторов (например, Хачатуряна, Свиридова, Щедрина, Шнитке и других) с вводным словом к музыке последних десятилетий XX века.

30 (15)

Контрольный урок в конце каждой четверти.

4

Всего 34 часов

Тематический план (7-летняя образовательная программа)

№ тем

Наименование тем

Количество часов

1

2

2

Первый год обучения

Знакомство с небольшими произведениями различных жанров и форм на примере народной и классической музыки.

1

Введение.

Музыка в нашей жизни.

Содержание музыкальных произведений.

Выразительные средства музыки.

6

2

Песня, марш и танец, или с чего начинается музыка?

8

3

Народная песня в произведениях классиков русской музыки, или как связана музыка народная с музыкой композиторов?

4

4

Программно-изобразительная музыка, или что помогает услышать и понять замысел композитора в инструментальном произведении?

5

5

Музыка в театре, или может ли театр обойтись без музыки, а музыка без театра?

7

6

Контрольный урок в конце каждой четверти.

4

Всего 34 часов

Второй год обучения

Классики европейской музыки

7 (1)

Введение.

Музыка от древнейших времен до XVIII века

Формирование классического стиля в музыке.

2

8 (2)

Й. Гайдн.

4

9 (3)

В. Моцарт.

5

10 (4)

Л. Бетховен.

6

11 (5)

Ф. Шуберт.

4

12 (6)

Ф.Шопен.

4

13 (7)

И.С. Бах.

4

14 (8)

Заключение.

1

15 (9)

Контрольный урок в конце каждой четверти.

4

Всего 34 часа

Третий год обучения

Классики русской музыки.

16 (1)

Введение.

3

Русская музыка до Глинки.

17 (2)

М.И. Глинка.

13,5

18 (3)

А.С. Даргомыжский.

4,5

19 (4)

Русская музыкальная культура 2-й половины XIX в.

3

20 (5)

А.П.Бородин.

9

21 (6)

Н.А. Римский-Корсаков.

12

22 (7)

Контрольный урок в конце каждой четверти.

6

Всего 51 час

Четвертый год обучения

23 (8)

М.П. Мусоргский.

7,5

24 (9)

П.И. Чайковский.

12

25 (10)

Русская музыкальная культура конца XIX - начала XX века.

3

26 (11)

Отечественная музыкальная культура после 1917 года.

1,5

27 (12)

С.С. Прокофьев.

9

28 (13)

Д.Д. Шостакович.

6

29 (14)

Свободное распределение оставшегося времени по усмотрению преподавателя для ознакомления учащихся с творческой личностью и отдельными сочинениями (или их фрагментами) наиболее видных композиторов (например, Хачатуряна, Свиридова, Щедрина, Шнитке и других) с вводным словом к музыке последних десятилетий XX века.

30 (15)

Контрольный урок в конце каждой четверти.

6

Всего 51 час

Содержание тем 25-30 ориентировано на учебник О. И. Аверьяновой «Отечественная музыкальная литература XX века». М. Музыка 2001.

Увеличение часов в 6 и 7 классах до 1,5 в неделю используется для более углубленного изучения тем, предусмотренных учебной программой, и более полного прослушивания изучаемых произведений. Изучение тем и произведений, не включенных в программу, при этом не предусматривается.

СОДЕРЖАНИЕ ПРЕДМЕТА.

МЕТОДИЧЕСКИЕ РЕКОМЕНДАЦИИ.

ПЕРВЫЙ ГОД ОБУЧЕНИЯ

Знакомство с небольшими произведениями различных жанров и форм

на примерах народной и классической музыки.

Тема 1

Введение

Проведение вводных уроков ставит своей целью дать детям представление о богатстве и многообразии окружающего нас музыкального мира, его многосторонних связях с жизнью людей, специфике самой музыки как искусства. Объяснения преподавателя, показ на фортепиано отдельных выразительных элементов музыкальной речи и прослушивание небольших сочинений или фрагментов более крупных произведений призваны зародить в детях интерес к познанию музыки и связанных с ней явлений. С первых же шагов школьников следует учить не только внимательно слушать музыку, воспринимать ее эмоционально, но и размышлять о ней, вдумываться в ее художественный смысл. Учащиеся должны понимать и стремиться запомнить последовательно вводимые понятия, названия, термины. При изучении данной темы используется:

  1. Конспекты №1, №2, №3.

  1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации к циклу Сен-Санса «Карнавал животных»

  2. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  3. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  4. Рисунки из иллюстрированного сборника «Детский альбом» П.И. Чайковского (Иллюстрации Веры Павловой)

  5. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  6. Иллюстрации из книги «Боги и богини». Зачарованный мир.

  7. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  8. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

  1. «Искусство. Виды искусства. Музыка»

  2. «Содержание музыкальных произведений»

  3. «Выразительные средства музыки»

4. Видеопособия:

1. П.И. Чайковский балет «Щелкунчик»

2. Н.А. Римский-Корсаков опера «Снегурочка»

3. С.С. Прокофьев балет «Золушка»

На вводных уроках желательно обращение к широкому кругу жизненных явлений, произведениям живописи, поэзии, образам народного искусства и картинам природы, имеющим ассоциативные связи с музыкой или нашедшим отражение в ней. Живость рассказа, использование наглядных средств, звучание самой музыки, а также обращение к музыкальному опыту детей, активное вовлечение их в процесс познания – все это поможет преподавателю провести вводные уроки содержательно и ярко, а учащимся – освоить необходимые знания.

«Музыка в нашей жизни. Широкое распространение музыки в наше время. Где и для чего она звучит. Исполнение и воспроизведение музыки. Где исполняется музыка, ее разделение на камерную, концертную, театральную и церковную. Музыка на улице. Музыка «легкая» и «серьезная». Как научиться слушать и понимать произведения великих композиторов.

Содержание музыкальных произведений. Богатство и многообразие содержания произведений искусства, отражение в них различных сторон жизни, душевного мира человека. Что можно услышать в произведениях вокальной и инструментальной музыки?

Картины природы, сказочные образы, портреты людей и события реальной жизни в произведениях русских и зарубежных композиторов. Обращение к нотным примерам в учебнике. Обучение школьников умению «видеть» и «слышать» в них музыку. Определение фрагментов на слух и по нотному тексту.

Выразительные средства музыки. Специфика выражения жизненного содержания средствами музыки. Основные выразительные средства музыкального искусства. Значение метра и ритма, лада и гармонии, динамики и темпа, регистра и тембра в создании художественных образов. Симфоническая сказка С. Прокофьева «Петя и волк». Ее содержание и особенности композиции. Создание при помощи разнообразных выразительных средств характерного облика персонажей сказки.

На вводных уроках лучше всего воспользоваться музыкальным материалом из учебника, что облегчит учащимся повторение пройденного в классе.

КОНСПЕКТ №1

МУЗЫКА В НАШЕЙ ЖИЗНИ.

Искусствоэто художественное творчество в целом: музыка, живопись, скульптура, архитектура, лепка, мозаика, хореография, поэзия, театр, кино, мода, фотография. Каждый из художников работает в своей области, пользуясь разными материалами. Произведения живописи создаются с использованием масляных красок, акварели, карандашей, фломастеров, цветных мелков, холста бумаги. Скульптор в своем творчестве использует камень, глину, металл, пластмассу. В хореографии мысли и чувства передаются с помощью движений под музыку, в театре и кино – через игру актеров. А что такое музыка?

Музыка в переводе с греческого языка означает « муза». Музыку пишет композитор, используя звуки, точнее, сочетание звуков. И соединяются звуки не просто так, а по определенным музыкальным законам. Чтобы лучше понимать музыку, следует хорошо знать ее язык. Вы уже научились читать ноты, петь и играть на музыкальном инструменте. Вы знаете и любите немало музыкальных произведений. Но мир музыки неисчерпаем. Какое это наслаждение – слушать хор, симфонический оркестр, смотреть оперные и балетные спектакли. Однако это доступно только тому, кто понимает закон музыки, кто знаком с ее историей. Можно слушать музыку – но не слышать ее, играть – но не понимать. Только просвещенному слушателю она приносит радость и наслаждение

Новый предметмузыкальная литературадаст вам необходимые знания об истории музыки и ее творцах, расшифрует язык музыкальных произведений.

Музыкальное произведение – это «письмо» из прошлых эпох и дальних стран или обращение композитора-современника к нам. Музыка – это чувство композитора и его мысли о своем времени и своей стране, его наблюдения, впечатления.

Музыка всегда занимала в жизни людей большое место. В наше время музыка звучит на радио, телевидении, в театре и кино, в концертном зале, танцевальной площадке и стадионе. Ни один праздник не проходит без музыки. Песни, марши, танцы – их непременные спутники.

С музыкой связаны многие события в жизни людей, такие как дни рождения и свадьбы. Под тихий напев колыбельной песни засыпает малыш. Школьники разучивают песни, спортивные соревнования и военные парады проходят под звуки марша, даже в последний путь человека провожают под звуки траурного марша.

Музыка искусство очень древнее. В древности человек встречался с музыкой природы – пением птиц, ревом животных, раскатами грома, журчанием ручья, шумом деревьев, звуками морских прибоев. Их возникновение он приписывал сверхъестественным силам. Ему казалось, что звуки эти издают некие существа, таинственные и невидимые. Поэтому человек придумывал разнообразные мифы, легенды и сказания древних народов о происхождении музыки, богах и героях, открывших их ее людям.

Итак, музыка – это вид искусства. И как у любого искусства, главная ее цель – художественно отображать окружающую жизнь.

КОНСПЕКТ № 2

СОДЕРЖАНИЕ МУЗЫКАЛЬНЫХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ.

В произведениях искусства человек рассказывает об окружающей среде. Как поэзия и живопись музыка помогает нам нарисовать картину природы, передать движение поезда или веселый шум толпы, а так же настроение людей, их чувства и переживания с помощью музыкальных звуков.

Содержание песни, романса, хора легко пересказать, так как музыка звучит вместе со словами. В опере и балете на сцене театра происходят события, которые можно увидеть. Но произведения, написанные для отдельных инструментов или оркестра, содержание раскрывается только в музыкальных звуках. Его нельзя увидеть, трудно пересказать, но можно почувствовать.

Иногда композитор дает инструментальной пьесе название и тем самым поясняет ее содержание, например «Новая кукла» Чайковского.

Немало народных песен и произведений великих композиторов посвящено событиям исторического прошлого - борьбе народа с врагами родины, борьбе против угнетателей. Опера «Иван Сусанин» Глинки повествует о силе, мужестве и патриотизме русского народа, защищавшего родину от польских захватчиков в 1612 года, и о подвиге костромского крестьянина Ивана Сусанина. Он завел вражеский отряд в непроходимую лесную чащу и погиб там как герой.

Композиторы в музыке передавали и картины древнего народного быта. Под впечатлением сцен деревенской жизни М.И. Глинка сочинил для оркестра фантазию «Камаринская».

Главным источником для написания музыкальных произведений являются произведения литературы и народное творчество. Многие оперы и симфонические произведения, романсы и песни заимствуют свое содержание из произведений Пушкина, Лермонтова, Гоголя и других классиков литературы. Народным сказанием навеяна пьеса Лядова для оркестра «Кикимора». Композитор создал в ней сказочный образ злого, коварного существа.

Большое место в музыке занимают образы природы. Ее звуковые картины можно сравнить с пейзажами живописцев.

Так, ярко и образно, музыка может поведать о том, чем живут люди, что их волнует. В отличие от других видов искусства содержание музыкальных произведений раскрывается своим особым – музыкальным - языком. И знание выразительных средств музыки, составляющих ее язык, поможет глубже понять музыкальное искусство.

КОНСПЕКТ № 3

ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА МУЗЫКИ.

Богаты и разнообразны выразительные средства музыки. Если художник в рисунке и красках, скульптор в дереве или мраморе, а писатель и поэт в словах воссоздают картины окружающей жизни, то композиторы делают это с помощью музыкальных звуков.

метр

ритм

лад

гармония

регистр

тембр

динамики

темп

Выразительные средства музыки – это средства, которыми пользуется композитор для воплощения своего замысла.

  • МЕЛОДИЯ (с греческого напев, пение) – это музыкальные звуки, выражающие музыкальную мысль. Жизнь мелодии похожа на жизнь цветка. Цветок рождается из бутона, расцветает и, наконец, увядает. Коротка жизнь цветка, но жизнь мелодии еще короче. Она длится минуты, а то и секунды. Но за это короткое время она успевает возникнуть из мотива, «расцвести» и завершиться. В каждой мелодии есть точка цветения, высшая точка развития. Она называется кульминация. Завершается мелодия кадансом – устойчивым оборотом.

Нетрудно заметить, что строение мелодии похоже на строение речи.

Мотив-маленькая частица мелодии, состоит из нескольких звуков.

Фраза - состоит из нескольких мотивов, исполняется на одном дыхании.

Предложение - состоит из фраз, связанных общей линией развития.

Мелодия бывает не только напевной, как в песне. Взволнованная речь, героический призыв, настойчивый вопрос, также может быть переданы в ней.

Кантилена (с итальянского «пение»)- это напевная, певучая мелодия.

Речитатив (с латинского «чтение вслух»)- это полупение, полуразговор.

Еще одно понятие, с которым мы встречаемся в жизни, тесно связано с музыкой. Есть одно хорошее слово – ЛАД. Хорошо, когда дело ладится, когда в семье ладят, когда платье сидит ладно. Недаром лад – это согласие, мир, стройность, порядок между звуками, среди которых один звук является как бы опорой. Такие звуки и называются опорными, а другие звуки в ладу как бы тяготеют к этому опорному, или устойчивому, звуку - они называются неустойчивыми звуками лада. В древности существовало множество различных ладов. В европейской музыке наиболее распространенные лады – мажор (в переводе с латинского обозначает «большой») и минор – «меньший». Мажор создает радостное, бодрое настроение, а минор навевает печаль, даже тоску. Из звуков лада образуется звукоряд - это ряд последовательных музыкальных «ступенек» - звуков, которые начинаются непременно с опорного звука. Всего таких ступенек в ладу 7, и называются эти ступеньки гаммой. Тональность – высота лада.

А что же такое ноты и кто их придумал? В Древней Греции музыку записывали при помощи букв алфавита. А в церковной музыке система записи песнопений называлась невма. Слово это означает «мимический жест» или «кивок головы».

Невмами записывали только вокальную музыку. Певцы часто путались, глядя в неразборчивые звуки; так продолжалось до тех пор, пока не придумали нотоносец, или нотный стан – 5 горизонтальных линеечек, на которых разместились нотные знаки. Произошло это в начале 6 века. Тогда итальянский монах Гвидо д’ Ареццо – Гвидо Аретинский (992 – 1050), музыкант и учитель пения из города Ареццо – нарисовал те самые первые линеечки. Правда, с начало линеечек было не 5 , а 4 , и все они были разного цвета. Зато теперь у каждого музыкального знака – ноты появилась уже графически зафиксированная высота. Такие знаки – символы стали называться не невмами, а нотами. Ноты с латинского означает «записывание, обозначение» как на самих линиях, так и между ними. Ноты похожи на маленькие головки – овалы.

Ноты нужно было как – то называть. Чтобы легче было запомнить названия звуков, Гвидо велел своим ученикам – хористам разучить молитву. Для этой молитвы Гвидо сочинил

новую мелодию, в которой каждая последующая стихотворная строчка начиналась на ступень выше предыдущей. А каждый первый слог новой строчки стал названием новой ноты. Вот и получили ноты свое первое название: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La - по, начальным слогам первых 6 слов молитвы. Со временем слог Ut заменили на слог До, а также появилось название еще для одного звука – ноты - Si. Так появился единственный на земле международный язык – язык нот, который ныне понимают все музыканты мира: ДО – РЕ – МИ – ФА – СОЛЬ – ЛЯ – СИ.

Но на 5 линиях умещаются звуки только средней высоты, расположенные, например, в самом центре фортепианной клавиатуры. А если надо обозначить звуки очень высокие или низкие? Для записи таких звуков были придуманы музыкальные ключи - знаки, которые ставятся в начале нотного стана и обозначают высоту звучания музыки. В разных музыкальных ключах одна и та же нота звучит по-разному. Самые главные музыкальные ключи – скрипичный и басовый.

ГАРМОНИЯ.

В мелодии звуки следуют друг за другом. Если сыграть несколько звуков одновременно, то получится созвучие – аккорд. Аккорды сопровождающие мелодию называется - гармонией. Это слово греческого происхождения, которое означает «стройность», «пропорциональность», «созвучность».

РИТМ.

Еще одним важным средством музыкальный выразительности является ритм. Ритм является одной первооснов жизни. Он существует повсюду. Ритмично чередуются времена года, месяцы, недели, дни и ночи. Ритмично тикают часы, стучат колеса в поезде, бьется пульс человеческого сердца. Ритм обнаруживается повсюду в окружающем нас мире. Ритм – в переводе с греческого языка означает « стройный», «соразмерный». И называют ритмом только упорядоченное чередование звуков, чаще всего разной длительности. Например, если спеть любую мелодию, то можно увидеть, как длинные звуки сменяют короткие. К выразительным возможностям ритма композиторы обращаются при создании образов движения – шага, бега, скачков, прыжков, полета.

РЕГИСТР.

Известно, что музыкальный звукоряд насчитывает около ста различных по высоте звуков. Звуки бывают «тоненькие» - например, так звучит маленькая кофейная чашечка. Эти «тоненькие» звуки принято называть высокими. А про «толстые» звуки говорят, что они низкие.

Расстояние от самого низкого звука инструмента или голоса до самого высокого называется диапазоном. Это слово произошло от греческого dia pason и означает «через все», т.е. в музыке – через все звуки. Разные отрезки диапазона называют регистрами (с латинского «список», «перечень»).

Существуют 3 регистра:

Высокий – светлый, прозрачный, звонкий.

Средний – мягкий, полнозвучный, близок человеческому голосу.

Низкий – мрачный, тяжелый грубый.

ТЕМБР.

Каждый инструмент, как и голос человека, имеет свою особую окраску, т. е. тембр. Тембр в музыке играет туже роль, что и краски в изобразительном искусстве. Тембр звука позволяет различать голоса разных людей, игру на различных инструментах. Тембр - свойство, которым обладает каждый звук даже не музыкальный. Слово это произошло от французского, что означает колокольчик, а также метка, т. е. отличительный знак. Другими словами, тембр - это отличительный знак звука, особое его качество, звуковая окраска.

Выразительность голоса певца прежде всего зависит от красоты тембра. Богатство красок человеческого голоса - ярко выразительное средство в вокальной музыке. Певцы хора по характеру голосов разделяются на партии.

Женские голоса – это сопрано и альты (или меццо- сопрано), контральто.

Мужские голоса – тенор, баритон и бас.

Детские певческие голоса делятся на сопрано и альт, а самый высокий голос в хоре мальчиков называют дискантом.

Очень характерны и тембры музыкальных инструментов. У скрипки – струнного смычкового инструмента – тембр мягкий, нежный, богатый оттенок. По выразительности он, как и тембр виолончели, близок человеческому голосу. У трубы же – духового инструмента – тембр яркий, резкий. Она звучит мужественно, призывно, как героический клич.

Тембр – (от французского «колокольчик», «метка») - это звуковая окраска .

ТЕМП. ДИНАМИКА.

Термин ТЕМП всем понятен – это скорость, с какой исполняется произведение. Слово «темп» происходит от латинского «время». От темпа зависят и характер и настроение пьесы. Колыбельная не может исполняться в быстром темпе, а галоп в медленном. В музыке различные виды темпа принято называть по-итальянски. Если в нотах написано «адажио» (adagio), то это значит «медленно»;

«анданте» ( andante) – «не спеша»; «аллегро» (allegro) – «скоро»;

«виво» (vivo или vivace ),- «живо», и так далее.

Но какую скорость взять за точку отсчета различных темпов? Как оказалось, больше всего подходит биение пульса человека. Средние по скорости музыкальные темпы приближаются к нормальному, спокойному пульсу: это темп модерато(moderato) – «умеренно», или «размеренно», и анданте – «не спеша». Конечно, темп – важное средство выразительности в музыке, от которого многое зависит. Не менее важна ДИНАМИКА исполнения, т. е. сила звучания. Наверняка вы обращали внимание на то, что во время исполнения музыканты играют то громко, то тихо. Это происходит не потому, что так хочется музыканту. Так задумал композитор и указал, при помощи каких динамических оттенков можно раскрыть его замысел. Основных динамических оттенков 2, и вы их отлично знаете: форте – громко и пиано – тихо. В нотах их записывают итальянскими буквами: f и p . Иногда эти оттенки усиливаются. Например, очень громко – ff (фортиссимо) или очень тихо – pp (пианиссимо). Чтобы указать на постепенное усиление или уменьшение звучания, используют обозначения cresc. и dim. – это начальные буквы итальянских слов крещендо – усиление и диминуэндо – ослабление.

Тема 2

Песня, марш и танец или с чего начинается музыка?

Задача данной темы – ввести школьников в серьезный разговор о музыке, обращаясь к наиболее близким и доступным им произведениям вокальной и инструментальной музыки. Песни, марши, танцы, созданные в разное время разными авторами, позволят лучше осмыслить место музыки в жизни людей, единство содержания и выразительных средств, в конкретном произведении. Понятие жанра в музыке вводит школьников в круг специальных терминов, применение которых необходимо для дальнейшего изучения музыкальной литературы. При изучении темы «Песня, марш и танец или с чего начинается музыка?» используется При изучении данной темы используется:

  1. Конспекты №4, №5, №6.

  2. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  2. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  3. Рисунки из иллюстрированного сборника «Детский альбом» П.И. Чайковского (Иллюстрации Веры Павловой)

  4. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  5. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  6. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

      1. «Музыкальные жанры. Марши»

      2. «Песня»

      3. «Танец»

4. Видеопособия:

      1. М.И. Глинка опера «Руслан и Людмила»

      2. П.И. Чайковский балет «Щелкунчик»

      3. Н.А. Римский-Корсаков опера «Снегурочка»

В процессе прослушивания и разбора песен учащиеся должны приобрести начальные аналитические навыки, умение ориентироваться в нотном тексте, научиться объяснять содержание песен, а также хорошо освоить характерные черты песенного жанра (взаимосвязь слова и музыки, пения и инструментального сопровождения, особенности куплетной формы, состав исполнителей). Параллельно осваивается ряд специальных понятий и терминов (куплет, припев, запев, инструментальное вступление, отыгрыш, аккордовое сопровождение, заключение, пунктирный ритм, солист, a capella), названия хоровых составов и типов певческих голосов, которые будут звучать при прослушивании в звукозаписи. Единство музыкального и поэтического аспектов позволит уточнить связи выразительных средств музыки и поэтического текста, глубже, многограннее представить содержание песен. Рассказ может быть дополнен краткими сведениями об авторах, истории создания и исполнения некоторых песен.

Подбор песен, проводимых в учебнике, последовательность разбора и прослушивания, дадут детям представление о песенном жанре, продемонстрируют художественное своеобразие каждого из представленных образцов и позволят увидеть в них отражение значительных событий недавней истории.

Календарные песни: колядки, веснянки, былины, исторические, лирические, шуточные, плясовые, колыбельные.

Хор «Славься!» из оперы М.И. Глинки «Иван Сусанин»

Ф. Шуберт «Форель»

М.Мусоргский «В углу» из цикла «Детская»

Рахманинов «Вокализ»

Крылатов «Крылатые качели»

Основные средства выразительности, присущие жанру марша; различные виды. Связь музыки с движением. Песенные марши.

Марш Преображенского полка

Агапкин «Прощание славянки»

Траурный марш на смерть героя (Бетховен Соната № 12)

Верди Д. Марш из оперы «Аида»

Прокофьев С. Марш из оперы «Любовь к трём апельсинам»

Танец как вид искусства и жанр музыки. Народное происхождение танцев, как национальная основа. Художественное богатство образцов танцевальной музыки. Разнообразие структур танцевальных пьес. Старинные танцы; танцы XIX века. Новые веяния в танцевальной музыке.

Чайковский П. Камаринская (из «Детского альбома»)

Чайковский П. Трепак из балета «Щелкунчик»

Стравинский.С. Хоровод «Весна священная»

Хачатурян А.. Лезгинка из балета «Гаянэ»

Мусоргский М. Гопак из оперы «Сорочинская ярмарка»

Штраус. Вальс «На прекрасном голубом Дунае»

Сметана Б. Полька из оперы «Проданная невеста» (фрагмент)

Венявский Г. Мазурка для скрипки и фортепиано ля минор

Огиньский М. Полонез ля минор

Бах. Сицилиана.

Россини. Тарантелла.

Моцарт. Менуэт из оперы «Дон Жуан»

Освоение новых понятий и терминов при изучении инструментальных произведений маршевой и танцевальной музыки: период, трехчастная форма, реприза, варьирование (и производные от него термины), мелодический оборот, аккордовое изложение, ритмический рисунок, инструментальный наигрыш и других. Марш и танец как самостоятельные пьесы и как составные части крупных сочинений. Песенность, маршевость, танцевальность как основа многих произведений музыкального искусства. Метафора о «трех китах в музыке», которую использовал Д. Кабалевский.

Активное участие детей в освоении нового учебного материала, использование их наблюдений и познаний, самостоятельно приобретенных в разностороннем общении с музыкой, позволит теснее связать музыку как искусство с музыкой, как с явлением повседневной жизни. Изучение темы должно подвести учащихся к достаточно свободному владению рядов специальных понятий, умению применять в учебной работе их терминологические обозначения. Введение нового понятия, определения усваиваются лучше, когда становится обобщением наблюдений, итогом беседы с преподавателем. Но могут встретиться и такие понятия, термины, объяснения которых целесообразно дать позже, при изучении других тем: театральная музыка, балет, опера, сюита, ансамбль и другие. Такой прием предварительного знакомства с понятиями, также как постоянное обращение к ранее усвоенным знаниям, - проявление дидактической закономерности, способствующей качественному усвоению материала.

КОНСПЕКТ № 4

МУЗЫКАЛЬНЫЕ ЖАНРЫ. МАРШ.

В любом виде искусства существует такое слово – ЖАНР. В переводе с французского означает тип, род, манера. Этим словом мы называем вид произведений, который имеет свои отличительные черты, свое содержание, форму и назначение. Чтобы лучше понять что это такое, попробуем обратиться к живописи. Вы знаете, что картина, на которой изображен человек, называется портрет. Если на полотне изображена природа - это пейзаж, изображение фруктов, дичи и т.д. называется натюрмортом. Так вот, пейзаж, портрет, натюрморт – это жанры в живописи. В литературе это повесть, роман, рассказ, очерк. Есть свои жанры и в музыке, причем различаются они еще и по способу исполнения. В симфонической музыке это симфония, концерт, сюита; в камерной – трио, квартет, соната, прелюдия; в вокальной – романс, опера, оратория, кантата.

Существует 3 основных музыкальных жанра: МАРШ, ПЕСНЯ, ТАНЕЦ.

МАРШ – с французского «ходьба». В музыке так называются пьесы, написанные в четком, энергичном ритме, 2-х дольном размере, под который удобно маршировать.

Марши бывают: торжественные

спортивные

военные

сказочные

похоронные

1. Марш из оперы «Аида» Верди – сказочная и пышная церемония встречи победителей. Играют 2 оркестра: духовой и симфонический, солирует труба.

2. «Марш Преображенского полка» - это военный марш. Фанфарные ходы в мелодии, четкий ритм, темп энергичного марша.

3. «Прощание славянки» - это военный марш сочинил военный дирижер В.И.Агапкин. Тогда, в 1912 г., шла война между странами Балканского полуострова и Турцией. Многие славянские женщины провожали своих близких на фронт. Марш «Прощание славянки» посвящен им.

4. Марш из балета «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева – звонкая мелодия утверждает настроение бодрости и жизнерадостности.

5. Марш из балета «Щелкунчик» Чайковского сопровождает новогоднюю елку. Звучит марш в верхнем регистре, в мажорном ладу, что рисует образ детей.

6. «Шествие Берендея» из оперы «Снегурочка» Римского-Корсакова – торжественный сказочный марш. Мелодию играют трубы, тромбоны, скрипки.

7. Марш Черномора из оперы «Руслан и Людмила» Глинки рисуется образ коварства, жестокого уродливого волшебника – Черномора. Мелодия властная и неуклюжая. Играют медные инструменты.

8. Траурный марш на смерть героя (Бетховен Соната №12). Траурные марши сопровождают погребальные шествия. Они всегда в миноре и медленном темпе.

КОНСПЕКТ № 5

ПЕСНЯ.

Песня – самый популярный вид музыки. Она звучит всюду, и рассказывает обо всем: о маме, о Родине, труде человека, мире и войне, любви, природе, людях.

Мелодия в песне всегда одна. Она повторяется несколько раз с разными словами образуя куплеты – куплетная форма. Часто в конце куплета звучит припев – слова в нем не изменяются (обычно поется хором).

В песне может быть аккомпанемент: фортепиано, баян, ансамбль инструментов или оркестр. Такие песни нередко имеют инструментальное вступление, иногда – отыгрыш (между куплетами) и заключение.

Хоровое произведение без инструментального сопровождения называется - а капелла.

Песни древних славян были связаны с их языческими верованиями (бог солнца, огня, дождя, неба – т.к. люди не могли объяснить природные явления). Человек поклонялся им, просил, заклинал их даровать тепло, свет, удачу. Эта вера привела к созданию древних языческих обрядов, праздников, игр, которые сопровождались плясками и песнями. Они передавались из уст в уста. Каждый исполнитель приносил в нее что-то свое (нередко те же песни пелись в разных селениях с разными напевами).

Музыкальный фольклор(с английского «народная мудрость») – это народные песни, танцы, былины, инструментальные наигрыши.

Древние песни: календарные или обрядовые – связаны с годовым кругом земледельческих работ. Они исполнялись в определенное время года.

Праздник «зимнего солнцеворота» - «поворот зимы на лето» (позднее «Рождество Христово») – вечер 24 декабря. Молодежь ходила по избам и пели песни-колядки. (Колядка «Щежровочка»).

Веснянки – песни, которые пелись в праздник встречи весны. Это был день весеннего равноденствия – 22 марта. В этот день пекли из теста птиц, девушки и дети исполняли особые заклинание весны. Жилища украшали растениями, плели венки. (Веснянка «Щедровочка»).

Былины – это древние песни-сказы о подвигах русских богатырей, о важных исторических событиях. Их создавали сказители – поэты-музыканты, которых называли на Руси Боянами. (Былина «Жил Святослав).

Исторические песни – появились примерно в 14 веке. Они рождались как горестный отклик народа на страдания, принесенные монголо-татарским игом. В исторических песнях нет вымысла, преувеличения, как в древних былинах. (Историческая песня «Из-за острова на стрежень»).

Лирические песни пелись, если возникало желание излить душу, свои чувства: раздумье о горькой доле, о любви к родному краю. Эти песни еще называли «протяжными», т. к. в них широко распеваются слоги (а точнее, гласные). (Лирическая песня «Не шуми, мати зелёная дубравушка»).

В шуточных и плясовых песнях слово и мелодия подчинялись танцевальному четкому ритму. (Шуточная песня «Журавель», плясовая песня «Я с комариком плясала»).

Колыбельная – это первые лирические песни, которые слышит ребенок. Их ласковые интонации и спокойный, «успокаивающий» ритм выражает нежность матери, тихо качающей колыбель. (Колыбельная песня «За берёзовым пеньком»).

Исполняться песни могут в одиночку и вместе.

Соло – в переводе с итальянского означает «один».

Дуэт – 2 исполнителя.

Трио – 3 исполнителя.

Квартет – 4 исполнителя.

Квинтет – 5 исполнителей.

Секстет – 6 исполнителей.

Септет – 7 исполнителей.

Октет – 8 исполнителей.

Нонет – 9 исполнителей.

Хор – 10 и более исполнителей.

Хор — это большая группа певцов. Хоры бывают женские, мужские, смешанные детские. (Хор «Славься!» из оперы М.И.Глинки «Иван Сусанин» ).

КОНСПЕКТ № 6

ТАНЕЦ.

Танец – это вид искусства, в котором мысли и чувства передаются при помощи пластических движений тела под музыку. Он возник в древности из характера народа, его жизни и образа занятий. Многие народные пляски произошли от древних трудовых движений или древних игр. Часто в них изображалось то, о чем говорилось в словах песни.

1. Трепак из балета «Щелкунчик» Чайковского – 2-х дольный, русский танец, который имеет жизнерадостный характер. Это задорный, ритмически четкий танец с лихим притопыванием. В нем отражается ловкость, сила, удаль танцоров.

2. Хоровод «Весна священная» Стравинского – русский девичий танец. Плавные, неторопливые движения девушек, сплетающие кружево танца, сочетаются с плавными линиями длинных сарафанов, сдержанностью жеста.

3. Камаринская из цикла «Детский альбом» Чайковского – русская народная пляска. Ей присущ 2-х дольный размер, мажорный лад, быстрый темп.

4. Гопак из оперы «Сорочинская ярмарка» Мусоргского – украинский народный танец. Для него характерен 2-х дольный размер, задорный характер.

5. Лезгинка из балета «Гаянэ» Хачатуряна. Этот танец распространен у народов Кавказа. Быстрый, темпераментный, требующий силы и ловкости от юноши, плавности и изящества от девушки.

6. Сицилиана Баха – старинный итальянский танец (его родина – остров Сицилия). Он отличается мягким, сдержанным характером, неторопливыми и плавными движениями. Спокойный темп в размере 6 8.

7. Менуэт Моцарта из оперы «Дон Жуан»– 3-х дольный французский танец с поклонами и приседаниями.

8. Вальс «На прекрасном голубом Дунае» Штрауса– за происхождение этого танца борются 3 страны: Франция, Чехия, Австрия. Для него характерны: 3-х дольный размер и аккомпанемент, где на первую долю идет бас, а на вторую и третью доли аккорды.

9. Полька из оперы «Проданная невеста» Сметаны – чешский народный танец (от слова «половинка»). Танцевали его мелкими полушагами, с подскоками и поворотами. Ей присущ задор, юмор и 2-х дольный размер.

10. Мазурка для скрипки и фортепиано ля минор Венявского – польский народный танец. Название произошло от названия одной из областей Польши – Мазовии. Мазурка – это парный танец, где нет заранее продуманных фигур. Размер мазурки ¾.

11. Полонез Огиньского. Полонез польский, торжественный танец-шествие. Раньше его называли «великим» или «пешим» танцем. Размер полонеза ¾.

Тема 3

Народная песня в произведениях классиков русской музыки

или как связана музыка композиторов с музыкой народной?

Народная песня – музыкально-поэтическое искусство, обладающее неувядаемой художественной красотой. Неисчерпаемое богатство содержания народных песен. Отражение в песне различных сторон жизни народа: его истории, повседневного быта, выражение в них богатого внутреннего мира людей. Разнообразие песенных жанров фольклора и местных традиций исполнения. Взаимосвязь вокального, инструментального и танцевального искусства в народном творчестве.

Любовь композиторов-классиков к народу и его песне. Тщательное изучение и собирание ими лучших образов народного музыкального искусства. Глинка – создатель первых выдающихся произведений русской музыкальной классики, написанных на мелодии народных песен. Сборники народных песен Балакирева, Римского-Корсакова, Чайковского, Лядова. Произведения на народные темы. Использование народных мелодий в оперной, симфонической и камерной музыке. Создание композиторами-классиками музыкальных тем, близких народным мелодиям. Широкое претворение элементов народно-песенного искусства в музыке композиторов.

Данная тема выделяется разнообразием музыкального материала, в том числе жанровым, несет новую учебную информацию. Простая песня соседствует здесь с относительно развернутыми образцами вокальной и инструментальной музыки, с которыми учащиеся знакомятся впервые. Изучение народных песен в обработке и в произведениях композиторов-классиков позволяет связать народное творчество с профессиональным искусством. При изучении данной темы используется:

1. Конспект №7

2. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  2. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  3. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

  1. «Народная песня в произведениях русских композиторов»

В процессе изучения музыкальных произведений требуют тщательного объяснения следующие, впервые встречающиеся понятия, слова, специальные термины: народное творчество, фольклор, цитирование и свободная обработка народных мелодий, аранжировка, подголосок, унисон, дублирование (вокальной мелодии в аккомпанементе), крепостные музыканты, сказитель, хоровод, эпический, речитативный склад, варьированные куплеты, переменный размер, смена лада, квартет, концерт (два значения каждого из терминов), струнный квартет, финал, пиццикато, пикколо, названия народно-песенных жанров и музыкальных инструментов.

Балакирев М. Сборник «40 русских народных песен»: №25 «Заиграй моя волынка»; №40 «Эй, ухнем»

Римский-Корсаков Н. Сборник «100 русских народных песен»: №8 «Как за речкою, да за Дарьею»

Чайковский П. Сборник «50 русских народных песен» (для фортепиано в 4 руки):

«Я вечор, млада, во пиру была»

Глинка М. Вариации для фортепиано на тему песни «Среди долины ровныя»

Мусоргский М. Песня Марфы из оперы «Хованщина»

Римский-Корсаков Н. Песня Садко с хором из оперы «Садко» («Высота ль, высота поднебесная»)

Чайковский П. Струнный квартет №1, ч. II

Концерт №1 для фортепиано с оркестром: финал

Лядов А. «8 русских народных песен для оркестра»: Протяжная, Шуточная, Колыбельная, Плясовая

Каждая пьеса прослушивается отдельно, непосредственно за ее характеристикой и разбором. Так же следует в дальнейшем поступать при изучении «Зимнего костра» С. Прокофьева и

«Пер Гюнта» Э. Грига.

В качестве задания по данной теме можно поручить детям найти среди пьес, которые они исполняют или играли недавно, такие, где звучат народно-песенные мелодии (проверка задания возможна в любой форме).

КОНСПЕКТ № 7

НАРОДНАЯ ПЕСНЯ В ПРОИЗВЕДЕНИЯХ РУССКИХ КОМПОЗИТОРОВ.

Истоки музыки русских композиторов-классиков уводят в русское народное творчество. Народное творчество, как неисчерпаемый родник, питает их чудесными мелодиями, подсказывает сюжеты и темы.

Многие художественные образы, созданные народной фантазией, нашли новую жизнь в произведениях композиторов. Из народных сказок и былин пришли в музыку Снегурочка и Золушка, Садко и Лель, Кащей Бессмертный и Баба-Яга.

Народное происхождение имеют и музыкальные инструменты. Пастушьи рожки и свирели, рога и гудки, гусли и различные ударные инструменты, на которых играли народные музыканты, пройдя через руки умелых мастеров, превратились со временем в гобои и флейты, валторны и арфы, скрипки и виолончели.

Но особенно привлекали композиторов мелодии народных песен и плясок – народный музыкальный язык.

Наиболее ярко связь композиторов с народным творчеством проявилась в русской музыке. Творчество Глинки, Даргомыжского, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакого и Чайковского не могло достигнуть такого высокого расцвета без этой связи с народной песней.

В песнях отражаются героическая история народа и его повседневная жизнь, сокровенные думы и мечты о счастье. Среди русских народных песен есть трудовые и праздничные, хороводные и плясовые, свадебные и протяжные, ямщицкие и бурлацкие, рекрутские и солдатские, городские песни и частушки, а также древние былины, имеющие мелодию и исполняемые на распев.

Более ста лет назад в России началось изучение лучших образцов народного творчества. Композиторы-классики записывали, обрабатывали и изучали мелодии народных песен. Составляя сборники песен, композиторы сумели сохранить и передать всю красоту и самобытность народного искусства.

Наиболее известными являются сборники народных песен в обработке Балакирева, Римского-Корсакова, Чайковского и Лядова.

Народные песни в обработке Римского-Корсакова и Чайковского.

В сборник Римского-Корсакова «Сто русских народных песен» для голоса с фортепиано вошли былины, свадебные, протяжные, плясовые и хороводные песни, а также календарные, исполнявшиеся в дни древних народных праздников.

В сборнике есть песни, созданные нашим народом много веков назад. Среди них историческая песня «Как за речкою, да за Дарьею». События, о которых поётся в песне, относятся к далёкому прошлому. Взятая в плен татарами русская женщина встречает там после долгой разлуки свою дочь, похищенную у неё ещё ребёнком. Мелодия песни задушевная, лиричная, неторопливая, исполняется в спокойном темпе. Партия фортепиано изложена аккордами, что усиливает впечатление величавости, которое характерно для песен эпического склада.

С большой любовью относился к народной песне П.И.Чайковский. Его сборник «50 русских народных песен» предназначен для исполнения на фортепиано в четыре руки. Наряду со старинными песнями здесь помещены и песни более позднего происхождения, которые в XVIII и XIX веках получили распространение в русских голосах.

Плясовая «Я вечор, млада, во пиру была» имеет удалой, задорный характер, с чётким и упругим ритмом.

Песня Марфы из оперы Мусоргского «Хованщина». Яркие картины из жизни народа создал в своих операх и вокальных произведениях М.П.Мусоргского. Он часто обращался к русским и украинским песням. В его опере «Хованщина», написанной на русский исторический сюжет, звучит несколько замечательных песенных мелодий. Среди них известная протяжная лирическая песня «Исходила младешенька» со спокойной, задушевной мелодией. Во всех шести куплетах мелодия остаётся неизменной, а аккомпанемент различный. Варьируя сопровождение, композитор стремился подчеркнуть содержание каждого из куплетов песни.

Тема 4

Программно-изобразительная музыка, или что помогает услышать и понять замысел композитора в инструментальном произведении?

Обращение к произведениям программной и программно- изобразительной музыки позволяет ввести подростков в мир достаточно сложных инструментальных сочинений и познакомить их с выдающимися образцами фортепианной и симфонической музыки. Учащихся следует научить свободно отличать программные сочинения от других инструментальных пьес, для чего рассказ преподавателя должен содержать объяснение основных признаков программной музыки (прежде всего, это название произведения, поясняющее его содержание и раскрывающее замысел автора). Для большей наглядности объяснений целесообразно воспользоваться сборниками фортепианных сочинений для детей (например, П. Чайковского, С. Прокофьева,

Р. Шумана), в которых программные пьесы чередуются с имеющими только жанровое обозначение (вальс, мазурка, песня, марш и другие). Учащиеся должны также хорошо представлять источники содержания и программных сочинений, картины природы, образы народного творчества, произведения литературы, живописи, реальные события жизни. В качестве примеров можно назвать (с соответствующими пояснениями) различные произведения классической и современной музыки. Требует пояснения и выразительные возможности звукообразовательных приемов, их художественная природа в музыке.

При изучении пьес П. Чайковского, М. Мусорского, С. Прокофьева должны найти применение знания, приобретенные на предшествующих занятиях. Кроме того, должны быть усвоены следующие понятия: цикл, сюита, измененная реприза, тремоло, attacca.

Краткая характеристика П. Чайковского «Времена года» и М. Мусоргского «Картинки с выставки» с музыкальными иллюстрациями по выбору преподавателя.

Разбор и прослушивание пьес «На тройке» и «Избушка на курьих ножках».

Обращение к нотному тексту при характеристике циклов и отдельных пьес.

С. Прокофьев. Сюита «Зимний костер» (стихи С. Маршака).

Содержание произведения. Сюжетное развитие событий. Картинки из жизни школьников. Образы природы в музыке сюиты. Строение произведения. Стихи и музыка. Понятие о сюите. Чередование контрастных музыкальных номеров. Использование звукоизобразительных приемов. Мелодическое, гармоническое и тембровое богатство музыки сочинения. Встреча «трех китов». Состав исполнителей.

Следить по нотам хрестоматии во время прослушивания можно выборочно, под руководством преподавателя, ввиду определенной сложности задания. При изучении темы используется:

      1. Конспект № 8.

      2. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  2. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  3. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  4. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

  1. «Программно-изобразительная музыка»

КОНСПЕКТ № 8

ПРОГРАММНО-ИЗОБРАЗИТЕЛЬНАЯ МУЗЫКА.

Инструментальным произведениям композиторы дают названия, поясняющие их содержание. Например: в «Детском альбоме» Чайковского пьесы «Утреннее размышление», «Болезнь куклы», «Похороны куклы».

Название произведения помогает слушателям понять его содержание, а исполнителям – лучше выразить замысел автора.

Иногда помимо названия композитор дает произведению предисловие – программу, т. е композитор раскрывает свой замысел не только с помощью средств музыки, но и с помощью названия произведения и программы – это и есть программная музыка.

Для изображения картин природы композиторы используют звукоизобразительные приемы: пение птиц передается с помощью верхнего регистра, форшлагов, трелей.

С помощью приемов звукоизобразительности можно передать в музыке: волны моря, шелест листвы, журчание ручейка.

П.И.Чайковский «На тройке»

Эта пьеса из сборника «Времена года», который состоит из 12 программных пьес по числу месяцев в году. Каждая пьеса имеет свой образ и название, поэтический эпиграф из стихотворений русских поэтов.

Эпиграфом к пьесе «На тройке» (ноябрь) взят отрывок из стихотворения Некрасова «Тройка». В пьесе рисуется картина заснеженной дороги и мчащейся по ней тройки.

Состоит пьеса из 3-х частей:

1часть – широкая, песенная мелодия, русского склада (песня ямщика).

2часть – задорная, веселая мелодия (картина быстрой езды на тройке).

3часть – реприза 1 части.

М. П. Мусоргский «Избушка на курьих ножках».

Эта пьеса одна из 10 фортепианных пьес М. П. Мусоргского, образующих цикл «Картинки с выставки». Мусоргский создал его под впечатлением рисунков своего друга художника В. А. Гартмана. Каждая из пьес служит музыкальной иллюстрацией к какому-либо из рисунков В.П.Гартмана.

Пьеса «Избушка на курьих ножках» навеяна рисунком Гартмана, на котором изображены часы в виде избушки Бабы-Яги. В пьесе 3 части:

1 и 3 части – полет Бабы-Яги

2 часть – картина дремучего сказочного леса.

Тема 5

Музыка в театре или может ли театр обойтись без музыки,

а музыка без театра?

Этой теме отводятся последние семь уроков. Ее изучению следует придать обобщающий характер, широко обращаясь к знаниям, приобретенным в течение года. Их применение при освоении нового учебного материала послужит успешному решению ряда дидактических задач. В процессе изучения темы учащиеся должны получить общее представление о театре как виде искусства и основных музыкально-сценических жанрах: опере, балете, оперетте и музыке к драматическому спектаклю.

В числе новых понятий, слов, терминов, которые усваиваются при работе над темой, следующие: театральное представление (спектакль), сценическое действие, драматург, режиссер, драма, комедия, пьеса, музыкальный театр, действие (акт), картина, пантомима, дивертисмент, артист, статист, гусляр, ария, романс, речитатив, пасторальный, кода, канон, хроматические полутоны, ладовая неустойчивость, целотонная гамма. Одни из них требуют тщательного разъяснения для свободного употребления в дальнейшем, другие же – лишь верного понимания в контексте. В теме впервые упоминаются колокольчики, гусли, челеста, что дополняет представления учащихся о музыкальных инструментах. При изучении данной темы используется: 1. Конспекты №9, №10, №11.

2. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрациик сюите Э.Грига «Пер Гюнт»

  2. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  3. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  4. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  5. Иллюстрации из альбома «Михаил Иванович Глинка». (Автор А.С. Розанов)

  6. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

  1. «Музыка в театре»

  2. «Балет»

  3. «Опера»

4. Видеопособия:

      1. М.И. Глинка опера «Руслан и Людмила»

      2. П.И. Чайковский балет «Щелкунчик»

      3. И.Ф. Стравинский балет «Петрушка»

      4. С.С. Прокофьев «Золушка»

Э. Григ. Музыка к драме Г. Ибсена «Пер Гюнт».

Музыка в драматическом театре, ее функции. Создание великими композиторами замечательных образцов музыки к драматическим спектаклям. Музыка Грига к драме Ибсена – наиболее известное произведение композитора. Яркое и самобытное отражение в ней образов драмы, природы Норвегии, народной фантазии. Богатство и национальное своеобразие выразительных средств, используемых композитором. Концертная версия музыки. Две симфонические сюиты «Пер Гюнт» как пример программной музыки.

«Утро»

«Смерть Озе»

«Таней Анитры»

«В пещере горного короля»

Песня Сольвейг

П. Чайковский. Балет «Щелкунчик».

Основные черты балета как музыкально-сценического жанра; объединение тем музыки, танца и сценического действия. Танцевальная основа музыки; чередование отдельных законченных танцевальных пьес.

Чайковский – создатель русского классического балета. Сказочное содержание «Щелкунчика», отражение в его музыке мира детских грез и сновидений. Неповторимое своеобразие каждого музыкального номера балета.

Испанский танец

Арабский танец

Китайский танец

Танец пастушков

Танец Феи Драже

М. Глинка. Опера «Руслан и Людмила»

Синтетичность оперного жанра. Ведущее значение музыки. Единство вокального и инструментального начала. Основные элементы оперы: ария и ее разновидности, ансамбли, хоры, балетные сцены и оркестровые номера. Различные типы опер. Обращение к опере великих композиторов прошлого. Опера в наши дни.

Глинка и Пушкин. Сюжет и композиция оперы «Руслан и Людмила», ее сказочно-эпические черты. Яркое воплощение в музыке образов поэмы Пушкина. Светлый, жизнеутверждающий характер произведения. Характерные черты отдельных эпизодов музыки. При разборе каждого музыкального номера оперы учащиеся должны ясно представлять место действия, сценическую ситуацию, понимать смысл музыки. Например, в сцене похищения Людмилы музыка сначала характеризует событие и его участников (оркестр), а затем состояние людей – свидетелей происшедшего (ансамбль, хор).

Две песни Баяна, сцена похищения Людмилы из I д.; ария Фарлафа, ария Руслана из II д.; персидский хор из III д.; ария Людмилы, марш Черномора, восточные танцы из IV д.; хор «Ах ты, свет Людмила» из V д.

КОНСПЕКТ № 9

МУЗЫКА В ТЕАТРЕ.

В театре сюжет и характеры героев раскрываются через сценическое действие, игру актеров. К театральным жанрам относятся:

опера

оперетта («маленькая опера», произведение комедийного характера)

балет

водевиль (небольшая веселая комедия с музыкой и пением)

драма

комедия

Музыка в драматическом театре.

Музыку к пьесе, в драматическом театре композитор создает обычно в содружестве с драматургом или по заказу театра. Это песни, танцы, хоры, инструментальные эпизоды.

Музыка помогает ярче обрисовать момент действия, передать настроение героев.

Э. Григ «Пер Гюнт».

«Пер Гюнт» - пьеса драматурга Генрика Ибсена. Герой драмы – Пер Гюнт – норвежский крестьянин, у которого нет в жизни настоящего дела, бесцельно тратит годы. Он фантазер и мечтатель. Он скитается по свету и музыка рисует людей, которых он встречает на своем пути, события, которые с ним происходят. В странствиях по миру Пер несколько раз достигает своей мечты – сказочного богатства. Но приобретая Ибсен связал приключения Пер Гюнта с эпизодами из старинных норвежских легенд и преданий.

Эдвард Григ воспел суровую красоту природы Норвегии, фантастику, старинный быт, человеческие чувства.

Григ составил 2 оркестровые сюиты из номеров музыки к драме «Пер Гюнт».

Сюита №1

1. «Утро» - краски рассвета, плавная песнь пастушка ( флейта и гобой) – пасторальное произведение, где изображаются картины природы, сцены сельской жизни.

2. «Смерть Озе». Озе это мать Пер Гюнта, которая умирает. Andante doloroso

(не спеша с болью) – темп и характер пьесы. Фактура аккордовая. Мелодия траурная, в жанре марша. Постепенно мелодия переносится в низкий регистр.

3. «Танец Анитры». В Аравийской пустыне Пер попадает к вождю племени бедуинов. Дочь вождя - Анитра, пытается очаровать Пер Гюнта. Мелодия исполняется скрипками, им аккомпанируют виолончели и контрабасы на стаккато.

4. «В пещере горного короля». Странствуя, Пер попадает в царство троллей (-это фантастические злые существа). Пер не подозревает об опасности и чуть не погибает в мрачной пещере, окруженный «духами тьмы».

Сюита № 2 включает 5 пьес. Наиболее известная из них «Песня Сольвейг». Сольвейг – невеста Пера, которая ждала его 40 долгих лет. Песня обрамлена вступлением и заключением. Мелодия – напевная, в народном духе.

КОНСПЕКТ № 10

БАЛЕТ.

БАЛЕТ (с итал. – танец) – это музыкально-театральное произведение или спектакль, в котором объединены музыка, танец, драматическое и изобразительное искусства.

Как и в любом (театральном) спектакле, в балете есть сюжет, действующие лица. Его герои наделены человеческими чувствами, они думают, радуются и страдают, через танцевальные движения под музыку.

Кроме танцев в балете большую роль играет пантомима – т.е. немая игра из жестов и мимики.

Сольный танец в балете – 1 танцор;

- па-де-де – танцевальные дуэты;

- па-де-труа – танец 3 героев;

- «хор» - большая группа артистов в больших массовых сценах называют кордебалет.

П. И. Чайковский балет «Щелкунчик».

Сюжетом для балета «Щелкунчик» послужила детская сказка немецкого

писателя Э.Т. Гофмана, о приключениях девочки Маши, которые приснились ей после новогодней елки. Балет состоит из 2-х действий (части).

I действие. В комнате вокруг елки веселятся дети. Появляется фокусник. У него Щелкунчик – кукла раскалывающая орехи. Брат Маши сломал ее. Вечер закончен. Маша ложится спать, но ей не спится. Она пробирается в зал, к Щелкунчику – все вокруг оживает. Вдруг из щелей выползают мыши, которые уничтожают пряничных солдатиков. Происходит поединок оловянных солдатиков и мышей. Маша кидает туфельку в мышиного короля, Щелкунчик ранил его, и мыши разбегаются. Щелкунчик превращается в юношу-принца, и с Машей отправляется в путь.

II действие – происходит в волшебном царстве сластей. Фея Драже со своей свитой встречает Щелкунчика и Машу. Начинается праздник. На столе: шоколад, кофе, чай, леденцы, цветы – все танцуют. И праздник завершается всеобщим вальсом.

Все танцы образуют дивертисмент – это отдельный танец, или вереница танцев, которые не связаны с развитием действия. Каждый танец имеет название и представляет законченную пьесу (например: «Трепак», «Вальс»). Музыкальные характеристики получают и различные лакомства царства сластей.

1. «Арабский танец» - кофе. Мелодия грустная, медленная с однообразным аккомпанементом. Напоминает восточную песню.

2. «Китайский танец» - чай. Живой, веселый, комичный. В верхнем регистре, резко со свистом у флейты звучит тема. А 2 фагота в сопровождении. Такой контраст тембров производит игрушечный эффект.

3. «Танец пастушков» звучит в спокойном темпе. Первую тему играет 3 флейты, а вторую – 2 трубы.

4. «Танец Феи Драже». В ее музыкальной характеристике, Чайковский использовал – челесту (ударно-клавишный инструмент, привезенный из Франции).

5. «Испанский танец». Мелодия с движением, которую играет труба. Чайковский использовал кастаньеты.

КОНСПЕКТ № 11

ОПЕРА.

Опера – (с итальянского – труд, дело, сочинение) – это, как и балет, большое театрально-музыкальное произведение, которое исполняется только на сцене театра. Это жанр синтетический, появившийся из содружества различных искусств: музыка, танец, поэзия, живопись, театр (игра актеров). Опера родилась около 400 лет назад, в Италии. Эту страну называли bel canto , что означает прекрасное пение.

Из чего состоит опера? Прежде всего, композитору необходимо либретто (с итальянского «книжечка») - это полный словесный текст музыкально-сценического произведения. Сочиняют либретто поэт или драматург обычно вместе с композитором.

В поисках сюжетов, для своих опер, композиторы обращаются к художественной литературе (мифам, сказкам, поэмам, повестям, романам, летописям.) Отсюда и жанр оперы, например сказочная опера «Снегурочка» Римского-Корсакого по сказке А.Островского; историческая народная драма «Иван Сусанин» Глинки – исторические события; лирическая опера «Евгений Онегин» Чайковского роману в стихах Пушкина – о любви; бытовая «Сорочинская ярмарка» Мусоргского. Далее композитор пишет партитуру.

Опера обычно состоит из нескольких (3-х, 4-х) действий или актов, которые в свою очередь состоят из 2-х, 3-х картин. Перерыв между действиями называется – антрактами. Опера иногда открывается увертюрой, интродукцией, т.е. вступление, введение.

Основу составляют сольные и ансамблевые вокальные номера.

а) сольный номер – соло (один) – это музыкальная характеристика героя. Ария, монолог, речитатив, каватина, песня, романс.

б) ансамблевые (с французского – «вместе») – это музыкальный номер, исполняемый несколькими певцами: дуэт -2, трио -3. квартет – 4, квинтет-5.

в) хор – певческий коллектив (женский, мужской, смешанный, детский). Хор в опере – коллективное действующее лицо оперы или «комментатор».

М.И. Глинка Опера «Руслан и Людмила».

Великий русский композитор Михаил Иванович Глинка сочинил 2 оперы:

«Иван Сусанин» - историко-героическая опера

«Руслан и Людмила» - сказочно – эпическая.

Опера «Руслан и Людмила» написана в 1842 году на сюжет одноименной поэмы

А. С. Пушкина.

Жанр оперы: первая русская сказочно-эпическая опера.

Эпос – произведения народного творчества, героические сказания, песни.

Либретто (текст оперы): М. И. Глинка.

Герои:

Руслан

Людмила

Волшебник Финн – добрый волшебник

Баян – древнерусский певец и гусляр

Фарлаф, Ратмир Хазарский хан – отвергнутые женихи Людмилы

Князь Светозар – отец Людмилы

Черномор – злой волшебник

Наина – злая волшебница

Композиция оперы: увертюра и 5 действий.

ВТОРОЙ ГОД ОБУЧЕНИЯ

Классики европейской музыки

Тема 6 (1)

Введение. Музыка от древнейших времен до XVIII века.

Формирование классического стиля в музыке.

Музыка в Древнем мире. Расцвет искусств в античную эпоху. Появление нотации. Возникновение и развитие многоголосия; полифония и гомофония. Музыка в храме: месса, оратория и кантата.

Развитие инструментальной музыки. Произведения для органа, скрипки, клавесина.

Формирование классического стиля в музыке. Появление в XVIII веке новых жанров циклических инструментальных произведений – симфонии, сонаты и квартета. При изучении данной темы используется:

  1. Конспект № 12 (1) , №13 (2)

  2. Наглядные пособия:

1. Иллюстрации для изучения темы «Оркестр»

  1. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  2. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  3. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  4. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  5. Иллюстрации из книги «Боги и богини». Зачарованный мир.

  6. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  7. Иллюстрации из иллюстрированного энциклопедического словаря Терра лексикон

  8. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособие:

      1. «Введение. Музыка от древних времён до XVIII века. Формирование классического стиля»

      2. «Зарубежная музыка. Классицизм»

КОНСПЕКТ № 12 (1)

Значение античной музыки, как и в других видов искусств Древней Греции, трудно переоценить.

Музыка занимала большое место в общественной жизни Древней Греции. Она сопровождала праздники, звучала на театральных представлениях, помогала людям трудиться. Многие греки умели петь, играть на струнных инструментах – лире и кифаре.

Об этом рассказывают нам поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея», изображения музыкантов на греческих вазах, росписи богатых гробниц. От музыки древних греков до нас дошли отдельные немногочисленные фрагменты. Это погребальная и лирическая песня, 12 строк пеана — гимна радости в честь бога Аполлона, покровителя искусств.

Греки были хорошими танцорами, водили плавные хороводы, знали быстрые танцы с прыжками. Многие фигуры танцев воспроизводили движения гимнастов, воинов, работающих людей. Пляски обычно сопровождались игрой на духовом инструментов — авлосе. Торжественные сказания исполняли профессиональные певцы — аэды и рапсоды. С течением времени развивается хоровая, сольная лирика, трагедия, комедия, инструментальная музыка. Эти виды искусства включались в Пифийские игры, на которых наряду с атлетами выступали поэты, певцы, музыканты. Победителей награждали лавровыми венками.

Высоким достижением культуры античности стала трагедия, от которой тянутся нити к европейскому драматическому и музыкальному театру. Древнегреческая трагедия, соединившая в себе драму, танец и музыку, возникла на основе дифирамба (гимна) в честь бога виноградства и виноделия Диониса. Поначалу праздник связывался с культом плодородия, участники дионисий изображали козлоногих сатиров, ряженные сопровождали «бога» шумной толпой, они пели, плясали, играли на музыкальных инструментах. Такие карнавалы с главным номером — дифирамбом — превратились в трагедии. В творчестве Эсхила, Софокла, Еврипида они приобрели большое общественное значение, так как в них затрагивались многие жизненно важные вопросы. Разыгрывались трагедии в театрах, вмещавших до 40000 человек. Партии хора чередовались с партиями актеров. Авторы обычно сами писали музыку.

Значение античной музыки, как и других видов искусств Древней Греции, трудно переоценить. До сих пор музыканты пользуются многими понятиями и терминами, ведущими своё происхождение от греческой теории музыки: «мелодия», «музыка», «гармония», «ритм», «гамма», названиями некоторых музыкальных ладов.

Античные мифы, предания, трагедии в течение многих веков были источником вдохновения для композиторов. Сюжеты первых опер основаны на греческих мифах, и с тех пор композиторы не раз возращались к поэтическим преданиям древнегреческого народа. Миф о певце Орфее, чье пение заставляло плакать камни, усмиряло диких зверей и даже помогло ему проникнуть в «царство мертвых», лег в основу оперы К.В.Глюка, симфонической поэмы Ф.Листа, балета И.Ф.Стравинского. Опера С.И.Танеева «Орестея» также написана на сюжет древнегреческой трагедии.

Музыкальная культура западно-европейского средневековья развивалась приблизительно с IX в. до XIVв. на фоне напряженных исторических перемен. Этот период характеризуется постепенным разложением феодального строя, крестовыми походами, соперничеством церкви и властью королей и феодалов.

Основа музыкального быта этого времени — искусство странствующих артистов, которые были универсальными мастерами: умели сочинять песни, веселые и поучительные сценки, владели цирковыми навыками, играли на всевозможных инструментах — на лютне, средневековой арфе, волынке, на смычковых (ребек, фидель) и на ударных инструментах, на колесной лире и на маленьком переносном органе-портативе. Во Франции такого мастера называли жонглером и менестрелем, в странах немецкого языка — шпильманом, гауклером, в Испании — хогларом, в Сербии — играчом, в Чехии — герецом, на Руси — скоморохом и т.д. Они были обязательными участниками всех крупных событий, будь то календарный праздник, свадьба, торжественный въезд в город его покровителя-суверена, ярмарка, ликование по случаю военной победы, пиршество, коронация и т.д.

В зависимости от обычаев и характера церемоний горожанам предлагались различные зрелища, сопровождавшиеся пением и игрой на инструментах: танец, пантомима, театрализованные истории и легенды, танцы на канате, акробатика, трюки с дрессированными животными. Но на первом месте здесь, безусловно, была музыка.

С IX века начинают записывать музыку специальными нотными знаками на пергаменте. Большинство из ранних нотных записей — одноголосные церковные песнопения, исполнявшиеся хором в унисон или солистами. Это так называемый григорианский хорал (по имени папы римского Григория I, которому легенда приписывает утверждение этого певческого жанра). Вскоре появляются записи образцов светского музыкального искусства. Это песни трубадуров — талантливых провансальских поэтов XIXIV вв. и их собратьев в северной Франции — труверов, в Германии — миннезингеров. Они воспевали прекрасную даму, рассказывали о словесных состязаниях рыцарей, желавших как можно изящнее воздать хвалу своей госпоже.

К IX - X вв. относятся и первые записи полифонических произведений. Прекрасные двухголосные пьесы — органумы с узорчатой парящей мелодией верхнего голоса создали мастера из южнофранцузского монастыря Сен-Марсьяль (конец XI — 1-я половина XII в.). Позднее выдвинулись парижские мастера из собора Нотр-Дам (XIIXIII вв.), а также авторы так называемой рукописи — большого сборника трехголосных пьес — мотетов (XIII в.). Отныне мотет стал распространенным музыкальным жанром на протяжении нескольких столетий.

На этой полифонической основе и на песнях трубадуров и труверов складывалось и творчество композиторов последнего периода средневековья. Они оставили образцы полифонических песен различных жанров и форм: рондо, баллады, виреле, мадригалы. Этот период получил в истории название «Арс нова» («Новое искусство»). Выдающимися мастерами «Нового искусства» были итальянский композитор Франческо Ладино, французский поэт и композитор Гильом де Машо. Творчество де Машо, Ландино и их современников открыло путь следующему этапу — музыке эпохи Возраждения.

Возрождение, или Ренессанс, - период в истории Западной и Центральной Европы, охватывающий примерно XIVXVI вв. свое название это период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей искусства нового времени. Композиторы и теоретики — Й.Тинкторис, Дж. Царлино и другие — изучали древнегреческие музыкальные трактаты; в произведениях Ж.Депре, которого сравнивали с Мекеланжело.

Небывалого расцвета достигли изобразительное искусство, архитектрура, литература, музыка. Музыка постепенно отходит от норм средневекового канона, индивидуализируется стиль, впервые появляется само понятие «композитор». Изменяется фактура произведений, число голосов увеличивается до четырех, шести и более. В гармонии господствует консонирующие созвучия, употребление диссонансов строго ограничивается специальными правилами. Складывается мажорный и минорный лады и тактовая система ритмики, характерные для более поздней музыки.

Музыка эпохи Возрождения развивалась в двух направлениях - церковном и светском. Основные жанры церковной музыки — месса и мотет — многоголосные полифонические произведения для хора без сопровождения и или в сопровождении инструментального ансамбля. Из инструментов предпочтение отдавалось — органу.

Развитию светской музыки способствовал рост любительского музицирования. Появились первые концертирующие исполнители-виртуозы на лютне, клавесине, органе, виоле, различных видах продольных флейт.

В эпоху Возрождения формируются национальные музыкальные школы. Самая крупная из них — нидерландская полифоническая школа. Ее представители — Г.Дюфаи, Й.Окегем, Я.Обрехт, Ж.Депре, О.Ласса. Среди других национальных школ — итальянская (Дж.П.Палестрина), испанская (Т.Л.де Виктория), английская (У.Берд), немецкая (Л.Зенфль).

Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы, подлинный расцвет которых наступает в последующем столетии.

КОНСПЕКТ № 13 (2)

ЗАРУБЕЖНАЯ МУЗЫКА. КЛАССИЦИЗМ.

Классицизм – (от латинского «образцовый») - это стиль и направление в искусстве 17 – 19 в.в., который зародился во Франции.

Основу классицизма составляло убеждение, что всем ходом вещей в природе и жизни управляет единый, всеобщий порядок.

Главные качества классицизма: упорядоченность, гармония, внутреннее единство целого и его частей, строгие пропорции.

Представители классицизма:

П. Корнель, Ж. Расин – драматурги; Ж. Люли, Ж. Рамо – композиторы.

Музыкальные жанры: опера, «лирическая трагедия».

2-ой этап классицизма

18 век – век Просвещения. Время преклонения перед философией, разумом, наукой.

В 18 веке – Французская революция (1789г.) провозглашала идеи свободы, равенства, братства. Это идеи 2-го этапа классицизма – просветительского.

Становление и утверждение национальной школы в Австрии (г.Вена) – «венская классическая» школа, с которой связан расцвет симфонической музыки.

Представители «венской классической» школы: Й. Гайдн, В. Моцарт, Л. Бетховен.

Музыкальные жанры: симфония, соната.

Музыкальные инструменты: фортепиано (1709г.)

Тема 7 (2)

Й. Гайдн.

Франц Йозеф Гайдн (1732-1809) – австрийский композитор второй половины XVIII века, один из создателей основных жанров инструментальной музыки классического типа: симфонии, сонаты, струнного квартета.

Семья Гайдна. Проявление музыкального дарования в юные годы. Пение в хоре, овладение игрой на клавикорде, скрипке. Пребывание в церковной капелле Вены, первые композиторские опыты.

Начало самостоятельной жизни в Вене. Бытовые трудности и неунывающий характер юного музыканта. Музыкальный быт австрийской столицы. Выполнение Гайдном любой музыкальной работы, обогащавшей его профессиональный опыт. Расширение творческих связей, общение с

Н. Порпора, служба у графа Морицина. Сочинение первых симфоний, квартетов, музыки для театра.

Работа в капелле князя Эстерхази (1761-179); условия жизни и обязанности Гайдна – руководителя капеллы. Интенсивная творческая деятельность; рост известности Гайдна за пределами Австрии. Поворот в судьбе Гайдна после смерти князя Миклоша I Эстерхази. Две концертные поездки в Лондон в 90-е годы. Общественно-музыкальная жизнь английской столицы. Создание последних 12 симфоний для филармонического оркестра, известных под названием «Лондонские симфонии». Признание Гайдна великим композитором. Оратории «Сотворение мира» и «»Времена года» - последние крупные произведения композитора. Общение Гайдна в разные периоды жизни с младшими современниками – Моцартом и Бетховеном. Смерть в Вене в возрасте 77 лет.

Краткий обзор творческого наследия. Обращение Гайдна к разнообразным жанрам инструментальной, вокальной и театральной музыки при ведущем значении крупных инструментальных сочинений: симфонии, концерта, квартета, сонаты. Понятие оратории. Обработка народных песен. Народные истоки музыки Гайдна, ее светлый жизнеутверждающий характер.

В теме «Гайдн» учащиеся впервые знакомятся с жанрами симфонии и сонаты. Усвоение связанных с этим знаний представляет для подростков определенные трудности. С целью преодоления возможных затруднений и для лучшего понимания ими сложных понятий можно рекомендовать следующий путь организации занятий по изучению симфонии и сонаты Гайдна.

На первом уроке, на примере симфонии, можно показать строение цикла (без углубления в построение каждой части), а на следующем уроке, при изучении сонаты, сосредоточить внимание на объяснении сонатной формы первой части, посвятив этому (с показом тем, некоторых фрагментов и прослушиванием) целое занятие. Такой подход к музыкальному материалу, когда сонатно-симфонический цикл и сонатная форма осваиваются на разных уроках и на разном музыкальном материале, позволит избежать смешения понятий «сонатно-симфонический цикл», «сонатная форма», что часто наблюдается в учебной практике. При знакомстве симфоническим циклом учащиеся должны услышать и осмыслить порядок чередования контрастных частей, характер каждой из них и особенности основных тем. Для облегчения данной задачи раздельное прослушивание каждой части даются в сокращении (экспозиция 1-й части, темы 2-й части, менуэт, до трио; экспозиция финала), что позволяет «сблизить» музыку частей и «уместить» ее в одно понятие. Слуховое внимание учащихся, устойчивость которого весьма ограничено, еще не подготовлено к полному прослушиванию симфонии. Разделение ее прослушивания на два урока «дробит» симфонию, затрудняя формирование слухового представления о единстве цикла.

На последнем уроке по данной теме разбираются и прослушиваются 2-я и 3-я части сонаты с осмыслением формы рондо.

В итоге изучения сочинений Гайдна учащиеся должны хорошо осознавать сходства и различия симфонии и сонаты, трех- и четырехчастного построения цикла, понимать строение сонатной формы и рондо, усвоить новые понятия: капелла, капельмейстер, придворный музыкант (композитор), оратория. Прослушивание симфонии в звукозаписи дополнит представление школьников об оркестре эпохи Гайдна. Знания, полученные при изучении симфонии и сонаты Гайдна, будут закреплены и расширены при знакомстве с крупными инструментальными произведениями Моцарта, Бетховена и Шуберта. Изучая тему Й.Гайдн целсообразно использовать:

1. Конспект №14 (3)

2. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации для изучения темы «Оркестр»

  2. Пособие по теме: «Классицизм»

  3. Пособие «Сонатная форма»

  4. Пособия «Симфония», «Соната»

  5. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  6. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  7. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

  1. «Йозеф Гайдн»

КОНСПЕКТ № 14 (3)

ЙОЗЕФ ГАЙДН

(1732-1809)

Основные произведения:

- свыше 30 опер; 14 месс и другие церковные произведения;

- оратории, в том числе «Сотворение мира» и «Времена года»;

- более 100 симфоний («Утро», «Полдень», «Вечер», «Детская», «Часы», «Королева», «Медведь», 6 Парижских, 12 Лондонских и другие);

- более 80 квартетов; 52 сонаты для клавира; концерты.

Гайдн – австрийский композитор-классик, живший в 18 веке.

Капелла – это коллектив, объединяющий певцов и инструменталистов.

Гайдн родился в местечке Рорау близ г. Вены, в семье каретника и кухарки. Трудовая семья Гайдна собиралась, чтобы попеть, потанцевать. Детей в семье было 17. Йозеф обладал звонким голосом, хорошим слухом, памятью. В 12 лет поступает в церковный хор г. Гамбурга, а затем в хоровую капеллу, при кафедральном соборе св.Стефана в Вене. Занимается игрой на скрипке и клавикорде.

К

Клавикорд - это музыкальный инструмент в 15-18 в.в. – предшественник фортепиано.

огда у Гайдна начал ломаться голос, его уволили, и он остался без хлеба и крова. Не имея средств заплатить известному итальянскому педагогу и композитору Николо Порпора, Гайдн поступил к нему аккомпаниатором и лакеем. За это пользуется его ценными советами по композиции.

В 1759 г. Гайдн – капельместер у графа Морцин, а через 2 года у князя Эстергази. В его обязанности входило: руководство капеллой, исполнение музыки, обучение музыкантов, следить за дисциплиной, отвечать за инструменты и ноты. А главное Гайдн должен был писать музыку по требованию князя. Князь Эстергази относился к Гайдну как к слуге. Сочиняет: «Траурная», «Прощальная» симфонии, «Детскую» симфонию для игрушечных инструментов.

Едет в Вену, где происходит творческое общение с В.А.Моцартом.

Оратория (от латинского «говорю», «молю») – произведение для певцов-солистов, хора и оркестра.)

В 1791 г. умер старый князь Эстергази, а его сын не любил музыку. Поэтому он распустил капеллу, а Гайдну за многолетние заслуги назначил пенсию. Гайдн был счастлив! Он живет в г. Вене, часто путешествует с концертами. Подолгу живет в Англии, где написаны его знаменитые 12 «Лондонских» симфоний, 2 оратории. На премьере оратории «Сотворение мира» хор и оркестр звучали великолепно. И когда оркестр и хор в едином мощном аккорде пропели слово «Свет!», автор поднылся и прошептал «Это создал не я – это создал Бог!»

Проезжая через г.Бонн, Гайдн знакомится с Бетховеном.

Последние годы жизни Гайдна прошли на окраине Вены, в покое, отдыхе, общении слюдьми, почитавшими великого мастера.Умер в 1809 г. на окраине г. Вены, где и прожил последние годы.

СОНАТНО-СИМФОНИЧЕСКИЙ ЦИКЛ

Цикл, цикличность означает многочастность.

К циклическим произведениям относятся: сонаты, симфонии, квартеты, квинтеты, концерты, трио.

Именно в творчестве Й. Гайдна окончательно сформировалась классическая симфония.

Симфония (с греческого «созвучие», «согласие») – это циклическое произведение из 4-х частей, для симфонического оркестра.

Классическая симфония сформировалась как цикл из 4-х частей, которые воплощают в себе разные стороны человеческой жизни.

I часть

Форма - сонатное аллегро

II часть

Медленная

III часть

Менуэт

(позднее скерцо)

IV часть

или финал

Человек действует

Человек отдыхает, размышляет

Человек танцует

Человек действует вместе со всеми

1.Экспозиция – показ

Тема вступления

Главная партия

Связующая партия (связка)

Побочная партия

Заключительная партия

2. Разработка – изменение тем

3. Реприза – повторение тем.

Посвящена мирным картинам природы и мечтам.

Эта игра, веселье, картины народного быта.

Это итог, вывод, что было показано, прочувствовано в предыдущих частях.

Симфония рассчитана на массовую аудиторию, имеет большой масштаб и силу звучания.

СИМФОНИЯ № 103 (Esdur) С ТРЕМОЛО ЛИТАВР.

Эта одна из 12 «Лондонских симфоний». Начинается с тремоло литавр, поэтому и такое название.

I частьбыстрая. Allegro con spirito – быстро с воодушевлением. Начинается с медленного вступления. Allegro напоминает картину народного праздника. Строение 1 части - сонатное аллегро (т.к. пишется в темпе аллегро), состоит из 3-х разделов:

1. Экспозиция – показ музыкальных тем.

2. Разработка – изменение музыкальных тем.

3. Реприза – повтор музыкальных тем из экспозиции

В основе экспозиции лежат 2 разнохарактерные темы:

Главная партия – (Esdur), размер 6/8 - быстрая, танцевальная, праздничная. Играет струнная группа.

Побочная партия – (Bdur), размер 6/8изящная, легкая, в жанре вальса.

В разработке изменяются все 3 темы: тема вступления

главная партия

побочная партия

В

II часть - Andante (неторопливо), имеет форму вариаций на 2 темы или двойные вариации. Вариации – это форма произведения, где в начале звучит тема, а затем она повторяется несколько раз в измененном виде.

репризе все темы идут в том же порядке, как и в экспозиции, но в основной тональности (Es)

Сравнительная характеристика тем второй части.

Первая тема

Вторая тема

До - минор

До - мажор

Суровая, сосредоточенная

Радостная, торжественная

Начальный квартовый затакт

Начальный квартовый затакт

Повышенная IV ступень

Повышенная IV ступень

Маршевость ( )

Маршевость ( )

III часть Менуэт – (с франц. «малый», «мелкий»)- французский бальный танец, который произошел от народного хороводного танца провинции Пуату. Но в симфонии этот танец не бальный, а народный. Состоит из 3-х частей, где средняя называется трио (раньше трио исполняли 3 инструмента). Мелодия трио – мягкая, плавная.

IV частьФинал. Возвращается праздничное настроение. Начинается финал с золотого хода валторн (по-немецки – «лесной рог»).

Все части симфонии №103, при всем различии, объединены танцевальным ритмом и бодрым праздничным настроением.

СОНАТНОЕ ТВОРЧЕСТВО Й. ГАЙДНА.

К жанру сонаты Гайдн обращался на протяжении всей жизни. Количество сонат – более 50.

Издавна соната была камерным жанром, она предназначалась для домашнего музицирования. И Гайдн использовал её так же. Но от исполнителя его сонат требовались достаточное мастерство и тонкая культура. В творчестве Гайдна сложился классический тип сонаты. Обычно она состоит из 3-х частей. Крайние, написанные в быстром темпе в основной тональности, обрамляют медленную 2-ую часть.

Соната – (с итальянского «звучать») – это циклическое произведение из 3-х частей, для одного или двух инструментов.

СОНАТА № 34 (emoll).

I часть – Presto (очень быстро). Эта часть написана в форме сонатное аллегро.

Экспозиция – показ музыкальных тем.

Главная партия (emoll) – мелодия взволнованная, напряженная, беспокойная.

Связующая партия – связующий раздел, который даёт постепенный переход от главной партии к побочной, от основной тональности к новой, в которой звучит побочная тема.

Побочная партия (Gdur) – более спокойна, хотя подвижна. Верхний регистр и мажорный лад придают светлую окраску.

Разработка – изменение музыкальных тем. Разработка основана на развитии главной темы.

Реприза – повторение музыкальных тем, где главная и побочная партии звучат в emoll, а связующая партия сокращена.

II часть - Andante (неторопливо). После взволнованной I части, II часть, как и в симфонии, вносит успокоение. Можно себе представить, что это раздумье, размышление о чём-то хорошем, светлом. II часть написана в тональности Gdur. Основная тема звучит легко, неторопливо. В музыки этой части сонаты отсутствуют яркие контрасты.

III часть – финал. Основная тема отличается

Рондо (с французского «круг», «хоровод») – это музыкальная форма, где основная тема – рефрен – повторяется не менее 3-х раз. Рефрен чередуется с другими темами – эпизодами.

грациозностью, легкостью и подвижностью, острым, четким ритмом. Она имеет танцевальный характер. Построение финала близко форме рондо.

Тема 8 (3)

В. Моцарт.

Вольфган Амадей Моцарт (1756-1791) - австрийский композитор второй половины XVIII века, младший современник Гайдна.

Детские годы. Проявление гениальной одаренности. Занятия музыкой под руководством отца – Леопольда Моцарта, опытного музыканта и педагога. Ранние композиторские успехи юного Моцарта. Блестящие концертные выступления в ряде стран Европы. Продолжение учебы, новые композиторские опыты. Поездки в Италию. Широкое признание таланта и творческих достижений Моцарта. Тяжелая и унизительная служба у архиепископа Зальцбурга. Поездка в Париж – надежды и разочарования. Разрыв с архиепископом и переезд в Вену. Высший расцвет творчества, создание лучших произведений во всех жанрах музыки. Тяжелые материальные условия жизни, болезнь и безвременная смерть. Реквием – последнее произведение Моцарта. Здесь уместно прочесть фрагмент из «Моцарта и Сальери» Пушкина о возникновении Реквиема.

Упоминание в биографии Реквиема должно сопровождаться кратким объяснением предназначения сочинения, его жанровых черт. Чтобы учащимся было проще осмыслить новый для них вид музыкального произведения, характер его музыки, состав исполнителей, крайне желательно, чтобы они услышали какой-либо фрагмент. Это может быть Лакримоза (в звукозаписи) или оркестровое вступление Реквиему (показ на фортепиано). Звучание музыки даст слуховое осознание состава исполнителей (хор и оркестр в Лакримозе) и поможет почувствовать траурный, печальный характер музыки в обоих примерах.

Краткий обзор творческого наследия. Богатство и разнообразие музыки Моцарта. Интерес композитора к театру, создание опер. Виды инструментальных произведений: концертные и камерные сочинения, циклы и отдельные пьесы. Духовная музыка.

Пять уроков, отведенных в примерном тематическом плане на тему «Моцарт», допускают два варианта знакомства с его сочинениями. Если на оперу «Свадьба Фигаро» отводится два урока, то сонату приходится опустить (соната была предшествующей теме и будет в теме «Бетховен»). Если один урок – то возможно знакомство с сонатой: или краткий охват всего цикла, или разбор сонатного построения первой части (соната ля мажор с вариациями в 1-й части в таком случае заменяется другой сонатой).

На изучение симфонии отводится два урока. Яркость, образность, «запоминаемость» музыки симфонии соль минор, контраст ее частей и своеобразие всех тем позволяют более полно, чем в теме «Гайдн», разобрать каждую их частей, выявить выразительные особенности многих тем сочинения. При разборе сонатной формы необходимо подчеркнуть образный, ладовый, регистровый, тембровый, фактурный контраст основных тем 1-й части, тональную неустойчивость музыки разработки изменения лада побочной и заключительной темы в репризе. Во второй части – отметить светлый лирический характер музыки, выражение в ней покоя, умиротворенности (разбор формы и полное прослушивание части, что для учащихся пока еще затруднительно, необязательно). В менуэте – насыщение музыки драматическим звучанием и контраст основной темы и темы трио. В финале – близость его музыки музыке первой части, подчеркивающей единство цикла, внутренний контраст основной темы, сочетание драматических и лирических образов.

Включение оперы в тему «Моцарт» необходимо, учитывая значение данного жанра в творчестве композитора, и с целью закрепления знаний об оперном жанре, полученных при знакомстве с оперой «Руслан и Людмила» на первом году обучения. Прекрасная музыка Моцарта, комедийный характер сюжета позволяют провести одно-два занятия увлекательно и доступно для подростков. Подробности сюжета и композицию оперы, учитывая ограниченное время, можно оставить без внимания. Знакомство с главными персонажами, их музыкальной характеристикой в сольных номерах, показ комедийных ситуаций и взаимоотношений действующих лиц в ансамблях, прослушивание увертюры – этого вполне достаточно, чтобы ученики получили представление о жизнерадостном характере произведения, симпатии автора музыки к слуге Фигаро и его невесте.

При одном занятии характеризуются и прослушиваются: увертюра, ария Фигаро «Мальчик резвый…», ария Керубино «Сердце волнует…», ария Барбариса, дуэт Сюзанны и Марцелины. При двух занятиях добавляются: каватина Фигаро «Если хочет барин попрыгать», ария Керубино «Рассказать, объяснить не могу я…», ария Сюзанны «Приди, мой милый друг». Закончить знакомство с оперой и всей темой можно прослушиванием увертюры, без анализа ее структуры.

При изучении данной темы используется:

      1. Конспект №15 (4)

      2. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации для изучения темы «Оркестр»

  2. Пособие по теме: «Классицизм»

  3. Пособие «Сонатная форма»

  4. Пособия «Симфония», «Соната»

  5. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  6. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  7. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  8. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

      1. «Вольфанг Амадей Моцарт»

4. Видеопособия:

        1. В.А. Моцарт опера «Свадьба Фигаро»

КОНСПЕКТ № 15 (4)

ВОЛЬФГАНГ АМАДЕЙ МОЦАРТ.

(1756 – 1791 гг.)

Основные произведения:

- 17 опер, в том числе «Похищение из сераля», «Свадьба Фигаро», «Дон-Жуан», «Волшебная флейта».

- Реквием – (от латинского «покой») – хоровое произведение траурного характера, исполнявшееся в церкви в память умершего.

- Около 50 симфоний.

- Концерты для фортепиано с оркестром, для скрипки с оркестром, для флейты, валторны, кларнета и других инструментов.

- Струнные квартеты, квинтеты.

- 35 сонаты для скрипки и фортепиано.

- 20 сонат для фортепиано.

- Около 40 песен.

- Фантазии, вариации, рондо, менуэты для фортепиано.

В.А.Моцарт – великий австрийский композитор-классик, живший в 18 веке.

Моцарт родился в г. Зальцбурге, в 1756 году. Его отец – Леопольд Моцарт был очень талантливым музыкантом и педагогом. Обнаружив способности у маленького Вольфганг, отец сразу же стал с ним заниматься. В 3 года маленький Моцарт находил на клавесине консонирующие интервалы, а в 4 года повторял за старшей сестрой Анной-Марией, тоже одаренной музыкантшей, маленькие пьесы, моментально запоминая. В 4 года Вольфганг сочиняет собственные пьесы, но, еще не умея записывать ноты, «диктовал» их, то есть играл на клавесине своему отцу, а тот записывал их на нотную бумагу. К шести годам Моцарт стал настоящим виртуозом-клавесинистом. В этом возрасте он совершил свою первую концертную поездку по городам Европы, которая длилась три года. Концерты Вольфганга и его сестры проходили с триумфальным успехом. Дети вызывали восхищение и удивление. Да можно ли было не восхищаться маленьким виртуозом, который играл на клавесине, скрипке, органе, импровизировал на заданную тему.

В 8 лет Вольфганг знал и умел все, что можно было требовать от профессора сорока лет. Маленького Моцарта называли не иначе, как «чудо 18 века».

После первой поездки молва пошумела и замолкла. Мода на «чудо-ребёнка» выдохлась. Четырнадцатилетнего Вольфганга отец снова решает везти за границу, в Италию. Италия встретила юного музыканта восторженно. По заказу Миланского оперного театра, Моцарт пишет оперу «Митридат, царь Понта», которую юный композитор закончил за полгода. В это же время Моцарт становится членом Болонской академии.

Поездка в Италию завершила его детство и юность. По возвращении в Зальцбург началась взрослая жизнь, полная творчества и несбывшихся надежд.

В 1772 году в Зальцбурге Моцарт знакомится с Гайдном.

Как и отец, Моцарт получил место при дворе архиепископа. Каждое утро он должен был вместе с другими слугами стоять в передней и ждать распоряжений на день, терпеть постоянные издевательства и унижения. Не выдержав, Моцарт подал архиепископу прошение об уходе. Никто из слуг никогда ранее не осмеливался добровольно отказываться от службы при дворе архиепископа. Неслыханная дерзость! Один из приближенных просто спустил Моцарта с лестницы. Потрясенный грубостью, Моцарт потерял сознание и надолго заболел.

Переехав в Вену, Моцарт с воодушевлением взялся за работу. Он писал, бегал по урокам, вечерами выступал перед публикой. Он был неутомим!

Но у этой яркой жизни была и обратная сторона. Моцарт постоянно испытывал материальные лишения. Ни его исполнительская деятельность, ни издание его произведений, ни его оперы не приносили денег, необходимых на содержание семьи.

За свою должность сочинителя танцевальной музыки при дворе императора он получал мизерную плату.

Последнее произведение Моцарта – «Реквием». Он писал его, будучи тяжело больным, лежа в постели. Болезнь и смерть не дали ему завершить своё последнее творение. Работа над Реквиемом отняла у Моцарта последние силы. Он умер, не дожив до 36 лет. Моцарт был похоронен в общей могиле для бедняков, так как у его жены не было денег на достойные похороны мужа. А когда через некоторое время она пришла на кладбище, чтобы поклониться могиле мужа, оказалось, что место его захоронения утеряно. Мы сегодня не знаем, где покоится прах гения человечества. Но лучшим памятником ему является его музыка.

СОНАТА (А - dur).

Эта соната была написана в г. Париже в 1779 году.

I ЧАСТЬ – написана в форме вариаций. В отличие от формы сонатного allegro, в основе вариации лежит в большинстве случаев не две, а одна тема. Тема первой части – мелодична, грациозно - танцевальна. Размер 6/8 придаёт музыке плавность движения. Тема невелика по размеру. Она изложена в 2-х частной форме, в виде 2-х завершённых построений. Вслед за изложением темы следуют 6 вариаций, разных по характеру.

II ЧАСТЬ сонаты – менуэт, с чертами весёлого народного танца. Средняя часть менуэта (трио) звучит как обычно, легко и менее насыщенно. «Minuetto da capo» означает, что первая часть менуэта повторяется без изменений.

III ЧАСТЬфинал. Указание композитора «Alla turca» означает «в турецком

роде». В некоторых изданиях сонаты финал получил название «Турецкий марш». Финал имеет трёхчастную форму с припевом. Финал завершается кодой.

СИМФОНИЯ №40 (g - moll).

Эта симфония написана в г.Вене в 1788 году. В симфонии 4 части.

I ЧАСТЬ - написана в форме сонатное allegro.

Экспозиция.

1. Главная партия (g - moll) - грустная, трепетно-нежная музыка. Она напоминает высказывания человека. Главную партию исполняют скрипки.

2. Связующая партия - это не только «связка», «переход» к побочной партии. Построенная на теме главной партии она получает новый оттенок. Подчёркнутый, чеканный ритм придаёт ей энергичный характер, большую серьёзность, строгость.

3. Побочная партия (В- dur) – лукавая, несколько танцевального склада, она звучит очень мягко и изящно. Её исполняют духовые инструменты: флейты, гобои, кларнеты.

4. Заключительная партия завершает экспозицию.

В разработке развивается только главная партия. В репризе все темы изложены в том же порядке, как и в экспозиции, но в основной тональности.

II ЧАСТЬ Andante (Es-dur) рисует мир прекрасного. Это как бы светлое, умиротворение затишье после бури.

III ЧАСТЬ (g - moll) - традиционный для симфонии оживленный менуэт.

IV ЧАСТЬ (g - moll) - финал. Он близок музыке I части симфонии. Форма финала сонатное allegro.

ОПЕРА «СВАДЬБА ФИГАРО».

Опера «Свадьба Фигаро» написана Моцартом в 1786 году, по комедии французского писателя Бомарше «Безумный день, или женитьба Фигаро».

Жанр оперы: комическая.

Сюжет: Действие происходит в Испании, в конце 16 века. В доме графа Альмавивы готовится свадьба двух слуг – Фигаро и Сюзанны. Но графу самому нравится Сюзанна, и он всячески старается оттянуть свадьбу. Однако благодаря уму, находчивости и ловкости, Фигаро удаётся обойти все преграды и одурачить своего господина. «Безумный» день, полный волнений и тревог, заканчивается весёлой свадьбой.

Либретто (словесный текст оперы): французский поэт – Лоренцо да Понте.

Идея оперы: превосходство слуги над господином.

Композиция: увертюра (от французского «открывать», «вступление». Увертюра обычно открывает, или начинает оперу, иногда драматический спектакль, или сюиту) и 4 действия.

Герои оперы:

Фигаро – баритон

граф Альмавива – баритон

Сюзанна – сопрано

графиня Розана (жена графа) - сопрано

паж Керубино – меццо-сопрано

Тема 9(4)

Л. Бетховен.

Творчество Людвига ван Бетховена (1770-1827) – одна из вершин классической музыки. Отражение в нем грандиозных общественных перемен, происходивших в Европе на рубеже XVIII- XIX веков, героических устремлений народов, передовых демократических идей эпохи. Бетховен как продолжатель традиций и смелый новатор в музыкальном искусстве.

Суровое детство в Бонне в семье музыканта придворной капеллы. Занятия с К.Нефе – первым серьезным учителем и наставником. Ранние творческие опыты. Работа в капелле органистом и пианистом-концертмейстером. Разносторонние интересы юного музыканта, посещение лекций в университете. Упорная работа над пополнением знаний и совершенствованием мастерства. Влияние идей Великой французской революции на формирование убеждений композитора. Встреча с Моцартом в Вене и Гайдном в Бонне.

Переезд в Вену в 1792 г. Уроки по композиции у Гайдна и Сальери. Рост известности Бетховена как пианиста-виртуоза и импровизатора, а позже и композитора. Интенсивная творческая деятельность: создание сонат (в том числе Патетической и Лунной), ансамблей, концертов, двух симфоний. Первые признаки надвигающейся глухоты. Выход из душевного кризиса. Создание «Героической» симфонии, ознаменовавшей начало высшего расцвета творчества (1803-1813). Отражение идей героической борьбы в других произведениях этих лет. Обращение Бетховена к театру: создание оперы «Фиделио», музыки к драматическому спектаклю «Эгмонт» Гете. Сочинения иного рода – с образами природы, радостными чувствами, задушевной лирикой. Обработки народных песен.

Распространение славы Бетховена в Европе. Отношения с венской аристократией; независимый нрав Бетховена.

Трудности последних лет жизни: наступление полной глухоты, личная неустроенность, материальные затруднения, беспокойная опека племянника Карла. Новый подъем творческих сил, создание сонат, квартетов, монументальной «Торжественной мессы», Девятой симфонии. Тяжелая болезнь и смерть. Многолюдные похороны великого музыканта – последняя дань гению.

Краткий обзор творческого наследия. Многообразие творческого наследия Бетховена, в котором представлены почти все музыкальные жанры эпохи венской классической школы. Ведущее значение крупных инструментальных произведений. Обращение к театральным видам музыки; сочинения с участием хора; пьесы для фортепиано; песни.

Приводимый в учебнике список основных сочинений композитора позволяет привлечь учащихся к их систематизации для облегчения запоминания. Можно сгруппировать эти произведения по следующим признакам: концертные виды музыки, сочинения камерных жанров, произведения для театра (дополнив ряд балетом «Творения Прометея», музыкой к драматическим спектаклям и подчеркнув театральное происхождение всех увертюр Бетховена) и духовные сочинения. Здесь же целесообразно впервые дать определение жанра сонаты как крупного инструментального произведения для одного или двух исполнителей (сольная и ансамблевая сонаты).

Разбор и прослушивание сонаты №8 дает возможность дальнейшего углубления в содержание и структуру классической сонаты и сонатного аллегро. Отражение в музыке сонаты идеи борьбы и воли к победе. Расширение сонатной формы первой части, вызванное необычным замыслом композитора. Музыкальное содержание медленного вступления его драматическая насыщенность, внутренние контрасты. Дальнейшее развитие тематического материала вступления и его роль в построении первой части. Характеристика основных тем сонатного аллегро: образность, выразительные средства, тональный план. Принципы развития и сопоставление тем в разработке. Тематическое содержание коды (впервые вводимое понятие) в раскрытии идейного замысла и ее значение. Вторая часть: образное содержание музыки, выражение в ней глубокого раздумья. Показ и разбор основных тем. Трехчастное построение, изменение основной темы в репризе. Третья часть: общий характер, некоторая близость образам и настроению первой части. Характеристика основной темы и ее роль в построении финала. Раздельное прослушивание частей, следующее за их разбором: на одном уроке – 1-я часть, на другом – 2 и 3 части.

Симфония №5 до минор. Героико-драматическое содержание симфонии, развитие музыки «от мрака к свету». Значение мотива «судьбы». Строение цикла. Первая часть: героический характер музыки, единство и целеустремленность развития, лаконичность высказывания. Главная тема – основной образ первой части; выявление ее волевого начала, значение ритма. Лирические черты побочной темы, ее связь с главной. Светлое, торжественное звучание заключительной темы. Напряженный характер разработки; жалобное соло гобоя в главной теме репризы; драматическое завершение развития в коде. Вторая часть: сопоставление двух образов – мужественно-лирического и героического; вариационное строение части (вторую часть можно прослушать в сокращении).

Третья часть: новый подход Бетховена к трактовке третьей части в симфоническом чикле. Преобразование мотива «судьба» Просветление колорита в среднем разделе. Изменения в репризе; непосредственный переход к финалу. Четвертая часть: торжество светлого начала как результат драматического развития всего цикла. Инновационные истоки основной темы.

Увертюра «Эгмонт». Воплощение в музыке Бетховена содержания трагедии Гете. Увертюра – наиболее значительный из фрагментов музыки Бетховена к пьесе Гете, ее героико-драматический характер. Исполнение увертюры в концерте как самостоятельного сочинения с программным содержанием. Сонатное строение увертюры. Сопоставление основных образов во вступлении, выявление их контрастной выразительной природы. Характеристика основных тем аллегро; показ фрагмента разработки и кульминационного эпизода перед кодой. Победное звучание коды, ее близость финалу симфонии; музыкальные особенности тем.

При изучении темы Л.В.Бетховен используется:

          1. Конспект №16 (5)

          1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации для изучения темы «Оркестр»

  2. Пособие по теме: «Классицизм»

  3. Пособие «Сонатная форма»

  4. Пособия «Симфония», «Соната»

  5. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  6. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  7. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  8. Набор портретов композиторов

          1. Аудиопособия:

1. «Людвиг ван Бетховен»

КОНСПЕКТ № 16 (5)

ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН.

(1770-1827г.г.)

Основные произведения:

- 9 симфоний

- 11 увертюр

- 32 сонаты для фортепиано

- концерты, квартеты, квинтеты

- песни на стихи различных авторов – около 40

- опера «Фиделио»

- балет «Творения Прометея»

- «Торжественная месса»

Бетховен родился в 1770 году в маленьком немецком городе Бонне. Мальчик вырос в музыкальной семье. Его дед играл на скрипке и пел в хоре придворной капеллы князя, наместника Бонна, а затем стал капельмейстером этой капеллы. Здесь же служил и отец композитора Иоганн ван Бетховен в качестве певца-тенориста. Надо сказать, что с отцом у Бетховена связаны самые печальные воспоминания. Гибельная страсть к алкоголю все больше овладевала Иоганном и поглощала все его средства. При жизни деда семья Бетховена имела приличный достаток. Но постепенно нужда стала спутником детства и юности композитора. Ему с ранних лет пришлось заботиться о куске хлеба.

Музыкальные способности мальчика проявились рано. Отец обучал Бетховена музыке на клавесине, скрипке, органе, альте. Но он был неопытный педагог, нечуткий музыкант, черствый, жестокий.

В 8 лет Бетховен дал свой первый концерт в г. Кельне. В 11 лет Людвиг замещает органиста в церкви. В 14 лет мальчик получил место органиста при княжеском дворе. Теперь семья жила на его деньги, которых не хватало. В свободное от репетиций, уроков и концертов время он пробовал сочинять. Первое произведение Бетховена - вариации на тему марша для фортепиано.

В 1782 году Бетховен занимается музыкой с известным музыкантом и композитором Готлибом Нефе, который стал его первым настоящим учителем. По его совету, Людвиг изучает древние языки, литературу, историю.

В 1787 году, накопив немного денег, Бетховен взял свои сочинения и отправился в далекий путь – в Вену к Моцарту. Людвиг мечтал учиться у великого Моцарта. Но судьба распорядилась иначе – заболела мама, и Бетховен помчался в Бонн. Мама умерла у него на руках. Теперь семейные заботы легли на плечи юноши. Надо было содержать и воспитывать двух маленьких братьев, вести тяжбу с отцом, который по-прежнему пил и не давал детям ни талера.

В 1789 году Бетховен недолго учиться в Боннском университете.

В 1792 году Бетховен поселился в столице Австрии Вене. Успех Бетховена-пианиста раскрыл ему путь как композитору. Занимается с известным композитором А. Сальери.

Трагедией жизни Бетховен была глухота, которая заставила сторониться людей. Позже трагедия Бетховена обострилась трагедией человека: он не смог жениться на аристократке Джульетте Гвичарди из-за сословных предрассудков. В это время Бетховен сочиняет оперу «Фиделио», музыку к трагедии Гете «Эгмонт», увертюру «Кориолан», фортепианные сонаты «Аппассионата», «Крейцерова соната» для скрипки и ф-но(которую посвятил французскому скрипачу Рудольфу Крейцеру); цикл песен «К далекой возлюбленной», который посвятил вероятно Терезе Брунсвик - любовь к которой Бетховен сохранил до конца жизни.

Последнее произведение «Торжественная месса» - хоровое произведение духовного содержания на латинском языке. Симфония №9 - где в 4-ой части звучат слова немецкого поэта Шиллера «К радости».

В последние годы Бетховен страдал болезнью почек. Было сделано 4 операции, но это не помогло. Композитор умер ночью, при этом рядом не было никого. Похоронен Бетховен на венском кладбище.

«ПАТЕТИЧЕСКАЯ СОНАТА» № 8 (с - moll).

Это произведение было создано в 1798 году. Сам композитор дал ему название «Большая патетическая соната». Слово «пафос» означает приподнято, возвышено. И это проявляется во всей сонате. Соната была встречена современниками как необычное, смелое произведение.

I ЧАСТЬ написана в быстром темпе и наиболее напряжена по своему звучанию. Обычна и ее форма сонатное allegro.

Необычное уже начало сонаты. Музыке в быстром темпе предшествует медленное вступление. Мрачно и вместе с тем торжественно звучат аккорды. Из нижнего регистра звуковая лавина постепенно движется вверх. Им отвечает нежная, певучая, с оттенками мольбы мелодия, звучащая на фоне спокойных аккордов.

Экспозиция.

1. Главная партия (с - moll) напоминает бурно вздымающиеся волны. На фоне беспокойного движения баса тревожно взбегает и опускается мелодия верхнего голоса.

2. Связующая партия успокаивает волнение главной темы и приводит к мелодичной побочной партии.

3. Побочная партия (es - moll) – это широкий «разбег» ( почти на три октавы), «пульсирующее» сопровождение, а главное прием изложения в разных регистрах – все это придает ей напряженный характер. Вопреки правилам, установившимися в сонатах венских классиков, побочная партия «Патетической сонаты» звучит не в параллельном мажоре (Es-dur), а в одноименном к нему минорном ладу (es - moll).

4. Заключительная партия.

Разработка невелика, но очень напряженна. «Борьба» разгорается между двумя резко контрастирующими темами: порывистой главной партии и лирической темой вступления.

Реприза повторяет темы экспозиции в том же порядке в основной тональности – до миноре. Изменения касается связующей партии. Она значительна сокращена, поскольку тональность всех тем едина.

Перед самым окончанием первой части еще раз появляется первая тема вступления. Но что это? Она «потеряла» свой первый «грозный» аккорд и начинается со слабой доли. В ее вопросе осталась только тревога, и даже отчаяние. Неужели опять не будет ответа? Ответ есть. Но не слабый, умоляющий, а энергичный, волевой.

II ЧАСТЬ Adagio cantabile (медленно, певуче) в Аs-dur , - глубокое размышление о чем-то серьезном и значительном, быть может воспоминание о только что пережитом или думы о будущем. Широкая, вдохновенно льющаяся мелодия, выразительные подголоски, приглушенная звучность придают музыке ощущения глубокой сосредоточенности.

III ЧАСТЬфинал, Аllegro, очень близка первой. Она стремительна и взволнованна. Но здесь нет контраста между темами. Поэтому нет здесь и мужественного напряженного развития. Финал менее патетичен, чем первая часть, но так же пронизан драматизмом. Написан финал сонаты в форме рондо-сонаты.

Заканчивается финал кодой, которая несет в себе основную идею сонаты. Энергичная волевая музыка, выражающая мужество и непреклонность, утверждает: соната заканчивается не смирением, а вызовом судьбе.

СИМФОНИЯ № 5 (с - moll).

Свой девиз – «Через борьбу – к победе!» - Бетховен очень ясно выразил в Пятой симфонии. Она была посвящена известным меценатам – князю Лобковицу и графу Разумовскому. В симфонии 4 части. Впервые Бетховену удалось сделать четырехчастный симфонический цикл столь единым и неразрывным. Все 4 части объединены одной и той же грозной и повелительной темой, которая звучит в начале произведения как эпиграф. Сам композитор сказал о ней: «Так судьба стучится в дверь».

I ЧАСТЬ - Аllegro con brio (быстро, с огнем) написана в форма сонатное allegro.

Экспозиция.

1. Главная партия - moll) представляет собою развитие начального мотива симфонии. Ее отличает большая ритмическая четкость, решительная устремленность вперед.

2. Побочная партия (Еs - dur) начинается властным призывом, повелительным мотивом валторн. А затем звучит напевная, нежная, светлая мелодия в исполнении скрипок.

3. Заключительная партия полностью построена на том же грозном мотиве. Повторяясь много раз в мажоре, в могучих возгласах всего оркестра основная тема произведения звучит здесь решительно и победно.

Разработка.

Вся разработка построена на развитии основного мотива симфонии. Резкие динамические контрасты, огромные нарастания силы звука придают этому разделу колоссальную напряженность. Разработка заканчивается упорным, многократным повторением мотива судьбы, который принимает яростный, неистовый характер.

Реприза.

Как это свойственно Бетховену, реприза не является точным повторением экспозиции. Перед появлением побочной партии возникает внезапная остановка, солирующий гобой декламирует нежную мелодию, похожую на жалобную просьбу, мольбу. Может быть, Бетховен хотел показать, что герой его устал, ослабел в борьбе с невзгодами жизни?

Но развитие не заканчивается и в репризе: в коде продолжается борьба, причем исход ее не ясен – первая часть не дает вывода, оставляя нас в напряженном ожидании продолжения событий.

II ЧАСТЬ - Andante con moto ( неторопливо, с движением), Asdur. Эта часть была задумана Бетховеном как менуэт. Но затем планы композитора поменялись. Эта часть дает нам передышку, борьба как будто временно прекращается, хотя и здесь как напоминание звучит мотив судьбы. Эта часть написана в форме вариаций на две темы.

Первая тема напоминает песню светлую, строгую и сдержанную. Ее исполняют альты и виолончели.

Вторая тема приобретает героические черты. Хотя написана она в трехдольном размере, эта тема очень похожа на марш, причем марш, в котором марширует масса народа.

Темы контрастны между собой по характеру, звучности, оркестровой окраске.

I

Скерцо (с итальянского «шутка») - это пьеса в стремительном темпе, с острым ритмом.

II ЧАСТЬ - скерцо, Аllegro (скоро), сmoll. Это совершенно необычно трактуемое скерцо – вовсе не шутка. В нем тоже продолжается борьба, начатая в первой части.

Скерцо имеет трехчастное строение.

Музыка среднего раздела рисует картину

народного веселья. В ее основе лежит танцевальная тема народного характера, которая звучит в исполнении контрабасов, скрипок и духовых инструментов.

III, IV ЧАСТИ симфонии следуют друг за другом, без перерыва. С удивительным мастерством осуществляет этот переход Бетховен. В истории музыки нет больше такого crescendo от ppp к fff.

IV ЧАСТЬ – финал, Presto (быстро), С – dur. IV часть симфонии звучит торжественно, она подобна грациозному праздничному шествию народа-победителя. Торжество победы воплощено в аккордах героического марша. Чтобы усилить блеск и мощь, композитор впервые вводит в симфонический оркестр тромбоны, контрафагот и флейту-пикколо. Живо и непосредственно отражена здесь музыка Французской революции – марши, шествия, массовые празднества победившего народа.

УВЕРТЮРА «ЭГМОНТ».

Почти все увертюры Бетховена связаны с драматическими произведениями, являясь вступлением к пьесе или опере, например: уветрюра «Эгомонт» к трагедии Гёте, увертюра «Кориолан» к драме Коллина, увертюра «Леонора» к опере «Фиделио» и другие.

У Бетховена увертюра перестала быть вступлением к последующему развитию драмы: центр как бы перемещается в увертюру, которая в обобщённых образах передаёт содержание всего произведения. Бетховен положил начало новому виду музыкального творчества — программной одночастной увертюре.

Музыка к трагедии Гёте «Эгмонт» была закончена Бетховеном два года спустя после создания симфонии № 5, в 1810 году. Увертюра – первый из девяти номеров этой музыки. Трагедия привлекла Бетховена своим героическим содержанием. События «Эгмонт» относятся к XVI веку, когда народ Нидерландов восстал против своих поработителей – испанцев.

Герой и вождь фламандцев граф Эгмонт стал жертвой коварных замыслов герцога Альбы – наместника испанского короля. Эгмонт был брошен в тюрьму и приговорен к смерти. Его возлюбленная Клерхен, девушка из народа, призывает горожан к восстановлению. Отчаявшись спасти Эгмонта, она погибает.

Накануне казни Эгмонт видит сон. Перед ним в облике Клерхен возникает сияющее видение свободы. Со словами, обращенными к народу: «За родину сражайтесь!... за вольность, за свободу», Эгмонт идет к месту казни. Шествие его сопровождает звучание Победной симфонии.

Открывается увертюра медленным вступлением, в котором уже завязывается узел всей драмы. В основе вступления две темы. Первая из них воплощает идею власти, испанского владычества, угнетения. Она написана в ритме старинного испанского танца-шествия сарабанды. Вторая тема является выражением народной скорби и страданий. В ней как эхо перекликаются интонации вздоха.

Если в медленном вступлении композитор как бы показал противоборствующие силы, в сонатном allegro происходят их столкновение и борьба. Причем тематический материал allegro как бы произрастает из тем вступления. С образом, воплощающим скорбь народа, связана драматическая страстная тема главной партии увертюры. Побочная партия объединяет в себе интонации обеих тем вступления. Первый ее мотив, тяжелый, аккордовый, напоминает тему испанцев. Второй мотив, изложенный у деревянных духовых, близок второй теме вступления.

Небольшая разработка продолжает столкновение контрастных тем, борьба накаляется. На робкие мольбы каждый раз следует суровый отказ. Источником мощной динамики, стремительности развития служит борьба противоречивых элементов. Увертюра идет как бы на одном дыхании, стирая грани между разделами форм.

Борьба продолжается и в репризе. Тема испанцев звучит в ней непреклонно и жестоко, тема народа становится еще более жалобной. С изумительной силой композитор передает в музыке последнюю схватку с врагом и казнь героя.

Поэтому еще более драматургическое значение приобретает кода, изображающая итог всей борьбы. Значение этой коды равнозначно финалу Пятой симфонии. Она вырастает в грандиозный, величественный апофеоз, подлинный гимн свободе.

Борьбу народа возглавил граф Эгмонт, смелый и мужественный человек. Эгмонт гибнет, но народ завершает начатое им дело.

Тема 10 (5)

Ф. Шуберт.

Зарождение романтизма в европейском искусстве. Его характерные черты, отличающие романтическую музыку от произведений предшествующей эпохи. Основные жанры романтической музыки, проявление в них национальных черт. Возникновение национальных композиторских школ в ряде стран Европы. Романтизм – ведущее направление в музыкальном искусстве XIX века.

Франц Петер Шуберт (1797-1828) – австрийский композитор-романтик, младший современник Бетховена. Образное содержание его сочинений, отражение в них лирической сферы человеческих чувств. Господство песенного начала. Классические и романтические жанры в творческом наследии композитора.

Детские годы в окрестностях Вены в семье школьного учителя. Приобщение к музыке, овладение игрой на скрипке, фортепиано, пение в хоре, попытки сочинения. Обучение в конвикте, участие Шуберта в школьном оркестре. Увлечение композицией, занятия с Сальери. Недолгая работа школьным учителем. Самостоятельная и независимая жизнь в Вене, создание множества произведений в разных жанрах. Друзья Шуберта. «Шубертиады». Творческая зрелость. Жизненная неустроенность и материальные затруднения, несмотря на рост популярности его песен. Запоздалое признание; единственный публичный концерт из произведений Шуберта в год смерти. Судьба творческого наследия.

При планировании занятий по теме «Шуберт» в условиях ограниченного времени, показ 2-3-х фортепианных сочинений (вальс, музыкальный момент, пьеса в 4 руки) можно включить в биографический урок.

Краткий обзор творческого наследия. Неисчерпаемое творческое наследие Шуберта насчитывающее свыше тысячи сочинений. Ведущее значение вокальной лирики, песенные циклы. Разнообразие инструментальных жанров: симфонии, камерные ансамбли различных составов; произведения для фортепиано в 4 руки: сонаты, фантазии, вариации, экспромты, музыкальные моменты, танцевальные пьесы.

Песня для голоса с фортепиано – один из ведущих жанров романтической музыки, тесно связанный со словом. Отражение в песнях Шуберта богатого духовного мира и судеб простых людей, современников композитора. Жанровое разнообразие песен, зависимость их построения от поэтического текста. Ведущее значение песенной мелодии; роль фортепианной партии. Объединение песен в циклы.

Изучение песен Шуберта лучше начинать с простых образцов – «Вечерняя серенада», «Форель», «Аве Мария», «В путь», «Мельник и ручей», «Шарманщик», а заканчивать балладой «Лесной царь» (или «Маргарита за прялкой»). На одном уроке, отведенном на песни, их число сокращается до четырех. Только русский текст при прослушивании в звукозаписи позволит ощутить связь со словом и проследить за развертыванием событий. Иногда для полного понимания содержания песни лучше перед прослушиванием прочесть ее текст полностью, прокомментировать его.

Разбор и прослушивание первой части «Неоконченной» симфонии закрепляет уже полученные знания о сонатной форме и в то же время показывает наполнение содержанием, свойственным романтической музыке.

Необычность строения цикла. Круг художественных образов. Лирический песенный характер основных тем и драматические приемы, развития музыкального материала в разработке. Значение темы вступления для дальнейшего развития музыки, ее выразительный смысл. Тональное, тембровое, регистровое сопоставление главной и побочной тем, песенность их мелодий. Черты танцевальности побочной теме и неожиданное вторжение резких аккордов, нарушающих спокойный, безмятежный характер музыки. Интонационная близость заключительной темы теме побочной. Образная трансформация музыки в разработке, ее тематический материал. Восстановление покоя в репризе. Изложение побочной и заключительной тем в новых тональностях. Отголоски прошедших бурь в коде; скорбное звучание темы вступления.

Разбор и прослушивание второй части необязательны как из-за дефицита времени, так и тех трудностей, которые испытывают подростки при ее прослушивании: звучащая долго медленная и тихая музыка воспринимается учащимися без должного слухового внимания.

При изучении данной темы используется:

            1. Конспекты № 17 (6), №18 (7).

            1. Наглядные пособия:

      1. Иллюстрации для изучения темы «Оркестр»

      2. Пособие по теме: «Романтизм»

      3. Пособия «Симфония»

      4. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

      5. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

      6. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

      7. Набор портретов композиторов

            1. Аудиопособия:

1. «Романтизм»

2. «Франс Шуберт»

КОНСПЕКТ № 17 (6)

РОМАНТИЗМ

(от франц. romantisme – фантастическое, необычное)

- это идейное и художественное направление в культуре XIX века. Полнее всего романтизм раскрылся в литературе, музыке, театре. Но также оказал влияние на живопись, науку, философию и даже политику.

Принцип романтизма – резкое противопоставление обыденности и мечты, повседневного существования и высшего, идеального мира, создаваемого творческим воображением художника.

Композиторы: Вебер, Шуберт, Берлиоз, Мендельсон, Шуман, Шопен, Лист, Вагнер, Верди. В России: Верстовский, Алябьев.

Художники: Айвазовский, Шишкин, Васнецов, Констебл, Энгр, Фридрих, Моро.

Поэты и писатели: Гейне, Гете, Шиллер, Гофман, Байрон.

Появился новый музыкальный жанр: симфоническая поэма музыкальное произведение для симфонического оркестра, написанное в крупной одночастной форме и воплощающее конкретный сюжет (была введена в середине XIX века Ф.Листом)

КОНСПЕКТ № 18 (7)

ФРАНЦ ШУБЕРТ.

1797 – 1828 г.г.

ПРОИЗВЕДЕНИЯ - более 600 песен;

- симфонии, увертюры;

- камерно-инструментальные ансамбли;

- 22 сонаты для фортепиано;

- 8 экспромтов, 6 музыкальных моментов;

- фантазия «Скиталец» для фортепиано.

Шуберт – великий австрийский композитор-романтик. Лишь некоторые произведения Шуберта были изданы при его жизни (подобно судьбе И.Баха).

Ш

КОНВИКТ – спецшкола,

где готовят певчих для

церкви.

уберт родился в 1797 г. в предместье Вены – Лихтенталь в семье школьного учителя, где постоянно устраивались музыкальные вечера. Отец играл на виолончели, старшие братья на разных инструментах. Первыми учителями Франца были его отец и брат Игнац. У Шуберта был хороший голос, он пел в церковном хоре.

С 11 лет он стал учиться в конвикте. Искусству композиции Шуберта обучал Антонио Сальери. Сочинил фантазию и ряд песен.

После ломки голоса Шуберт ушел из конвикта. 3 года он служил помощником учителя, обучая детей грамоте. За это время сочинил песни «Маргарита за прялкой», «Лесной царь» на слова Гете, сонаты, симфонии.

Повзрослев, Шуберт покидает родной дом. Отец его лишает материальной поддержки. Немного позже Шуберт узнает о смерти матери.

C 1817г. по 1822г. Шуберт испытывает материальную нужду и лишения: живет поочередно то у одного, то у другого из своих товарищей ( Шобер, художник Швинд, поэт Майрхофер, певец Фогель). И скоро вокруг него образовался кружок, где они собирались для бесед и чтения, для музицирования и танцев. Сюда Шуберт приносил свои произведения и, в последствие, кружок стали называть «ШУБЕРТИАДА».

Необеспеченность, жизненные неудачи тяжело отразились на здоровье Шуберта. Организм его был истощен. Примирение с отцом в последние годы жизни, более спокойная домашняя жизнь не могли ничего изменить. За год до смерти пишет вокальный цикл «Зимний путь» (Шуберт называл их «ужасными песнями»).

В 1828 году друзья организовали единственный в жизни Шуберта концерт. В этом же году заболел тифом и умер.

ВОКАЛЬНОЕ ТВОРЧЕСТВО Ф.ШУБЕРТА.

Песня была одним из любимых жанров романтического искусства. В ней отразилось тяготение романтиков к народности, желание во всем многообразии песенных форм раскрыть мир человеческих чувств и настроений.

Герой Шуберта – скромный, незаметный, простой человек. Он вынужден ограничиться лишь интересами своей личной жизни, в которой стремится найти и счастье и радость. Но все его мечты не осуществимы. Единственной опорой ему в жизни служит природа. Потому в песнях Шуберта мы слышим журчание ручейка, шелест леса, пение птиц. Именно им поверяет герой все свои мысли и чувства.

Шуберт написал около 600 песен, среди которых наиболее известны:

«Маргарита за прялкой», «Лесной царь», «Форель», «Серенада», «Баркарола».

Вокальные циклы: «Прекрасная мельничиха», «Зимний путь».

«Форель» воплощает образы природы: форель, которая весело резвится в ручейке, и журчание ручейка. Поймать такую рыбку не просто: в чистой воде она видит опасность. Чтобы обмануть рыбку рыбак мутит воду.

Подвижная грациозная мелодия песни имеет танцевальный оттенок. Она звучит на фоне арпеджированных пассажей, напоминающих легкие всплески волн. Куплетная форма.

«

СЕРЕНАДА – (по итал. sera –вечер, «на открытом воздухе») песня под аккомпанемент лютни, мандолины или гитары, обращенная к возлюбленной, которая исполнялась вечером или ночью на улице, перед домом того, кому эта серенада посвящалась.

Серенада» - песня лирического содержания.

Мягкий вальсовый ритм песни сочетается с характерным рисунком сопровождения, напоминающим звучание гитары. Красочно звучит чередование мажора и минора. Этот прием типичен для Шуберта.

Песни «Маргарита за прялкой» и «Лесной царь» написаны на слова Гете. Песня Маргариты – отрывок из трагедии «Фауст». В ней рассказывается о любви Маргариты к Фаусту, ее тоске, предчувствии разлуки, одиночестве и страдании. Большое значение в передаче этих чувств играет фортепианное сопровождение, подражающее движению прялки.

«

БАЛЛАДА – это жанр народного творчества. Искусство романтизма, в котором проявился большой интерес к народному творчеству, возродило балладную поэзию. Баллада – повествование, где обязательно должны присутствовать элементы фантастики.

Лесной царь» - это баллада, в которой три действующих лица: отец, скачущий через лес, больной ребенок, которого он везет с собой, и грозный лесной царь, являющийся мальчику в лихорадочном бреду. Фортепианная партия изображает скачущего коня, плач и страдания ребенка.

Мелодия Лесного царя звучит как ласковая завораживающая песня. Он манит к себе ребенка, завлекая его в свое прекрасное царство. Произведение заканчивается.

Измученный ребенок умирает на руках отца.

ВОКАЛЬНЫЙ ЦИКЛ «ПРЕКРАСНАЯ МЕЛЬНИЧИХА».

Вокальный цикл «Прекрасная мельничиха» написан в 1816 г. на слова немецкого поэта Вильгельма Мюллера.

Цикл о юном мельнике, который полюбил дочь своего хозяина (мельника). Но прекрасная мельничиха предпочитает ему смелого охотника. В тоске и горе молодой мельник хочет броситься в чистые воды ручья и на дне его найти последнее пристанище.

Во всем цикле большое значение имеет образ журчащего ручейка – верного друга и спутника юноши.

(1) «В путь» - ручеек как бы влечет юношу за собой. Мелодия простая, народная по характеру.

(11) «Моя» - обращение к ручью. Бурное выражение любовных чувств. Мелодия имеет широкий диапазон, много скачков, маршеобразный ритм.

(14) «Охотник» - это новое действующее лицо, вносящее конфликт. Минорная тональность, стаккато, триоли, исчезает песенность.

(19) «Мельник и ручей» - образ страдающего мельника: застылость, холодность.

ВОКАЛЬНЫЙ ЦИКЛ «ЗИМНИЙ ПУТЬ».

Вокальный цикл «Зимний путь» написан в 1827 г. на слова немецкого поэта Вильгельма Мюллера.

Этот цикл стал своеобразным продолжением цикла «Прекрасная мельничиха». Но герой его уже старый одинокий, всеми покинутый странник. Он вынужден был уйти от той, которую любил, из-за своей бедности. Образ одиночества представлен здесь во множестве оттенков. И вновь рядом с ним природа. Но природа мрачная, зимняя: ветер, метель, каркающий ворон.

«Спокойно спи» - воспоминания о несбывшейся мечте. Скорбная низводящая мелодия создает настроение тоски и печали. Мерное движение в партии фортепиано вызывает представление об усталых шагах человека.

«Весенний сон» - строится на чередовании двух резко контрастных образов: прекрасного сна несчастного странника и мрачной действительности, которую видит, просыпаясь. Музыка, рисующая сон, - светлая, радостная, весенняя. Картина действительности нарисована сумрачными красками.

«Шарманщик» - основное настроение – безнадежность, одиночество. Нищий старик еще по привычке крутит ручку шарманки. Он одинок, голоден, его чашка для подаяния пуста. Надеяться больше не на что. Уныло и однообразно, на фоне неизменной ч5 в басу, звучит печальная мелодия. В образе шарманщика - бездомного нищего бродяги как бы воплощена судьба художника, самого Шуберта.

ФОРТЕПИАННЫЕ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ШУБЕРТА.

Писались для души. Они очень просты, выразительны, напевны. Рассчитаны для домашнего музицирования. Большинство фортепианных произведений композитора появились из импровизаций Шуберта на балах, «шубертиадах», где он услаждал слух своих друзей.

Шубертом написано: около 250 вальсов;

- около 50 маршей;

- 15 сонат и 7 незаконченных;

- 8 экспромтов;

- 6 музыкальных моментов;

- фантазии.

В

ВАЛЬС (от лат. – комната)-

бальный танец в трехдольном размере. Был завезен в Вену

ансамблями деревенских

музыкантов, игравших на

уличных перекрестках или

танцевальных залах.

альс (h-moll) – минорный лад, неторопливое движение придают музыке оттенок грустной задумчивости. Конец вальса там, где повторяется музыка сначала, звучит в одноименном мажоре (H).

Это воспринимается как просветление, как воспоминание о чем-то хорошем. А может быть, и радужные мечты о будущем.

У Шуберта вальс – камерная миниатюра.

К концу творческого пути Шуберт создал жанр романтической фортепианной миниатюры. Это экспромты и музыкальные моменты. В них композитор хотел подчеркнуть, что они передают какое-то мгновение, скоро проходящее настроение.

Экспромт (Es-dur) имеет 3-х частную форму. I часть – звучат быстробегущие пассажи в

ЭКСПРОМТ (от лат. всегда

готовый ) – это фортепианная

пьеса, возникшая как бы внезапно в результате импровизации. Обычно отличается лиризмом,

порывистостью. Образцы у

Шуберта ,Шопена, Скрябина .

правой руке. Здесь перед пианистом поставлена определенная техническая задача – достигнуть четкости и легкости звучания. II часть – резко контрастирует I части пьесы. Минорный лад (h-moll) придает музыке серьезность, и даже суровость. Энергичная маршевая поступь.

М

МУЗЫКАЛЬНЫЙ

МОМЕНТ – небольшая

лирическая пьеса танцевального характера.

узыкальный момент (f-moll) – мелодия пьесы яркая, запоминающаяся. Форшлаги придают ее звучанию изящество, а отрывистое сопровождение – большую легкость.

СИМФОНИЯ №7 (h-moll) «НЕОКОНЧЕННАЯ».

(1822г.)

Симфония получила название «Неоконченная», так как имеет только 2 части. Это произведение лирическое. Все темы симфонии имеют песенный характер, в чем сказалось влияние его собственного творчества.

I часть Allegro moderato (не очень скоро) написана в форме сонатного allegro

Тема вступления (h) – медленная, играет роль своеобразного лейтмотива симфонии. Она рождается в нижнем регистре у виолончелей и контрабасов, и застывает словно неразрешенный вопрос.

Э

ЛЕЙТМОТИВ

с немецкого -

«ведущий мотив»

кспозиция.

Главная партия (h) – гобои и кларнеты «поют» нежную, лирическую, грустно-задумчивую мелодию.

Побочная партия (G) – звучит в необычной для классической симфонии тональности (тональность VI ступени к h-moll). Из-за отсутствия связующего перехода происходит непосредственное, красочное сопоставление тональностей. Побочная партия светлая, она напоминает вальс.

Разработка.

Построена на теме вступления: частые акценты, резкие смены силы звука (тромбоны).

Реприза. Кода.

В них напряжение, пафос, отчаяние.

II часть Andante con moto (неторопливо, с движением) – мир других образов. Это поиски новых светлых сторон жизни, примиренность с ней. Как будто герой, переживший душевную трагедию, ищет успокоение. В основе 2 темы. Они песенны и лиричны. Очень эффектно завершает композитор симфонию: постепенно затухает, растворяется начальная тема. Возвращается тишина.

Тема 11 (6)

Ф. Шопен.

Фредерик Шопен (1810-1849) – основоположник польской музыкальной классики. Национальный характер его музыки, претворение в ней народных мелодий и ритмов. Тема Родины в творчестве композитора. Шопен – пианист; новый концертный стиль его фортепианных произведений.

Желязова Воля близ Варшавы – «малая» родина Шопена. Благоприятные условия в семье для развития яркого таланта мальчика. Блестящие успехи в занятиях на фортепиано. Серьезное изучение классической музыки. Многосторонняя одаренность Шопена. Занятия в лицее; изучение истории и литературы. Обучение в консерватории, признание юного Шопена лучшим пианистом Варшавы. Занятия по композиции, создание многочисленных фортепианных сочинений, в том числе двух концертов с оркестром. Увлечение польской народной музыкой. Общение с патриотически настроенной польской интеллигенцией. Успешные выступления в Вене, открывшие перспективы концертной деятельности в европейских странах. Вторичный отъезд за границу, прощание с друзьями. Восстание в Варшаве, несостоявшееся возвращение на Родину. Создание произведений, отражающих тревогу Шопена за судьбу Родины.

Переезд из Вены в Париж (1831). Насыщенность культурной жизни французской столицы, участие в ней Шопена. Общение с выдающимися музыкантами, писателями, художниками. Думы о Родине и ее судьбе. Создание лучших произведений. Широкое признание Шопена как композитора и пианиста. Многочисленные частные уроки, отвлекавшие от творчества и подрывавшие здоровье композитора – основной источник, обеспечивавший сносное существование. Личная судьба композитора. Жорж Санд, французская писательница, - спутница жизни Шопена. Концертная поездка в Лондон. Тяжелая болезнь; преждевременная смерть в Париже. Завещание Шопена.

Краткий обзор творческого наследия. Фортепианные сочинения как основа творчества Шопена. Обращение к танцевальным жанрам; создание цикла прелюдий, концертных этюдов. Разнообразие произведений крупной формы: одночастные скерцо, баллады, фантазия; циклические – сонаты, концерты. Сочинения с участием фортепиано. Романтические черты музыки Шопена. Обогащением им приемов фортепианного исполнительства, насыщение его содержательной виртуальностью, динамикой симфонизма.

Танцевальные жанры. При разборе двух-трех разнохарактерных мазурок (народно-жанровой, «бальной», лирической) выявляются их индивидуальные особенности в рамках общих жанровых признаков (знакомство с мазуркой состоялись на первом году обучения): подражание звучанию деревенского оркестра, тематическая «пестрота», хроматические ходы в мелодии мазурки до мажор (ор.56, №2); стремительный взлет темы, скачки и украшения в мелодии, рондообразность формы, необычный ладовый колорит с выдержанной квинтой в басу во втором эпизоде мазурки си-бемоль мажор (ор.7, №1); лирическая задумчивость, сопоставление минорных и мажорных эпизодов, медленный темп в мазурке ля минор (р.68, № 2).

На примере полонеза ля мажор демонстрируются его жанровые черты: характерная ритмическая формула, торжественно-героический характер, аккордовый склад основной темы, фанфарная мелодия средней части, насыщенность оркестровой звучностью.

При наличии времени возможен показ любого вальса с кратким перечнем его «шопеновских» черт.

Прелюдии и этюды. прелюдия как вид инструментальной музыки. Возрождение Шопеном жанра прелюдии и его разнообразие. Создание цикла пьес всех тональностей, его строение. Выражение в музыке многообразного мира чувств и настроений. Лаконизм формы.

Для того, чтобы учащиеся лучше усвоили строение цикла прелюдий, рекомендуется работа с нотным текстом. Последовательно рассматривая пьесы (хотя бы до четырех знаков и две последние), определяя лад и тональность, общий характер (визуально), легко увидеть и осмыслить порядок их чередования и замкнутость тонального круга. После этого можно разобрать и прослушать отдельные прелюдии: скорбно-лирическую ми-минорную, изящно-грациозную с мазурочным ритмом ля-мажорную и суровую, с чертами удаляющегося траурного шествия, до-минорную. Образный контраст пьес дополняют различия регистров и фактурного изложения.

Новая трактовка этюда в творчестве Шопена как виртуозного художественного произведения, насыщенного глубоким содержанием. Этюды Шопена как школа пианистического мастерства.

Для наглядности представления об «этюдности» пьес, их фактурном, техническом разнообразии, также хорошо полистать ноты сборника этюдов, продемонстрировав таким образом их традиционность и новизну.

Этюд до минор (р.10 №12), его образное содержание, выражение в музыке неукротимого порыва, решимости, призыва. Своеобразие мелодии и аккомпанемента.

Ноктюрны. Шопен как один из создателей романтического жанра ноктюрна. Характерные черты жанра – спокойный темп, напевность мелодии инструментального склада, внутренняя гармония, убедительно раскрываются в сопоставлении основных тем нескольких пьес (показ на фортепиано начальных фрагментов трех-четырех ноктюрнов, подкрепленный нотным текстом). Спокойный лирический характер основной темы, равномерность движения, приемы мелодического варьирования. Контрастный образ средней части, черты разработочного развития. Изменения в репризе, просветление и успокоение в коде.

При изучении данной темы используется:

            1. Конспекты № 19 (8).

            1. Наглядные пособия:

      1. Пособие по теме: «Романтизм»

      2. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

      3. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

      4. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

      5. Набор портретов композиторов

3.Аудиопособия:

1.«Романтизм»

2.«Фридерик Шопен»

КОНСПЕКТ № 19 (8)

ФРИДЕРИК ШОПЕН

(1810 – 1849)

ПРОИЗВЕДЕНИЯ (для фортепиано):

27 этюдов;

26 прелюдий;

17 вальсов;

58 мазурок;

21 ноктюрн;

3 сонаты для фортепиано;

4 экспромта; 4 баллады; 4 скерцо;

фантазия f moll;

2 концерта с оркестром;

соната для виолончели и фортепиано;

17 песен для голоса и фортепиано.

Шопен – великий польский композитор. Подобно Моцарту и Бетховену, он прославился и как пианист. В отличие от многих своих предшественников и современников Шопен сочинял почти исключительно для фортепиано.

Родина Шопена – Польша. Здесь прошли детство и юность музыканта. 2-я половина его жизни связана с Францией – родиной его отца. Шопен родился в графском имении под Варшавой Железова Воля. Мать – полька, служила экономкой, а отец – француз, воспитатель господских детей. Но уже на первом году жизни семья переехала в Варшаву. Маленький Фридерик рос в окружении музыки. Серьезно учить музыке Шопена стал известный музыкант Войцех Живный. В 7 лет состоялся первый концерт мальчика. Из-за слабого здоровья Шопен был определен в лицей в 13 лет. После окончания лицея Шопен поступил в консерваторию, получившую название «Главная школа музыки». Здесь с ним занимался педагог и композитор Иосиф Эльснер.

После окончания консерватории Шопен отправился в Вену. Он дал здесь 2 концерта. Можно было отправляться в путешествие, но Шопен откладывал поездку. Политическая обстановка в Польше обострялась все больше: польские патриоты готовили восстание против русского царизма: с конца XVIII века часть Польши находилась под властью царской России.

В 1830 г. Шопен выехал в Париж. Позже он узнает о поражении восстания в Польше, которое отрезало навсегда путь на родину (пишет этюд c moll «Революционный»). Шопен покорил Париж как пианист. Но издатели печатали его произведения бесплатно. Основной доход Шопена в эти годы была педагогическая деятельность.

Его друзьями были: художник Делакруа, немецкий поэт Гейне, композитор Берлиоз, композитор и пианист Лист. Его надежда жениться на Мири Водзиньской, дочери одного из богатых польских вельмож, не осуществилась из-за сословных предрассудков.

На многие годы его близким другом стала знаменитая писательница Аврора Дюдесан (ее псевдоним Жорж Санд), но резкое различие их натур через десять лет привело к разрыву. Но прежде ему пришлось пережить потерю двух самых близких людей: умер от чахотки Ян Матушинский, позже потерял любимого отца.

В 1848 г. побывал в Лондоне, Шотландии. Вернувшись в Лондон, уже тяжело больным, дал последний концерт. По его просьбе их Польши приехала старшая сестра Людовика, на руках которой он умер. В могилу Шопена высыпали горсть польской земли, а сердце Шопена по завещанию перевезли в Польшу.

ФОРТЕПИАННОЕ ТВОРЧЕСТВО Ф. ШОПЕНА.

Всю свою жизнь Шопен посвятил любимому инструменту – фортепиано. За исключением нескольких произведений для других инструментов и нескольких песен.

В фортепианном творчестве (прежде всего это мазурки, полонезы, вальсы, прелюдии, этюды, ноктюрны) как бы раскрывается душа польского народа, его думы и чаяния, быт, нравы, чувства.

МАЗУРКА – польский народный танец.

Родился в одной из областей Польши Мазовии.

Для нее характерны: ¾, I I I I .

Народная мазурка – танец, который танцуют 2 партнера, причем в нем нет заранее придуманных фигур (импровизация).

В IXX веке стал бальным, превратившись в блестящий танец.

Мазурки.

Мазурки Шопена можно разделить на 3 группы:

- «образки» (по-польски «картинки»)

- как бальный танец

- лирические или драматические мазурки.

Мазурка (C dur) – это картина деревенского праздника. Поляки называют ее «мазуркой мазурок». Подобно народным, мазурка состоит из ряда самостоятельных мелодий. Для польской народной музыки характерен лидийский лад (Б – IV+), который звучит здесь отчетливо.

Мазурка (a-moll) – это поэтичная лирическая картина родины. Как и положено, мазурка написана в 3-х частной форме, где средняя часть воплощает задорный деревенский танец.

ПОЛОНЕЗ – ( с франц. – польский танец)самый древний из польских танцев. В старину его называли «великим» или «пешим» танцем. Представлял собой праздничное церемониальное шествие. В нем участвовали одни лишь рыцари. С IXX века стал бальным. Им открывали балы. В первой паре шел хозяин с самой уважаемой гостьей. Для полонеза характерны:3/4, I I I I I I I.

Мазурка (B-dur) – относится к группе бальных, блестящих танцев. Черты бальных мазурок: резкие скачки с мелодии, острый ритм, бросок мелодии на октаву в последней фразе. Форма – рондо.

Полонезы.

Полонез (A-dur) – торжественное произведение, отличающееся мощной, поистине оркестровой звучностью. Аккордовая фактура, использование всего диапазона фортепианной клавиатуры

придают звучанию большую насыщенность и плотность. Этому способствует и большая сила звука, достигающая f f.

Вальсы.

В творчестве Шопена вальсы представляют собой сольные концертные пьесы. Большинство вальсов состоит из нескольких эпизодов различного характера, часто в разных темпах. Помимо этого, излюбленный прием композитора rubato – еле уловимое отклонение от темпа – делает эти пьесы неприменимыми для бытового танца.

Вальс (cis-moll) – в основе 3 разнохарактерные вальсовые темы. 1-я – мягкая, грациозная, плавная и легкая. 2-я – быстрая, кружащаяся. 3-я (Des-dur) – напевная, медленная, рождает ощущение размышления. Написана в форме рондо.

Этюды.

ЭТЮД – (с франц. – изменение) это пьеса, предназначенная для развития технических

навыков игры на том или ином инструменте.

В фортепианной литературе наиболее известны

этюды Черни, Крамера, Клементи.

У Шопена этюд перестал быть упражнением.

Этюд Шопена – полноценный художественный жанр, как и другие концертные произведения, раскрывающий поэтические образы, мысли, настроения.

Этюд (cis-moll) «Революционный». Этот этюд Шопен написал после того, как узнал о разгроме польского восстания. Его горе и гнев вылились в звуках. Так появился этюд, который звучит как призыв к борьбе за свободу родины. На фоне бурных, стремительных пассажей звучит волевая музыка.

Н

НОКТЮРН – (с франц. – ночной)

Один из характерных жанров романтического искусства. Основоположник – Джон Фильд.

В основе его ноктюрнов, как правило один музыкальный образ, манера

Изложения напоминает песню с аккомпанементом.

октюрны.

У Шопена ноктюрны отличаются богатством музыкальных бразов. Большинство ноктюрнов строится на контрасте двух образов.

Ноктюрн (f-moll) – относится к группе лирических произведений, тонких и поэтичных. Тихо и спокойно льется повествование – задумчивое, печально- проникновенное, как исповедь человеческой души. Изменение темпа (piu mosso, т.е. подвижнее, живее) указывает на начало средней части. Возбужденная и тревожная музыка середины контрастирует с I частью ноктюрна.

ПРЕЛЮДИИ – (с лат.- вступление)

В старинной музыке она действительно выполняла скромную роль вступления:

к сонате, фуге. Существовали прелюдии

и в виде самостоятельных пьес.

Прелюдии.

Шопен первый композитор, который создал цикл из 24 прелюдий, написанных во всех мажорных и минорных тональностях. Все они очень богаты и разнообразны по своему содержанию, различны по масштабам, но объединены в одна целое произведение. Русский пианист А. Рубинштейн назвал прелюдии Шопена «жемчужинами».

Прелюдия №4 (e-moll) – лирическая, скорбно-задумчивая. Ее музыка рождает воспоминания о чем-то прекрасном, что было в нашей жизни, но навсегда ушло. Мелодия построена по полутонам, ее сопровождают нисходящие аккорды по полутонам, которые вносят в музыку ощущение движения.

Прелюдия №7 (A-dur) – изящная, грациозная, своим танцевальным ритмом напоминает мазурку. Мелодия очень проникновенная, соединяет в себе песенность и выразительность человеческой речи. Прелюдия очень миниатюрна. В ней всего 16 тактов.

Прелюдия №20 (c-moll) - еще меньше по размеру ( 13 тактов), которую многие воспринимают как траурный марш: медленный темп, минорный лад. Скорбный, но в тоже время торжественный характер музыки напоминает проводы в последний путь не простого человека, а лидера, вождя народа.

Тема 12 (7)

И. С. Бах

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) – немецкий композитор, органист, чье творчество относится к первой половине XVIII века и принадлежит эпохе барокко. Смелый новатор, художник-гуманист, воплотивший в своем творчестве огромный мир идей, эмоций, многообразие жизненных явлений своего времени. Высший расцвет полифонии в произведениях Баха. Особенное место композитора в истории музыкальной культуры. Жизнь его музыки на протяжении XIX и XX веков.

Музыкальные традиции семьи Баха. Раннее проявление дарования. Занятия с отцом, а затем с братом Иоганном. Большая любознательность и неудержимое тяготение будущего композитора к сфере музыкальной культуры. Окончание лицея в Люнебурге и интенсивная работа над своим образованием. Начало самостоятельной жизни в 15 лет. Унизительное, зависимое положение музыкантов в Германии того времени на придворной и церковной службе. Работа придворным органистом в Веймаре (1708-1717), создание выдающихся произведений для органа, органных кантат, клавирных концертов. Переезд в Кетен на службу придворного капельмейстера. Создание множества разнообразных произведений для клавира и других инструментов. Растущая слава Баха как исполнителя-виртуоза и импровизатора на органе и клавире.

Жизнь в Лейпциге с 1723 года. Служба при церкви. Композиторские, исполнительские и педагогические обязанности Баха. Отношения с церковным и светским начальством. Участие в музыкальной жизни Лейпцига; поездки в Дрезден, Гамбург, Берлин. Музицирование в семейном кругу. Высший расцвет творчества. Создание монументальных вокально-инструментальных сочинений; их жанровые черты, предназначение. Другие произведения лейпцигского периода.

Судьба творческого наследия Баха. Сыновья Вильгельм Фридеман, Филипп Эмануэль, Иоганн Кристоф, Иоганн Кристиан – известные композиторы середины - второй половины XVIII века.

Краткий обзор творческого наследия. Перечень сочинений Баха в различных жанрах и для разных исполнительских составов ставит непростую задачу их систематизации, необходимой для лучшего понимания и запоминания учащимися, тем более, что характерные для творчества Баха музыкальные жанры в большинстве своем не встречались в предыдущих темах. В основу такой систематизации можно положить перечень основных произведений, приводимый в учебниках Брянцевой и И.Прохоровой. Каждый новый термин (прежде всего это названия жанров) требует тщательного разъяснения, для того чтобы учащиеся не только адекватно понимали их, но и умели правильно объяснять, включив эти слова и словосочетания в состав активной профессиональной лексики.

Четыре часа, отводимые в примерном тематическом плане на тему «И.С.Бах», требуют тщательного распределения материала, учитывая, в особенности, то, что в конце учебного года уроков может оказаться меньше. Обстоятельства подсказывают, что тут не обойтись без совмещения. Так, в биографический урок вполне возможно включить органные сочинения, связав их объяснение и прослушивание с веймарским периодом жизни композитора. Это могут быть токката ре минор (без фуги) и хоральная прелюдия. Сочинения для органа не требуют тщательного анализа, достаточно лишь пояснить из названия и некоторые особенности игры на органе. Другое возможное совмещение: краткая характеристика ХТХ (состав, строение) в рассказе о кетенском периоде жизни и творчества.

Отдельные уроки отводятся на знакомство со сборником инвенций и хором сюиты: ученики-пианисты этого возраста играют инвенции и отдельные пьесы из сюит. Работа с нотным текстом инвенций и полезна и доступна. Ученики должны узнать о происхождении пьес, составе сборника, убедиться, что все пьесы написаны в разных тональностях, а их поступенное расположение идентично двух- и трехголосных пьесах. Отсутствие тональностей с большим числом ключевых знаков объясняется учебным назначением пьес. Рассмотрение сборника знакомит учащихся с рядом понятий полифонической музыки: тема, ---, интермедия, имитация, канон. В процессе работы могут быть показаны несколько пьес, в том числе исполненные учениками.

Традиционное обращение к Французской сюите до минор – не лучший вариант для знакомства в данным жанром баховской музыки. Во-первых, учащиеся данного возраста и уровня музыкального развития еще не доступно эстетическое полноценное восприятие этой музыки. И, во-вторых, за пределами познания остаются сюиты для струнных инструментов и оркестра. Урок, посвященный баховской сюите, можно построить следующим образом: знакомство с составом сюиты, обязательными и дополнительными танцами (пьесами), их национальным происхождением, темпом и размером, которые хорошо усваиваются благодаря использованию наглядной схемы. Далее – показ музыкальных иллюстраций, в качестве которых используются фрагменты из разных сюит, исполненных на фортепиано или звучащих в записи. Например, гавот из французской, менуэт из английской сюиты, пьесы из скрипичной партиты или виолончельной сюиты и, в заключении «Шутка» из оркестровой сюиты си минор. Подобная демонстрация фрагментов баховских сюит сформирует слуховое представление о том, что Бах создал свои сюиты как для клавира (французские, английские, партиты), так и для скрипки (партиты, сонаты), виолончели (сюиты), оркестра (сюиты или увертюры).

Слово «клавир» учащиеся должны понимать как общее название старинных клавишных инструментов (клавесин, клавикорд, чембало) по аналогии со словом «фортепиано» - общим названием современных клавишных инструментов (рояля, пианино). Со временем они усвоят и другое значение слова «клавир» - как переложение для фортепиано какой-либо партитуры. Современный выбор аудиокассет, дисков позволяет услышать скрипичную, виолончельную и оркестровую музыку Баха, если нет возможности пригласить в класс скрипача или виолончелиста.

Показ и представление прелюдии и фуги допускает варианты. В группах с пятилетним обучением знакомство с полифонией можно ограничить инвенциями. Для других учащихся материалом может послужить прелюдия и фуга из сборника «Маленькие прелюдии и фуги» или до минорный цикл из 1 тома ХТК.

При изучении данной темы используется:

        1. Конспекты: №20(9), №21(10).

        1. Наглядные пособия:

      1. Пособие по теме: «Барокко»

      2. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

      3. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

      4. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

      5. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

1. «Барокко»

2. «Йоганн Себастьян Бах»

КОНСПЕКТ № 20 (9)

БАРОККО

XVII век в истории музыки можно рассматривать, как своеобразный рубеж. Он подвел итоги всему накопленному в веках. И одновременно от него берут начало много новых жанров музыкального искусства. Но самое главное, что было сделано в XVII веке – это разделение церковной и светской профессиональной музыки. Именно это дало возможность зародиться новым музыкальным жанрам в 2-х музыкальных направлениях:

  1. Полифоническая музыка в жанрах церковного происхождения. В полифонии

( с греческого poli – много, phone – голос, звук) все голоса равноправны и самостоятельны.

  1. Гомофонная или гомофонно-гармоническая музыка привела к образованию светских концертных жанров. В гомофонии (с греческого homos – равный, phone – звук) ведущее значение имеет только один голос, который ведет мелодию, а остальные голоса ему аккомпанируют.

Барокко с итальянского означает «странный, причудливый, вычурный». Чаще всего это понятие применяют в отношении к архитектуре, где барокко – символ величия, пышности, декоративности. Здания, построенные в этом стиле, украшались лепкой, орнаментами, скульптурами. Внутри помещений располагали множество зеркал, расписных панно. Ярким образцом этого стиля считается Зимний дворец в Санкт-Петербурге архитектора В.Растрелли.

Искусство барокко ярче других современных ему направлений отразило глубокие противоречия эпохи. С одной стороны – это церковь и монархия, а с другой – подъем передовых сил.

Представители барокко:

Архитектура: Растрелли, Бернини.

Наука: Г.Галилей, Б.Паскаль, И Ньютон.

Живопись: Караваджо, Рембрандт, Веласкес.

Литература: Т.Тассо, Дж Свифт, Ж.Мольер

Композиторы: К. Монтеверди , Г. Перселл, А. Корелли, А.Вивальди, Г.Гендель, И.С. Бах.

КОНСПЕКТ № 21 (10)

ИОГАНН СЕБАСТЬЯН БАХ

(1685 - 1750)

Иоганн Себастьян Бах – великий немецкий композитор XVIII века. Прошло уже более двухсот лет со дня смерти Баха, а интерес к его музыке все более возрастает. При жизни композитор не получил заслуженного признания.

«Бах» в переводе с немецкого означает «ручей».

Бах родился в немецком городе Эйзенахе. Уже с раннего детства он готовился, как и все его предки, к профессии музыканта. Первые навыки игры на скрипке он получил от отца – скрипача и городского музыканта. Мальчик имел превосходный голос (сопрано) и пел в хоре городской школы.

В 9 лет Бах остался сиротой. Его взял на воспитание старший брат, служивший церковным органистом в г.Ордруфе. Брат определил мальчика в гимназию и продолжал обучать музыке. Но это был сухой и нечуткий музыкант.

В 15 лет Бах решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург, где устроился старшим хористом в монастырскую школу. Здесь же в Люнебурге закончил школу и получил право поступать в университет. Но Баху не пришлось использовать это право, так как нужно было добывать средства к существованию.

В течение своей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, менял место службы. Сначала его охотно брали на службу, ведь за ним шла слава блестящего органиста и скрипача. Но Бах был человеком гордым и свободолюбивым. Он не умел угождать церковному начальству, у него не было богатых покровителей. Поэтому композитор часто не уживался со служителями церкви.

Конечно, большей частью Баху приходилось писать церковную музыку. Но от этого сочинения композитора не стали холодными и строгими, как бы лишенными жизненных тревог и радостей. Они воплощали в себе живые человеческие чувства. Бах был великим философом в музыке и поэтому его произведения были не просто фоном, аккомпанементом для молитв. Он заключал в них глубокие раздумья над важнейшими жизненными вопросами.

В 1708 г. Бах переехал в Веймар, где служил придворным музыкантом и городским органистом. Сочиняет лучшие свои органные произведения: токката и фуга d-moll, пассакалия c-moll.

В 1717 году Бах вместе с семьей переезжает в Кёттен, куда он был приглашен на должность «директора камерной музыки» при маленьком захудалом дворе принца и развлекал его игрой на клавесине. Этот период для Баха был относительно спокойным, свободным. В эти годы он серьезно занимается творчеством. Здесь он писал в основном для оркестра и клавирную музыку: 2-х и 3-х голосные инвенции для своего старшего сына Вильгельма Фридемана, хроматическая фантазия и фуга d-moll и монументальнейший труд, состоящий из 24 прелюдий и фуг «Хорошо темперированный клавир» («ХТК»)

В 1723 году Бах переехал в Лейпциг, где и провел свою оставшуюся жизнь. Здесь он занял должность кантора (руководителя хора) певческой школы при церкви св. Фомы. В его обязанности входило обслуживать силами школы церкви города и следить за высоким уровнем церковной музыки в городе. Условия договора были суровыми. Но несмотря на это, именно в Лейпциге Бах создал истинные вершины своего творчества: 5годовых циклов духовных кантат (300 произведений); вокально-инструментальные произведения «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею» – их еще называют «пассионы» (от лат. страдание) – это повествование страданий и смерти Иисуса, в описании евангелистов Иоанна и Матфея; 2 том ХТК, куда вошли 24 прелюдии и фуги; «Итальянский концерт»

Любое из его сочинений могло стать событием в музыкальной жизни. Но на самом деле было не так. Сочинения Баха почти не издавались, а если издавались, то на личные средства Баха. При жизни Бах был прославлен как виртуоз, а не как композитор. И работа в церковной певческой школе не приносила Баху удовлетворения. Так денег, которые выделялись на содержание школы, не хватало даже на то, чтобы мальчиков накормить и одеть.

В 1729 году Бах возглавил «Музыкальную коллегию». Выступал как дирижер и исполнитель в концертах.

Единственным утешением для Баха была его семья. Старшие сыновья при жизни стали композиторами и педагогами. Музыкальностью отличалась Анна Магдалена Бах, вторая жена композитора. Хорошо пела и старшая дочь Баха.

Последние годы жизни композитора были омрачены болезнью глаз. После неудачной операции Бах ослеп. Но и тогда он продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи.

Смерть Баха прошла незамеченной. О нем скоро забыли. Его могила при перепланировке церковного двора исчезла под мостовой. Его жена Анна Магдалена умерла 10 лет спустя

в доме призрения для бедных. Младшая дочь Регина влачила нищенское существование. В последние годы ее тяжелой жизни ей помогал Бетховен.

КЛАВИРНОЕ ТВОРЧЕСТВО И.С. БАХА.

ПОЛИФОНИЯ – с греч.

многоголосие, в котором каждый

голос является одинаково важным

и ведет свою выразительную мелодию.

Большинству произведений Баха присущ полифонический склад. За многие годы существования в полифонической музыке возникли свои средства развития. Одним из основных средств мелодического развития является имитация.

ИМИТАЦИЯ – с лат. подражание. В музыке это поочередное вступление голосов, в котором каждый голос, немного опаздывая, повторяет одну и ту же мелодию.

И

ИНВЕНЦИЯ – с лат. выдумка, изобретение.

нвенции.

Инвенции, как и маленькие прелюдии и фуги, были написаны Бахом в педагогических целях для маленьких сыновей. Всего 15 двухголосных инвенций и 15 симфоний (трехголосные инвенции).

Инвенция C-dur – простая мелодия, построенная вначале по звукам гаммы C-dur. Заканчивается квинтовым ходом. Прозвучав в верхнем голосе, тема инвенции появляется октавой ниже – ее имитирует 2-ой голос. Но 1-ый голос не замолкает, а продолжает движение, оттеняя тему – это противосложение. Но есть разделы в инвенции, в которых тема не проводится – это интермедии.

ИНТЕРМЕДИЯ – с лат.

«между».

Инвенция F-dur – совсем иного рода. Основная тема подвижная и жизнерадостная, которая строится на отрывистых скачках по звукам восходящего трезвучия. Одноголосной теме в верхнем голосе отвечает нижний голос, имитирует ее октавой ниже. Но нижний голос имитирует не только тему, но и ее продолжение, т.е. противосложение. Такая непрерывная имитация называется канонической или просто каноном.

Французская cюита c-moll.

Б

СЮИТА – с франц . ряд, последовательность

ах написал: 6 «Французских» сюит

6 «Английских» сюит

6 партит

Свои названия сюиты получили уже после смерти Баха. «Английские сюиты», по преданию, были созданы по заказу одного англичанина. Во «Французских» широко использованы французские танцы: менуэт, бурре, гавот. Также замечено, что в этих сюитах нашла отражение манера письма Французских композиторов-клавесинистов ( Рамо, Куперен).

Французское слово «сюита» означает «ряд», «последовательность». В музыкальной сюите следуют друг за другом танцы – медленные и величавые, быстрые и веселые, изящные и стремительные. Основу сюит составляют 4 танца:

аллеманда, куранта, сарабанда, жига.

Между сарабандой и жигой вставлялись дополнительные пьесы: менуэт, гавот, бурре и др.

Несмотря на то, что танцевальные пьесы разные по характеру, сюита воспринимается как единое целое. Их объединяет: единая тональность иногда общие интонации принцип контраста между разными по темпу пьесами.

Аллеманда – старинный немецкий танец, известный еще в XVI веке. Это торжественный групповой танец. Данная аллеманда – минорная, неторопливая. Несмотря на полифонический склад изложения, главная роль принадлежит верхнему голосу.

Куранта – подвижный французский трехдольный танец. В старину исполняется парой танцоров. Как и аллеманда куранта начинается с затакта. Она звучит в двухдольном изложении. Исполняется живо.

Сарабанда – старинный испанский трехдольный танец в характере медленного торжественного шествия. Иногда сарабанды имели траурный характер и даже исполнялись при погребении героев, знатных людей.

Сарабанда Баха сосредоточенна и печально-торжественна. На фоне баса звучит выразительная мелодия, обогащенная орнаментом. Ведущее значение здесь имеет верхний голос.

Ария – первоначально означала «песня». Позже арией стали называть более сложную композицию для голоса с оркестром. В сюите Баха «ария» обозначает пьесу мягкого певучего характера.

Менуэт – старинный французский трехдольный танец с поклонами, приветствиями и реверансами между самими танцующими. Менуэт Баха звучит в умеренном темпе, очень просто. Мелодия изящна, но лишена мелизмов.

Жига – старинный английский танец. Был распространен в Англии, Ирландии, Шотландии. Английская жига – матросский танец, немного грубоватый и очень веселый. Размеры жиг: 3/4, 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. Жига Баха звучит в очень быстром темпе, придает подчеркнуто-четкий характер.

Хорошо темперированный клавир (ХТК ).

- это настоящая энциклопедия Баховских образов.

1 том ХТК – 24 прелюдии и фуги

2 том ХТК – 24 прелюдии и фуги

Количество пьес было не случайно. Это произведение было рассчитано на фортепиано новой системы строя и по своим техническим трудностям может служить хорошим курсом при изучении техники фортепианной игры. Клавиатура этого инструмента была поделена на равные интервалы-полутоны, т.е. равномерно темперировано. Это дало возможность построить 12 мажорных и 12 минорных тональностей. И Бах доказал, что в равномерно-темперированном строе все 24 тональности равноправны и звучат одинаково хорошо. Прелюдия и фуга вместе составляют двухчастный полифонический цикл. Большей частью они контрастны друг другу. Почти все прелюдии имеют импровизационный характер. Фуги же – это строго полифоническое произведение. Как и сюиту, прелюдию и фугу объединяют: общая тональность и тонкие внутренние связи.

Прелюдия и фуга (c-moll) 1-ый том ХТК.

Прелюдия – четкий и энергичный ритм, быстрый темп и единообразная. Заканчивается в мажоре. Во времена Баха мажорное трезвучие воспринималась как более устойчивое, чем минорное трезвучие.

Фуга – высшая, самая сложная форма полифонической музыки. Строится фуга по особым, строгим законам, где один голос как бы догоняет другой или отвечает другому. Слово «фуга» на латинском языке означает «бег».

В основе фуги обычно лежит 1 тема. Реже встречаются фуги с 2-мя и 3-мя темами. В зависимости от числа голосов фуга может быть 2-х, 3-х, 4-х, 5-ти голосной.

Основными приемами строения фуги является та же имитация. В фуге, как и в инвенции, есть противосложения, интермедии.

Фуга c-moll – 3-х голосная. Названия голосов фуги те же, что и в хоре: сопрано (S), альт (А), тенор (Т), бас (Б). Тема фуги имеет подвижный характер, что роднит с прелюдией. Основу темы составляют ярко выразительные речевые интонации. Поочередное изложение темы в каждый из голосов составляют первый раздел фуги – экспозицию. Также в фуге есть разработка (из Es-dur в c-moll). В репризе тема звучит только в c-moll. Завершает фугу мажорный аккорд.

ОРГАННОЕ ТВОРЧЕСТВО И.С.БАХА.

Орган – духовой клавишный инструмент, известный еще у древних греков, римлян (III век до н.э.). Вначале орган сопровождал церковное пение во время богослужения. Постепенно он превратился в сольный инструмент. Долгое время его называли «королем инструментов».

Современный орган состоит из набора деревянных и металлических труб, число которых доходит до нескольких тысяч. Орган имеет до 5 ручных клавиатур – мануалов. Педаль представляет собою клавиатуру для ног (32 клавиши). Все клавиши органа соединены с его трубами. Нажатие на клавишу дает звук одной и той же высоты, силы. При помощи переключения специальных рычагов звучание органа может принимать окраску различных инструментов оркестра.

Орган был любимым инструментом Баха. Композитор написал для него огромное количество произведений.

Хоральные прелюдии (более 150)

Пассакалия (c-moll)

Прелюдии и фуги

Фантазии и токкаты

Х

ХОРАЛ – старинное духовное песнопение, основанное на народных немецких

мелодиях. В католической музыке хоралы

были одноголосными.

оральные прелюдии.

Бах обрабатывал хоралы, создавая их них «хоральные прелюдии», своеобразные «инструментальные размышления» без слов. Прелюдии звучали во время богослужения между чтением Библии и вступлением хора.

Хоральная прелюдия f-moll – это пьеса лирического характера. Вдохновенная поэтическая мелодия хорала звучит в верхнем регистре. Бах будто поручает ее гобою.

Т

ТОККАТА – от toccare

касаться (имеется ввиду

касание клавиш органа или

клавесина)

оккаты и фуги.

Старые итальянские мастера называли в XVI веке токкатой фантазии для клавишных инструментов. Токката предназначена, прежде всего, чтобы продемонстрировать технику игры исполнителя и часто исполнялась с фугой.

Токката и фуга d-moll.

Это вершина органного творчества Баха. Токката – это разлив импровизации. Представляет собою грандиозное вступление к фуге. Токката создает атмосферу, которая необходима для восприятия более глубокой мысли, заложенной в фуге.

ИМПРОВИЗАЦИЯ – с итал. непредвиденный. Импровизировать – значит играть, одновременно сочиняя, или вернее сочинять без предварительной подготовки, тут же исполняя сочинение.

Фуга. Вначале тема звучит одноголосно и напоминает колокольный звон. Экспозиция заканчивается показом темы во всех 4-х голосах. В разработке Бах проводит тему в новых тональностях, в разных регистрах. В репризе тема звучит в основной тональности, сплетаясь с новыми голосами. Фуга заканчивается пассажами, похожими на токкату, и полнозвучными аккордами.

Тема 13 (8)

Заключение

При рациональном планировании занятий и следовании намеченному, урок, завершающий годовой курс (до контрольного) – вполне реален. Его содержание определяется рядом обстоятельств: опытом и намерениями преподавателя, наличием необходимого материала (ноты, книги, учебные пособия, аудиокассеты), успехами учеников. С выходом в 1999 году учебника по музыкальной литературе зарубежных стран В.Брянцевой преподаватели получили большой и хороший материал для заключительного занятия, часть которого можно включить в содержание урока, а другую – оставить для самостоятельного чтения. Хорошо проведенные уроки должны вызвать интерес учащихся к зарубежным композиторам, их творчеству, оставшемуся за пределами учебного курса, а кассеты и диски – помочь услышать их произведения в домашних условиях.

ТРЕТИЙ ГОД ОБУЧЕНИЯ

Классики русской музыки

Тема 14 (1)

Введение. Русская музыка до Глинки.

Один два урока, предусмотренные примерным тематическим планом для обзора музыкальной культуры России в доглинкинское время, могут быть свободно использованы преподавателем. Сведения исторического плана о зарождении и формах существования профессиональной музыкальной культуры в России, о народной песне и ее значении в формировании национальной композиторской школы должны содержать конкретные факты имена наиболее известных музыкантов XVIII и начала XIX века, подготовивших расцвет отечественной музыкальной классики в XIX веке.

Музыкальными иллюстрациями могут служить: один из хоровых концертов Д. Бортянского (в звукозаписи), один-два романса А. Алябьева, А. Варламова или А.Гурилева. Возможно, включить в этот ряд, при наличии времени, какой-либо фрагмент из оперы А. Верстовского «Аскольдова могила» (например, песню «Соловей»). Демонстрацию произведений отечественной музыки «доглинкинского» периода достаточно сопроводить краткими комментариями, чтобы вызвать интерес к их прослушиванию. Раскрывая содержание темы, преподаватель может ограничиться материалом, помещенным в учебнике Э. Смирновой, а также использовать:

        1. Конспект №22 (1).

        1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  2. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  3. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  4. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  5. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

  1. «Древнерусская музыка»

КОНСПЕКТ № 22 (1)

ДРЕВНЕРУССКАЯ МУЗЫКА.

Мы называем эпохой древнерусской музыки очень большой период времени. Он охватывает почти 8 столетий – от возникновения Русского государства в 9 веке до реформ Петра I в конце 17 века. Все это долгое время русская музыка развивалась в 2-х областях – народной и церковной музыки.

Особый слой профессиональных музыкантов, который выделился в народной среде в то далекое время – скоморохи. Так называли на Руси бродячих музыкантов, актеров, певцов, танцоров. Свои выступления скоморохи (их еще называли «потешниками») обычно сопровождали игрой на различных инструментах. Скоморохи ходили от деревни к деревне, пели, играли, устраивали представления. Иногда они нанимались на службу к какому-нибудь князю, иногда в своих путешествиях становились купцами. К их числу принадлежал Киевский сказитель Баян, воспетый Пушкиным в поэме «Руслан и Людмила» и Глинкой в одноименной опере.

Из истории христианства на Руси известно, что к концу 10 века полностью сложились храмовые виды искусств, в том числе богослужебное пение. Основной вид этого пения называется знаменным. Для записи знаменного пения (или знаменный распев) использовали не ноты, а специальные знаки – знамена (от славянского слова «знамя», т.е. – знак), или крюки (крюк – тот же знак).

Древнерусское богослужебное пение являлось формой соборной молитвы возвышенно-просветленного характера. Оно было принципиально одноголосным. Распевы исполнялись мужским хором, 2-мя хорами (антифонное пение) или, гораздо реже, соло без сопровождения каких-либо инструментов. Музыкальные инструменты в православной церкви были запрещены. Более того, инструментальная музыка считалась греховной, бесовской. В такое противопоставление был заложен духовный смысл. В те далекие времена считали, что в православном храме должно звучать только ангелоподобное пение, которое являлось отголоском небесной музыки. Такое пение воплощало в себя идеал красоты и дарило людям ощущение благодати, очищения, утешения, учило любить Бога и ближних.

Исключение составляло только искусство игры на колоколах, получившие развитие в разнообразных формах простого звона, перезвона, трезвона и т.д. Колокола среднего и большого размера часто получали имена: особенно известны «Царь-колокол», который до сих пор стоит в Московском Кремле, «Сысой», «Лебедь», а в Кремле Ростова Великого установлен колокол «Баран».

Церковное пение служило образцом высшего профессионализма, воплощалось в самых различных формах в практической и теоретической системе, которая получила название «системе осмогласия», то есть чередование групп напевов по периодам в 8 недель. Древнерусские песнопения – стихиры, тропари, кондаки – по вдохновению, профессионализму исполнения и силе художественного выражения не уступают ансамблям древнерусского зодчества, фрескам Феофана Грека и Андрея Рублева.

В 17 веке музыкальная культура нашей страны, особенно хоровая, достигла очень высокого уровня. На смену одноголосной хоровой музыке пришло многоголосие. А на смену крюкам пришла нотная запись, и возник стиль «партесного пения». Так тогда называли пение по нотам кантов и хоровых концертов.

Кант (от латинского cantus – пение, напев, песня) – это 3-х голосные куплетные песни. Содержание кантов было самым разнообразны: раздумья о жизни и смерти, картины природы, восхваление исторических личностей, выражение человеческих чувств. Пели их небольшие ансамбли.

Самой сложной формой русской музыки 17 века был хоровой «духовный концерт». Слово «концерт» означает «соревнование»: духовный концерт представлял собой диалог хоров. Композиторы писали концерты для 3-х и более четырехголосных хоров. В таком письме особенно прославились в те времена Н. Далицкий и В. Титов.

Говоря о древнерусской музыке, надо отметить то, что 16 – 17 века были периодом зарождения русского музыкального театра. Истоками его были древние представления – ритуал «пещного действия» и вертепный кукольный театр.

«Пещное действо» - инсценировка древнего сказания о 3-х отроках, которые не пожелали отдать поклон золотой статуе Навуходоносора и были брошены по его приказанию в горячую печь (пещь). Такая инсценировка сопровождалась пением стихир, кондаков и «росных стихов» (стихи, которые рассказывали о росе, которая чудесным образом погасила огонь в печи).

Большой любовью в народе пользовались вертепные представления. Вертеп – кукольный ящик с 2-х ярусной сценой – носили по домам, и под пение кантов разыгрывали один и тот же спектакль о жестоком библейском царе Ироде и его смерти.

В конце 17 века в России появился уже и настоящий музыкальный театр со зрительным залом, сценой, актерами, а иногда и оркестром. Его называли школьным, так как большинство из них организовывались при каком-нибудь заведении. Тексты для них писали известные драматурги Симеон Полоцкий, Дмитрий Ростовский.

Спектакли школьных театров явились итогом развития всего древнерусского искусства и одновременно стали связующим звеном с русским искусством 18 века.

Тема 15 (2)

М. И. Глинка.

Михаил Иванович Глинка (1804-1857) – основоположник русской классической музыки. Его творчество как новый этап в развитии музыкальной культуры России. Эпоха Глинки. События 1812 и 1825 годов. Подъем национальной культуры. Современники композитора – музыканты, литераторы. Глинка и Пушкин.

Детские годы в имении отца. Разностороннее воспитание в дворянской семье. Музыкальные впечатления детских лет. Влияние народной песни на формирование музыкальных представлений будущего композитора. Крепостная няня Глинки. Воздействие на юного Глинку оркестра крепостных музыкантов его дяди.

Обучение в Благородном пансионе (1817-1822). Кюхельбекер – воспитатель и наставник Глинки. Знакомство с А. Пушкиным, общение с В. Жуковским, А. Дельвингом, В. Одоевским. Увлечение музыкой. Посещение театра, концертов. Первые композиторские опыты.

Поездка на Кавказ в 1823 году. Недолгая работа на государственной службе. Серьезные и разносторонние музыкальные занятия, рост композиторского мастерства.

Первая поездка за границу (1830-1834). Знакомство с европейской культурой, общение с ее представителями. Увлечение оперным искусством. --- замысла национальной оперы. Занятия с З. Деном в Берлине; пополнение знаний и совершенствование композиторской техники.

Возвращение в Россию. Создание первой классической оперы «Иван Сусанин» и ее премьера в Петербурге (1836). Суждение публики об опере. Работа в Придворной певческой капелле. Поездка на Украину. Сближение с литературным кружком Н.Кукольника. Создание лучших произведений в разных жанрах в период высшего расцвета творчества. Работа над оперой «Руслан и Людмила» и постановка в 1842 году. Полемика вокруг оперы и ее судьба. Вклад Глинки в формирование русской школы пения.

Отъезд за границу в 1844 году. Пребывание во Франции. Дружеское общение с Г.Берлиозом. Исполнение произведений Глинки в Париже – первое знакомство европейской публики с русской классической музыкой. Поездка по Испании. Изучение народной испанской музыки и создание на ее основе концертных увертюр. «Камаринская» - одна из вершин творчества Глинки.

Последние годы жизни (Петербург, Варшава, Париж, Берлин). Новые творческие замыслы. Круг друзей Глинки. Общение с А. Даргомыжским, А. Серовым, В. Стасовым, М. Балакиревым. Сестры Людмила Ивановна Шестакова и ее роль в судьбе композитора и пропаганде его музыки. Смерть в Берлине в возрасте 53 лет.

Краткий обзор творческого наследия. Театральные произведения Глинки. Сопоставление опер «Иван Сусанин» и «Руслан и Людмила». Музыка к драматическому спектаклю «Князь Холмский» Кукольника. Произведения для симфонического оркестра. Разнообразие жанров камерной музыки: вокальная лирика, пьесы для фортепиано, инструментальные ансамбли.

Опера «Иван Сусанин» Путь Глинки к опере. Обращение композитора к историческому сюжету с героико-патриотической идеей. Построение оперы, ее композиция как своеобразный план оперы.

Сопоставление русской и «польской» музыки. Чередование законченных музыкальных номеров – сольных, ансамблевых, хоровых, оркестровых как один из основных принципов построения оперного произведения. Главные персонажи оперы, народ, их музыкальная характеристика. Последовательный разбор и прослушивание следующих фрагментов: интродукция (возможно, в сокращении), каватина и рондо Антониды, трио из 1-го действия; полонез, краковяк, мазурка из 2-го действия (названные танцы прослушиваются раздельно и в сокращении); песня Вани, ответы Сусанина полякам и прощание с дочерью (ариозо), свадебный хор и романс Антониды из 3-го действия; мужской хор поляков и ария Сусанина из 4-го действия, хор «Славься» из эпилога.

Для лучшего осмысления учащимися «устройства» оперы, связи музыки со сценическим действием, композицию оперы рекомендуется представить в виде наглядной схемы. Схема рисуется на классной доске в процессе объяснения и может быть предложена учащимся на раздаточных карточках.

Последняя горизонталь заполняется учащимися в тетрадях или на раздаточных карточках после прослушивания того или иного фрагмента.

Таким образом, перед учащимися будет наглядно представлена в «свернутом виде» вся опера, что позволит охватить произведение в целом и увидеть место каждого из прослушанных эпизодов. Запоминание музыки в последовательности --- эпизодов окажется связанным с местом действия и сценической ситуацией.

Разбор каждого номера начинается с объяснения сценической ситуации и содержательного смысла музыки. Обращение к нотному тексту позволит привлечь учащихся к активной поисковой работе и подкрепит их слуховые впечатления, познакомит с литературным текстом.

Знакомство с оперой «Иван Сусанин» закрепит и расширит представления учащихся об оперном жанре, познакомит с новыми понятиями: интродукция, эпилог, музыкальный антракт, народно-хоровая сцена, ария-монолог и ария-обращение, покажет разделение действия на картины.

«Иван Сусанин» на отечественной сцене. Традиционное открытие каждого нового сезона на сцене Большого театра оперой Глинки. Наиболее известные исполнители ведущих партий «Иван Сусанин» и «Жизнь за царя».

Приведенные здесь методические рекомендации приложимы к изучению других русских классических опер в дальнейшем.

Романсы и песни. Романс как небольшое произведение для голоса в сопровождении фортепиано на какой-либо поэтический текст, предназначенный для камерного исполнения. Широкое распространение жанра романса в 1-й половине XIX века и его связь с бытовым музицированием. Место вокальной лирики в творческом наследии композитора. Отражение в ней широкого круга жизненных явлений; богатство и разнообразие образного содержания. Поэтический текст и его органическое слияние с музыкой; авторы текстов. Вокальная партия и фортепианное сопровождение. Классическая ясность и стройность формы. Цикл «Прощание с Петербургом». Развитие традиций Глинки в камерно-вокальных сочинениях его последователей.

Работа с нотным текстом при разборе и прослушивании вокальных сочинений позволит отойти от объяснительно-иллюстративного метода работы, при котором учащиеся получают готовые знания, и привлечь их к самостоятельному потоку ответов на поставленные преподавателем вопросы (так называемый проблемный метод обучения с элементами поисковой беседы).

В нотном тексте «Жаворонка» учащиеся могут видеть фортепианное вступление, проигрыш между куплетами и заключение на теме инструментального склада с элементами звукоподражания, контрастной основной песенной мелодии; построение из двух куплетов.

В нотах «Попутной песни» - две контрастные темы, дублирование вокальной партии в фортепианном сопровождении, звукоподражание движению --- построение представляет собой разновидность трехчастной формы А ||: ВА : ||

В более сложном романсе «Я помню чудное мгновенье» - идентичные музыке фортепианное вступление и заключение с элементами гармонического мажора, воспроизведение мелодии вступления в вокальной партии, контрастная средняя часть и измененная реприза. Во всех примерах, прозвучавших на фортепиано, выделяются выразительные средства, определяющие тот или иной характер звучания, при этом переводятся итальянские слова, указывающие на характер исполнения. Тональности романсов, определяемых по нотному тексту; характеристика голосов исполнителей после прослушивания в звукозаписи.

Сложной задачей для преподавателя остается объяснение содержания поэтического текста: о чем он и как выражается в музыке.

Произведения для оркестра. Согласно первому варианту тематического плана, в котором на тему «Глинка» отводится 8-9 часов, произведениям для оркестра можно уделить два урока, охарактеризовав и прослушав три произведения: «Камаринскую», Вальс-фантазию и увертюру к опере «Руслан и Людмила». Увертюра дает возможность восстановить в памяти нечто важное о самой опере. Соответственно второму, 7-часовому варианту, на оркестровые сочинения остается один урок с двумя произведениями по выбору преподавателя. Имеется компромиссный вариант: по полтора урока на романсы и оркестровые сочинения. Общее представление о симфонических произведениях Глинки как относительно небольших одночастных оркестровых пьесах, различных по художественной образности и строению. Обращение в них к русскому и испанскому музыкальному фольклору. Программность «Ночи в Мадриде». «Испанские увертюры» как первые образцы концертных увертюр в русской музыкальной классике.

Вальс-фантазия как пример симфонизации танца. Лирическое содержание музыки, ее образное и мелодическое богатство. Сопоставление и чередование танцевальных тем. Роль струнной группы. Прозрачность фактуры и ---.

Фантазия «Камаринская» - образец воплощения народной песенности в симфонической музыке. Характеристика народных мелодий и приемов их варьирования. Построение произведения. Чайковский о «Камаринской»

Увертюра к опере «Руслан и Людмила» - одна из вершин симфонизма Глинки. Отражение в ней радостного, оптимистического характера оперы. Особенности сонатной формы в увертюре; краткая характеристика основных тем. Исполнение в симфонических концертах других оркестровых фрагментов из театральных произведений Глинки (увертюры, антракты, танцы, марш Черномора).

При изучении данной темы используется:

      1. Конспект №23 (2).

      1. Наглядные пособия:

        1. Иллюстрации из альбома «Михаил Иванович Глинка» (Автор А.С.Розанов)

      1. Аудиопособия:

      1. М.И.Глинка.Опера «Жизнь за царя».

      2. М.И.Глинка.Опера «Руслан и Людмила».

      1. Видеопособия:

        1. М.И. Глинка Опера «Жизнь за царя».

        2. М.И. .Глинка.Опера «Руслан и Людмила».

КОНСПЕКТ № 23 (2)

МИХАИЛ ИВАНОВИЧ ГЛИНКА.

( 1804-1856 г.г.)

М.И. Глинка – основоположник русской классической музыки (как А.С.Пушкин в русской литературе).

Основные произведения:

2 оперы «Иван Сусанин», «Руслан и Людмила».

Музыка к трагедии Кукольника «Князь Холмский».

80 произведений: песни, романсы, арии.

Симфонические произведения: испанские увертюры «Арагонская хота», «Ночь в Мадриде»; фантазии «Камаринская», «Вальс-фантазия».

Инструментальные ансамбли.

Фортепианные произведения: мазурки, вариации, ноктюрны.

Истоки музыки М.И.Глинки уводят в русское народное твочество: любовь к Родине, ее народу, к русской природе.

Глинка родился в семье отставного капитана, в селе Новосспаское Смоленской губернии. Мишенька был слабым, болезненным ребенком. Его воспитанием занималась его бабушка. Яркие впечатления остались от русских песен и сказок его няни Авдотьи Ивановны.

Спасаясь от нашествия Наполеоновской армии, в 1812 году семья Глинки покинула имение. Оно было разрушено. Мальчик навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силы и душевной красоты.

В 13 лет Глинку отдали учиться в Петербурге в Благородный институт при Главном педагогическом институте. Изучает: иностранные языки, географию, зоологию, музыку.

По окончании, работает в канцелярии Главного управления путей сообщения. В эти годы общается с Мицкевичем, Грибоедовым, Керн. В 1828 году против воли отца Глинка оставил службу, чтобы полностью посвятить себя творчеству.

В 1830 году едет поправить здоровье за границу. Побывал в Варшаве, в Германии, Италии. Занимается пением, берет уроки теории у Зигфрида Дена. Вернувшись в Россию стал сочинять оперу о патриотическом подвиге крестьянина Ивана Сусанина.

3 года Глинка проработал капельмейстером в Придворной капелле.

В 1836 г. создает оперу «Руслан и Людмила». Глинка мечтал что-бы либретто написал Пушкин, но его смерть помешала этому. Глинка сам пишет либретто, и ему помогает поэт-любитель В.Ширков. В это время знакомится с дочерью А.П.Керн, Екатериной Ермолаевной (ей посвящает «Вальс-фантазия», и романс «Я помню чудное мгновенье»).

В 1844 году едет за границу, чтобы «забыть о своем горе», его отношения с Е.Е.Керн не получили дальнейшего развития. Посетил Францию, Испанию, где знакомится с П.Мориме, Д.Обером, В Гюго, Г.Берлиозом. В это время пишет увертюру «Арагонская хота» (хота – испанский народный танец, распространенный в провинции Арагон).

Возвращаясь в Петербург, по настоянию своей сестры Людмилы Ивановны Шестаковой Глинка начинает работать над автобиографическими «Записками».

В 1856 году Глинка сильно простудился. Грипп вызвал обострение болезни печени, и 3 февраля Глинки не стало. Похоронен в г. Петербурге.

М.И.ГЛИНКА ОПЕРА «ИВАН СУСАНИН»

Предложил написать оперу Глинке поэт Жуковский.

Жанр. Опера «Иван Сусанин» - первая русская классическая историко-патриотическая трагедийная опера, основанная на непрерывном музыкальном развитии, без разговорных вставок.

История создания. Сюжет. Сюжетом послужило предание о героическом подвиге костромского крестьянина Ивана Сусанина в 1612 году, в трудное время оккупации иностранными захватчиками. Польские войска уже были изгнаны из Москвы, но отдельные их отряды еще бродили по стране. Один из таких отрядов забрел в село Домнино, где жил Иван Сусанин со своей семьей. Сусанин согласился стать проводником, но завел поляков в непроходимые дебри и сам погиб.

Либретто составил барон Розен.

Герои: Иван Сусанин – (бас) – главный герой

Антонида - (сопрано) – дочь Сусанина

Сабинин - (тенор) – жених Антониды

Ваня - (альт) – приемный сын Сусанина

Композиция оперы.

Увертюра, 4 действия, эпилог (т.е. завершение, итог).

Экспозиция (показ образов) – I действие – русский народ

II действие – польский народ

Развязка и завязка сюжета - III действие – Сусанин уводит поляков в лес

Кульминация - IV действие – гибель Сусанина

Драматургия оперы.

Сопоставление 2-х сфер: русская и польская. Русская – главная, она показана композитором во всем многообразии душевных и духовных качеств человека. Она поднята до уровня трагедийности, благодаря идее любви к Отечеству и вся пронизана русской песенностью. Ей противостоит польская сфера (II действие: мазурка, полонез, краковяк, вальс).

I ДЕЙСТВИЕ- происходит в селе Домнино, где живет Иван Сусанин с семьей. Дочь Антонида ждет возращение своего жениха – ратника Сабинина, который защищает Родину от врагов. Девушка мечтает о свадьбе. С отрядом ратников прибывает Сабинин, который рассказывает об успехах русского ополчения. Иван Сусанин благославляет Сабинина и Антониду.

1. Опера начинается с Увертюры. Этот раздел оперы показывает русский народ как главную движущую силу и выражает идею оперы – любовь русского народа к своей Родине. Поет 2 хора: мужской и женский.

2. Каватина и рондо Антониды– раскрывает типичные черты русской девушки – нежность, простота, доброта. Мелодия каватины – задумчивая. Рондо – светлый и оживленный характер.

3. Трио «Не томи родимый» начинает Сабинин, подхватывает Антонида, затем вступает Сусанин. Мелодия построена на интонациях городских бытовых песен.

II ДЕЙСТВИЕназывают «польским актом». Бал в зале польского короля Сигизмунда. Поляки хвастают своими победами и уверены в скором завоевании Руси. Но появляеися гонец, он сообщает о тяжелом положении польского войска, и том, что Минин и Пожарский собирают ополчение, чтобы окончательно разгромить врага. Тут же создает план нового вторжения. 4 танца: полонез, краковяк, вальс и мазурка образуют симфоническую сюиту.

4. Полонез - польский народный танец ( )

5. Краковяк – польский народный танец ( )

6. Вальс - австрийский танец

7. Мазурка – польский народный танец ( )

III ДЕЙСТВИЕ происходит в доме Сусанина, где готовятся к свадьбе Антониды и Сабинина. Внезапно появляются поляки, они требуют чтобы Сусанин указал им дорогу на Москву. Сусанин украдкой посылает Ваню предупредить русские отряды об опасности, сам же решает завести поляков в непроходимую лесную глушь. Приходят подружки Антониды. Они находят ее в слезах т. к. Антонида опасается за жизнь отца. Появляется Сабинин, который вместе с крестьянами решает идти на поиски Сусанина и польского отряда.

8 Песня Вани «Как мать убили» - это музыкальная характеристика мальчика-сироты. Простая, задушевная мелодия лежит в основе песни.

9 Свадебный хор «Разгулялися, разливалися воды вешние по лугам» - мелодия близка русским свадебным величальным песням.

10 Песня-романс Антониды «Не о том скорблю, подруженьки» - раскрывает всю глубину горя Антониды и показывает богатство ее душевного мира.

IV ДЕЙСТВИЕ

Сабинин со своими людьми пробираются по лесу. Разыскивая следы.

Ворота монастыря, где находятся ополченцы, прибегает Ваня и сообщает о польском отряде. Воины выступают.

Ночь. Лес. Холод. Здесь поляки и Сусанин. Поляки засыпают, но позже понимают, что Сусанин умышленно завел их сюда, и убивают его.

11. Ария Сусанина «Взойдет заря». Именно в этой арии до конца раскрывается образ Сусанина как героя и патриота. Сусанин предчувствует скорую гибель, вспоминает своих детей, мысленно прощается с ними и готовится к смерти.

Эпилог - (от греческого заключение)- это картина дополняющая основное действие.

В Москве на Красной площади народ празднует победу над врагом. Появляется Антонида, Сабинин, Ваня, и рассказывают о трагической гибели Сусанина.

12. Хор «Славься !» - заключение, славит родную землю и погибших героев.

СИМФОНИЧЕСКОЕ ТВОРЧЕСТВО М.И.ГЛИНКИ.

Фантазия «Камаринская»

Это вариации на темы 2 русских народных песен.

1 тема – свадебная «Из-за гор, гор высоких». Повествует о белой лебедушке – невесте, которую клюют щиплют серые гуси – недобрая женихова родня. Мелодия напевная. плавная, задумчивая.

2 тема – удалая русская плясовая «Камаринская».

«Вальс-фантазия»

Фантазия – (от греческого воображение) – музыкальная пьеса в свободной форме. Первоначально это была небольшая фортепианная пьеса, позднее расширена и оркестрована.

В основе лежит минорная задушевная, ласковая тема. Благодаря низходящей тритоновой интонации эта тема звучит порывисто и напряженно. Главная тема повторяясь несколько раз, чередуется со светлыми эпизодами образует форму рондо.

ВОКАЛЬНОЕ ТВОРЧЕСТВО М.И. ГЛИНКИ.

Глинка написал более 70 романсов. В них отразились чувства самого композитора: любовь и ревность, разочарование, восторг, разлука.

Среди романсов и песен Глинки можно встретить разные жанры: элегия – «Не искушай» на слова Баратынского, «Сомнение» сл. Кукольника; серенада – «Я здесь, Инезилья», «Ночной зефир» ( поэтическая картина); марш – «Рыцарский романс»; баркаролла – «Уснули голубые»; каватина – «Давно ли роскошно, ты розой цвела»; застольная песня – «Прощальная песня».

1.«Я помню чудное мгновенье» - романс на слова А.С.Пушкина. Имеет 3-х частную форму, которая соответствует содержанию стихотворения, отражая 3 момента душевного содержания: первая встреча, разлука и радость вновь наступившего свидания.

2.«Попутная песня» на слова Кукольника. Глинка первым передал в музыке впечатления от поездки по железной дороге.

3.«Сомнение» на слова Кукольника. В романсе говорится о борьбе чувств в душе человека.

4. «Жаворонок» на слова Кукольника. Это пример жанра «народной песни», где рисуется образ русской природы.

Тема 16 (3)

А.С. Даргомыжский

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813-1869) – младший современник, друг и последователь Глинки, вписавший новую страницу в историю отечественной музыки, смелый новатор. Связь его творчества с реалистическими тенденциями русской культуры 40-60-х годов.

Дворянское воспитание в семье и разностороннее образование, полученное в детские и юношеские годы. Приобщение к искусству, музыке, композиции. Знакомство с Глинкой в 1834 году. Создание оперы «Эсмеральда». Поездка за границу (1844-1845). Формирование реалистических художественных принципов. Наступление творческой зрелости. Сочинение вокальных произведений, работа над оперой «Русалка» и ее постановка (1856). Широкое признание оперы в демократической среде (1864). Сближение Даргомыжского с демократическим литературным кружком, работа в сатирическом журнале «Искра». Музыкальная общественно-просветительская деятельность; участие Даргомыжского в работе Русского музыкального общества. Напряженная творческая работа. Обращение к --- обличительной тематике в вокальных сочинениях. Развитие традиций --- Глинки в симфонических произведениях Даргомыжского. Широкое признание композитора на родине и за рубежом во время поездки по европейским странам (1864-1865). Сближение с молодыми композиторами «Могучей кучки». Работа над оперой «Каменный гость».

Краткий обзор творческого наследия. Преобладание в творческом наследии композитора произведений со словесным текстом и второстепенная роль инструментальных сочинений. Центральное положение оперы «Русалка» - третьей русской --- оперы (А.Серов). Другие театральные сочинения. Новизна замысла оперы «Каменный гость». Жанровое разнообразие и богатство содержания камерных --- сочинений. Народная основа оркестровой музыки Даргомыжского.

Три урока, отводимые на тему «Даргомыжский», исключают рассмотрение оперы «Русалка» в полном объеме. Представление об опере должно сложиться из краткой общей характеристики и прослушивания нескольких фрагментов (по усмотрению преподавателя) с соответствующими комментариями. Это могут быть ---, ариозо Наташи фа минор из терцета (1 д.), один из хоров (1 или 2 д.), Славянский танец (2 д.), каватина Князя (3 д.). Названные примеры – это максимум материала для одного урока. Общая характеристика оперы может быть дана при обзоре творческого наследия композитора.

Романсы и песни. Новизна и своеобразие романсов и песен Даргомыжского, развитие в них традиций Глинки. Тематика и жанры вокального творчества. Новый подход к литературному тексту Передача в музыке интонаций живой разговорной речи. Песни сатирического и социально-обличительного характера, лирика Даргомыжского. Романсы на слова Пушкина, Лермонтова «Мне грустно» - образец лирического монолога. Возможно исполнение этого романса учащимися по нотному тексту хрестоматии под аккомпанемент преподавателя. «Ночной зефир» сопоставление контрастных образов, текст от автора и прямая речь, овладение учащимися формы рондо после знакомства с темами и прослушивании звукозаписи. Романс «Мне минуло шестнадцать лет» как своеобразный музыкальный портрет. «Старый капрал» - драматическая песня социального содержания, рассказ о событии – шествии на казнь. Выявление в работе с нотным текстом речитативного склада мелодии, роли маршевого ритма, куплетного построения, варьированием запева, изменение темы припева в заключении.

При изучении данной темы используется:

      1. Конспект №24 (3).

      1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из энциклопедического словаря юного пианиста

      1. Аудиопособия:

      1. А.С.Даргомыжский

      2. А.С.Даргомыжский опера «Русалка»

      1. Видеопособия:

      1. А.С.Даргомыжский опера «Русалка»

КОНСПЕКТ № 24 (3)

АЛЕКСАНДР СЕРГЕЕВИЧ ДАРГОМЫЖСКИЙ

(1813-1869 г.г.)

Основные произведения:

Оперы: «Эсмеральда» (1841 г.), «Русалка» (1856 г.), «Каменный гость» (окончена после смерти Даргомыжского Римским-Корсаковым и Кюи).

Опера-балет: «Торжество Вакха» (1848 г..

Оркестровые произведения: «Баба Яга», «Чухонская фантазия».

Около 100 романсов.

Квартеты, хоры, вокальные ансамбли.

Даргомыжский – русский композитор 19 века, продолжатель Глинки. Путь Даргомыжского в музыке совпал с главным направлением русского искусства и литературы. Его можно определить так – от романтизма к реализму.

Даргомыжский родился 2 февраля 1813 года, в селе Троицком Тульской области. Его отец окончил Университетский пансион в Москве. Семейное предание сохранило романтическую историю его женитьбы на Марии Борисовне, происходившей из рода князей Козловских. По рассказам современников, молодой человек женился не как все люди, а похитил невесту, потому что князь Козловский не хотел выдавать дочь за маленького почтового чиновника. Сергей Николаевич был человеком способным и трудолюбивым, а потому быстро получил чин коллежского секретаря и орден, приглашение в Петербург, куда семья переехала в 1817 году.

В семье Даргомыжского образованию детей придавали большое значение. Сашу учили играть на фортепиано, скрипке, пробовал сочинять, брал уроки пения. Занимался историей, литературой, поэзией, иностранными языками.

В 14 лет мальчика определили на государственную службу, правда, жалованье ему стали платить через 2 года.

В Петербурге молодой Даргомыжский считался сильным пианистом. Он часто бывал в музыкальных салонах знакомых. Здесь круг его знакомых был очень широк: Вяземский, Жуковский, братья Тургеневы, Лев Пушкин, Одоевский, Глинка (в 1834 г.)

В 30-ые годы выросла известность Даргомыжского как вокального педагога и композитора. В свет вышли 3 сборника его романсов, среди которых были «Ночной зефир», «Я вас любил», «16 лет». Кроме того, Даргомыжский оказался создателем светского хорового пения a cappella (это

В 1844 году Даргомыжский впервые едет за границу: Берлин, Брюссель, Париж.

В 1860 г. его избрали почетным членом Русского национального общества, сотрудничает с журналом «Искра», создатели которого выступали против итальянского засилья в музыкальных театрах, преклонения перед западным. Эти идеи воплощены в лучших романсах – драматическом романсе «Старый капрал» и сатирическом «Титулярный советник».

В 1867 г. Даргомыжский занял пост председателя Петербургского отделения РМ общества. Общается с членами общества «Могучая кучка». Работает над оперой по трагедии А.С.Пушкина «Каменный гость». Страдая тяжелым сердечным недугом, Даргомыжский очень спешил закончить её. В последний период он был прикован к постели, но продолжал писать, торопясь, страдая от мучительной боли. И все же не успел полностью завершить работу.

6 января 1869 г. Даргомыжского не стало. В последний путь его провожал весь артистический Петербург.

А.С.ДАРГОМЫЖСКИЙ ОПЕРА «РУСАЛКА»

Жанр. Опера «Русалка» - это первая русская психилогическая бытовая музыкальная драма. Основная задача, поставленная композитором, - отражение душевного мира героев, их переживаний и характеров.

История создания. Сюжет. В основу оперы «Русалка» легла неоконченная пушкинская драма. В основе содержания «Русалки» лежит социальный конфликт. С большой художественной силой и правдой, рассказывается в опере о судьбе простой русской девушки, обманутой и брошенной богатым князем. Трагедия Наташи — это трагедия многих русских девушек, жизнь которых в условиях помещечье-крепостного строя была искалечена барскими прихотями.

Либретто: А.С.Даргомыжский.

Герои: Наташа – (сопрано)

Мельник — (бас) отец Наташи

Князь — (тенор) возлюбленный Наташи

Княгиня — (меццо-сопрано) жена Князя

Ольга — подруга Княгини

Русалочка — дачь Наташи и Князя.

Композиция оперы.

Увертюра, 4 действия, эпилог.

В опере заключена целая портретная галерея образов. Даргомыжский заменил некоторые второстепенные персонажи и некоторые герои пушкинской драмы получили в опере имена (так, дочери Мельника дано имя Наташа, а подруге княгини — Ольга). Заключительные сцены, не дописанные Пушкиным, были досочинены композитором. Каждый из героев оперы, показан не только как определенный человек, но и как порождение своей среды, своего времени, как определенный социальный тип.

ВОКАЛЬНОЕ ТВОРЧЕСТВО А.С. ДАРГОМЫЖСКОГО.

1. «Мне грустно» - это лирический монолог на слова М.Ю. Лермонтова. Напевность и закругленность фраз напоминает элегию. А также сочетает в себе песенность и декламацию. Автор высказывает глубокую боль и тревогу за судьбу любимого им, чистого душою существа, обреченного на страдание.

2. «Старый капрал» на слова Курочкина из Беранже. Композитор определил жанр романса как «драматическая песня». Это – монолог, и драматическая сцена одновременно. Хотя в стихотворении Беранже говорится о французском солдате, участнике походов Наполеона, такая судьба была и у многих других русских воинов. Текст романса – обращение старого солдата к товарищам, ведущим его на расстрел. Очень ярко раскрыты в музыке внутренний мир этого простого, мужественного человека. Он оскорбил офицера, за что был приговорён к смертной казни. Но это было оскорбление, а ответ на нанесенную старому солдату обиду. Этот романс – гневное обвинение общественного строя, который допускает насилие человека над человеком.

3. «Шестнадцать лет» на стихи А.Дельвига – яркий музыкальный портрет. И здесь Даргомыжский остался верен себе. Он несколько переосмыслил образ наивной девушки-пастушки, созданный Дельвигом. Использовав музыку незатейливого вальса, какие были очень популярны в то время в домашнем музицировании, главной героине романса он предал реальные черты современной простодушной мещанки.

4. «Титулярный советник» на стихи П.Вайнберга. Эта песня – сатирический рассказ от лица автора. Хотя в основе ее очень лаконичный текст без каких-либо описаний, композитор очень образно рассказывает о неудачной любви скромного советника (так в России назывался один из самых низких чинов) к генеральской дочери, с презрением его оттолкнувшей. Каким робким и смиренным обрисован здесь титулярный советник. А как властна и решительна мелодия, рисующая генеральскую дочь.

5. «Червяк» - комическая песня, на слова поэта Курочкина по стихотворению Беранже. Но это не сценка, а монолог-портрет мелкого, подленького человека, пресмыкающегося перед сиятельным графом. Используя очень скупые средства, опирающиеся на интонации человеческой речи, композитор создает здесь яркий образ угодливого, заискивающегося чиновника, с восторгом и подобострастием, даже благоговением, говорящем о графе.

Что нового внес Даргомыжский в развитие камерной вокальной музыки?

1. Появление в вокальном творчестве новых жанров и насыщение традиционных жанров новым содержанием.

2. В своих вокальных сочинениях Даргомыжский опирался на интонации человеческой речи, причем речи очень разнообразной, позволяющие создавать контрастные образы внутри одного человека.

3. Композитор глубоко анализирует явления действительности, выявляет ее противоречивые стороны. Поэтому романсы Даргомыжского превращаются в серьезные философские монологи-размышления.

Тема 17 (4)

Русская музыкальная культура второй половины XIX века

Данная тема – одна из ключевых обзорных тем курса, содержащая большой важный материал для осмысления происходящих в музыкальной культуре того времени процессов. Приводимые в ней сведения раскрываются на фоне общественно-исторической обстановки третьей четверти века в непосредственной связи с общекультурным процессом. Тема содержит много нового для учащихся, необходимого для понимания последующих монографических тем. Правильное соотношение общего и конкретного сделает тему доступной и обеспечит качество ее усвоения учащимися.

Расцвет русской музыкальной культуры во второй половине XIX века. Ее великие представители: М. Балакирев, А. Бородин, М. Мусоргский, Н.Римский-Корсаков, П.Чайковский, братья А. и Н. Рубинштейн. Развитие традиций Глинки и Даргомыжского: правдивость жизненных образов, обращение к народной песне, сочинение произведений в различных жанрах, разносторонние связи с национальной отечественной культурой.

Характеристика общественно-политической жизни 60-х годов XIX века. Расцвет литературы и искусства реалистического направления. Обличительные стихи Н.Некрасова, правдивый и разносторонний показ российской действительности в творчестве художников-передвижников; их просветительская деятельность.

Изменения в музыкальной жизни российских столиц, позднее – других городов. Образование Императорского Русского музыкального общества (ИРМО), его деятельность, направленная на приобщение к музыкальному искусству широких слоев городского населения. Открытие первых российских консерваторий в Петербурге (1862) и Москве (1866), их роль в подготовке хорошо образованных музыкантов-профессионалов: композиторов, исполнителей, педагогов, музыкальных критиков. Братья Рубинштейны – крупнейшие и авторитетные отечественные музыканты. Их разносторонняя и плодотворная деятельность: Антона Григорьевича – в Петербурге и Николая Григорьевича – в Москве. Открытие Бесплатной музыкальной школы (Петербург, 1862) – учебного заведения, ставившего целью обучение исполнительскому искусству и музыкальной грамоте любителей музыки. Концертные выступления музыкальных коллективов Школы.

Композиторская и публицистическая деятельность А.Н. Серова – блестящего музыкального критика, младшего современника Глинки и старшего современника композиторов «Могучей кучки». В.В.Стасов – выдающийся представитель русской культуры второй половины XIX века, музыкальный и художественный критик, друг композиторов «Могучей кучки» и художников-передвижников.

Начало в 60-е годы творческой деятельности композиторов «Могучей кучки» и Чайковского. Творческие принципы композиторов «Могучей кучки» - последователей Глинки и Даргомыжского в развитии национальной музыкальной культуры. Дружеское общение музыкантов. М.А. Балакирев – композитор, пианист, дирижер – старший наставник композиторов «Могучей кучки». Борьба передовых музыкантов за утверждение национальных путей развития отечественной музыки, за музыкальное воспитание широких слоев населения.

Полнота освещения данной темы во многом зависит от количества отводимых на нее уроков (один или два). На двух уроках (1-й вариант тематического плана) есть возможность прослушать два-три произведения или отдельные фрагменты сочинений А. Серова (песня Еремки из оперы «Вражья сила»), А. Рубинштейна (что либо из оперы «Демон» или романс), М. Балакирева (Восточная фантазия для фортепиано «Исламей»).

При изучении данной темы используется:

        1. Конспект №25 (4)

        2. Наглядные пособия:

        1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

        2. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нашего времени»

        3. Набор портретов композиторов.

      1. Аудиопособия:

        1. «А.П.Бородин»

        2. «Н.А. Римский-Корсаков»

        3. «М.П. Мусоргский»

        4. «П.И. Чайковский»

КОНСПЕКТ № 25 (4)

РУССКАЯ МУЗЫКА ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX ВЕКА.

Вторая половина XIX века — пора могучего расцвета русской музыкальной культуры. В конце XVIII века в ней только начинает формироваться профессиональная композиторская школа. Затем, в первой половине XIX века, русская классическая школа во главе со своим основоположником утвердила своё значение за пределами России. Теперь же, во второй половине столетия, она стала одной из ведущих музыкальных культур, утвердив себя как равноправное звено европейского музыкального искусства.

В этот период Россия подарила миру целую плеяду гениальных композиторов. Ими созданы истинные шедевры в самых различных жанрах. Среди них «Борис Годунов» Мусоргского, «Князь Игорь» Бородина, «Евгений Онегин», «Лебединое озеро» Чайковского и многое другое.

Но главное, что отличало музыкальную жизнь России той поры, - её демократизация. Музыка из придворных салонов и домашних кружков выходит на концертный простор. Появляется концертные организации, занимающиеся пропагандой музыкального искусства. В театры и концертные залы приходит новая публика: студенты, интеллигенция , мелкие служащие.

Когда появилось множество новых концертных залов и театров, перед нашей музыкальной культурой встала новая проблема. Нужны были певцы, инструменталисты, педагоги. Ведь в России до этого не существовало ни одного специального учебного заведения. Много сил и энергии отдал делу музыкального образования Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 — 1894) — великий пианист, композитор, дирижёр. По его инициативе в 1859 году в Петербурге открылось Русское музыкальное общество (РМО) и музыкальные классы при нём. Рубинштейн сам стал во главе концертов РМО. Их значение огромно. Широкая слушательская аудитория знакомилась, причём часто — впервые, с произведениями Баха и Генделя, Бетховена, Мендельсона и многих других композиторов Европы. Вскоре отделения РМО появились в других городах России.

Музыкальные классы при РМО готовили новые кадры. А в 1862 году в Петербурге была открыта первая в России консерватория. Её первым директором стал А. Рубинштейн. Вскоре, в 1866 году открылась московская консерватория, которую возглавил брат А. Рубинштейна Николай Григорьевич. Обе они стали настоящим центром музыкального образования и просвещения. Из стен их вышли несколько поколений выдающихся русских музыкантов.

Почти тогда же была организована Бесплатная музыкальная школа. Её основали глава нового музыкального направления М. А. Балакирев и замечательный хормейстер Г.Я.Ломакин. Своей целью эта школа ставила распространение музыкального образования среди широких кругов населения — студентов, ремесленников, служащих. Её концерты были центром пропаганды произведений русских композиторов, к которым столичная аристократия привыкла относиться с некоторым пренебрежением. Здесь можно было услышать новинки — только что написанные сочинения молодых русских музыкантов. Впервые в концертах Бесплатной музыкальной школы прозвучали крупные произведения современных зарубежных композиторов - Берлиоза, Листа, Шумана.

В работах А.Н. Серова, В.В. Стасова, Одоевского, Г.А. Лароша в этот период формировались основные принципы русской музыкальной критики.

Во всех отношениях музыкальная культура России переживала обновление. Начиналась поистине новая русская эра. И это естественно, ведь изменения происходили в это время в общественной жизни, науке, эстетике, литературе, живописи России. Не осталась в стороне и музыка. И во многом это было связано с деятельностью композиторов, вошедших в «Могучую кучку».

«Могучая кучка», так называлось творческое содружество композиторов, возникшее на рубеже 50-60-х годов. Оно было известно также под названием Балакиревский кружок, или Новая русская музыкальная школа, на Западе кружок называли «Пятёркой» по количеству входящих в него музыкантов. Название «Могучая кучка» дал содружеству В.В.Стасов.

Кружок складывался в течение нескольких лет (1856 – 1862) вокруг Балакирева. Раньше других с Балакиревым сблизился военный инженер по профессии, композитор и музыкальный критик Цезарь Кюи. Спустя год к ним присоединился офицер Преображенского полка Модест Мусоргский. В ноябре 1861 года в содружество влился 17-летний выпускник Морского офицерского корпуса Николая Римский-Корсаков. Осенью 1862 года в доме профессора Боткина состоялась знакомство Балакирева с молодым учёным, профессором Медико-хирургической академии Александром Бородиным. С осени 1865 года после возвращения Римского-Корсакова из кругосветного путешествия собрания кружка стали проходить в полном составе.

Общепризнанным главой кружка был Балакирев. На это ему давали право огромный талант, творческая смелость, внутренняя сила и убеждённость в отстаивании национально-самобытных путей развития русской иузыки.На собраниях «Могучей кучки» молодые музыканты изучали лучшие произведения классического наследия и современной музыки.

«Могучая кучка» никогда не была замкнутым кружком. Она была тесно связана со многими представителями русской культуры. Среди друзей и единомышленников балакиревцев — А.С.Даргомыжский, сестра Глинки Л.И.Шестакова, сёстры А.Н. и Н.Н.Пургольд. Крепкие связи соединяли кружок с московскими музыкантами П.И.Чайковским и Н.Г. Рубенштейном.

Удивительно тесная дружеская атмосфера царила внутри «Могучей кучки». Члены кружка всегда были друг для друга надёжной опорой, готовы были поделиться идеями, сюжетами, прийти на помощь.

Всех членов содружества объединяло стремление продолжить дело Глинки во славу и процветание отечественной музыки. Как и у Глинки, жизнь народа стала главной темой их творчества, объектом постоянного наблюдения, изучения. Они рисовали её через события истории, через образы поэтических сказок и былин, через философские раздумья о судьбах родины и яркие картины быта, через образы русских людей разных сословий и времён.

Члены «Могучей кучки» продолжили дело собирания народных русских песен, чьей красотой они восхищались. 40 русских народных песен собрал и обработал Балакирев, 100 — Римский-Корсаков. Они не просто восхищались фольклором. Любовь к русской песне наложила отпечаток на стиль произведений самих композиторов, отличающийся национальным колоритом.

Пришло время, и балакиревцы стали зрелыми художниками. Каждый из них пошёл своим путём, и кружок распался. Но никто не изменил идеалам «Могучей кучки» и не отрёкся от товарищей.Идеи балакиревцев получили развитие в творчестве и просветительской деятельности композиторов нового поколения. Они оказали большое влияние и на развитие зарубежной музыки (в частности, французской).

Тема 18 (5)

А.П. Бородин

Многогранность творческой деятельности Александра Порфирьевича Бородина (1833-1887). Вклад Бородина в развитие русской культуры и науки. Своеобразие музыки композитора, ее эпический склад; развитие традиций Глинки.

Детские годы в Петербурге. Широкий круг интересов будущего композитора; увлечение естественными науками и искусством. Учеба в Медико-хирургической академии. Музицирование, постижение теории музыки, композиторские опыты. Научная командировка за границу (1859-1862). Продолжение музыкальных занятий. Сближение с балакиревским кружком после возвращения в Петербург. Работа над Первой симфонией и ее успешное исполнение (1869). Проявление характерных черт музыки Бородина в камерной вокальной лирике. Разносторонняя научно-педагогическая рабоа в медико-хирургической академии и совмещение ее с композиторской деятельностью. Период творческой зрелости. Создание Второй симфонии и оперы «Князь Игорь». Новая поездка в Европу; встречи с Ф. Листом в Веймаре. Рост известности Бородина-композитора на родине и за рубежом. Произведения последнего десятилетия: романсы, квартеты, сочинения для оркестра, фортепиано.

Музыкальной иллюстрацией во время представления биографии композитора может послужить ноктюрн из Второго квартета.

Краткий обзор творческого наследия. Жанровое разнообразие музыки Бородина. Ведущее значение оперы «Князь Игорь». Симфонии и симфоническая картина «В Средней Азии». Камерные инструментальные и вокальные произведения.

Эпос и лирика в музыке Бородина.

Опера «Князь Игорь». Краткая история создания оперы от зарождения замысла (1869) до премьеры (1890). Роль Стасова как друга и советчика. Обращение к «Слову о полку Игореве». Представление учащимся древнего литературного памятника, о котором многие из них еще не знают. Патриотическая идея оперы, ее эпические черты. Ознакомление с композицией оперы по наглядной схеме. Понятие о прологе. «Русские» и «половецкие» действия; сопоставление Руси и Востока через музыку; ориентальные черты музыки половецких сцен. Основные персонажи оперы и их музыкальная характеристика. Арии Игоря и Кончака как образцы арии-портрета (показ разных сторон образа, наличие ряда тем, развернутое построение). Общность и различия названных арий. Галицкий и Ярославна. Многогранная характеристика народа в хоровых сценах.

Расширяя и углубляя понимание учащимися оперного жанра, и добавление к схеме композиции всей оперы, можно представить в наглядной схеме и композицию отдельной картины (в тереме Ярославны). Тогда станет ясно, что чередование сцен, их последовательность определяется развитием событий, сложившейся сценической ситуацией:

Путивль. Терем Ярославны. 2-я картина 1-го действия

участники действия

муз. номер

Ярославна одна

ариозо

Ярославна с девушками

женский хор

Ярославна с Галицким

дуэт-диалог

Ярославна с

боярами

мужской хор

Финал

все

Здесь впервые объясняется значение слова «финал» в опере как заключительной сцены действия (в циклическом сочинении финал — это последняя часть, что учащиеся знают по предшествующим темам, изучив симфонии, сонаты, сюиты).

Изучение оперы Бородина дает возможность показать близость его композиторского опыта традициям Глинки.

Последовательно разбираются и прослушиваются следующие фрагменты

оперы: хор «Солнцу красному слава», эпизод солнечного затмения из пролога; песня Галицкого из 1 картины, хор девушек и хор бояр из 2 картины первого действия; ария Игоря, ария Кончака, фрагменты половецких плясок из второго действия; плач Ярославны (фрагмент), хор поселян из четвертого действия.

Согласно первому варианту тематического плана одно занятие может быть посвящено романсам или Второй симфонии (1-я часть).

«Спящая княжна» и «Для берегов отчизны дальней», представленные в хрестоматии, разбираются аналогично романсам Глинки. Песня «А у нас-то в дому» на слова Некрасова, которую достаточно прослушать с нотным текстом, покажет, сколь разнообразны вокальные сочинения Бородина по тематике и композиционным приемам, а также то, что их автору не чужда ирония.

Обращение к симфонии позволит продолжить знакомство с симфонической музыкой, прерванное на «Неоконченной» Шуберта. Разрыв в несколько месяцев потребует восстановления знаний, связанных с жанром симфонии. Разбор и прослушивание одной части не исключает краткой характеристики цикла с его героико-эпическими образами. В процессе анализа выявляются выразительные свойства основных тем и приемы развития в сонатном построении 1-й части.

При изучении данной темы используется:

  1. Конспект № 25 (4)

  2. Наглядные пособия:

  1. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  2. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособия:

      1. «Александр Порфирьевич Бородин»

4. Видеопособия:

1. А.П. Бородин опера «Князь Игорь»

КОНСПЕКТ № 26 (5)

АЛЕКСАНДР ПОРФИРЬЕВИЧ БОРОДИН.

(1833-1887)

Основные произведения:

Оперы: «Богатыри», «Млада», «Князь Игорь»

3 симфонии

Музыкальная картина «В средней Азии»

Камерно-инструментальные ансамбли

Романсы, вокальные ансамбли

Произведения для фортепиано

А.П. Бородин – человек редкой, удивительно разносторонней одаренности. Бородин был рожден вне брака. Отцом его был князь Лука Степанович Гедианов. Мать – дочь солдата Авдотья Константиновна Антонова. Ребенка записали сыном дворового человека князя Порфирия Бородина. Получив замечательное домашнее образование (он овладел несколькими языками), рано научился играть на фортепиано, флейте и виолончели. А с 9 лет стал сочинять музыку. Бородин закончил Медико-хирургическую академию в Санкт-Петербурге, успешно защитил докторскую диссертацию по химии и провел 3 года за границей в научной командировке. В это время он продолжает увлекаться музыкой: играл в разных ансамблях, сочинял романсы, трио, квинтеты и другие произведения.

Химия и музыка – эти две столь различные сферы стали делом всей жизни Бородина: в обеих он достиг высот профессионализма, став ученым и композитором с мировым именем.

Подружившись в 1862 году с М.А. Балакиревым и войдя в созданный им кружок «Могучая кучка», Бородин обрел единомышленников. В общем русле их исканий нашел свой путь. Его влекли «дела минувших дней»: величественные, богатырские образы русских былин и сказаний, героические эпизоды прошлого. Основой его оперы «Князь Игорь» стал замечательный памятник древнерусской культуры 12 века «Слово о полку Игореве». Не случайно опера «Князь Игорь» посвящена памяти М.И. Глинки: вслед за глинкинским «Русланом и Людмилой» Бородин создал высочайший образец русской эпической оперы, утверждающей величие и славу Русского государства.

На создание крупного музыкального произведения у Бородина уходило по несколько лет. Только в 1867 году была дописана симфония №1. Вторая симфония создавалась семь лет. Над оперой «Князь Игорь» композитор трудился с перерывами восемнадцать лет: 1869 года до самой смерти, но так и не закончил ее. Н.А. Римский-Корсаков и А.К. Глазунов завершили те картины оперы «Князь Игорь», которые композитор не закончил. Глазунов кроме того, записал по памяти две части Третьей симфонии Бородина, которые слышал в исполнении самого композитора.

Вторую симфонию Бородина его друзья по «Могучей кучке» назвали «Богатырской»

(1876 г.). Слушая ее, представляешь себе легендарных русских витязей – защитников страны и народа, прочно стоящих на родной земле, словно вросших в нее. Вспоминаются известные картины В.М. Васнецова «Богатыри», «Витязь на распутье».

Симфоническая картина «В средней Азии» (1880 г.), где выражена идея содружества русского и восточных народов, привлекает слушателя красочностью музыки.

В замечательных романсах на его собственные слова «Песня темного леса», «Спящая княжна» воскрешают богатырские образы народных сказок и легенд; его баллада «Море» полна драматизма. Созданный под впечатлением смерти М.П. Мусоргского романс «Для берегов отчизны дальной» (на слова А.С. Пушкина) волнует глубокой, сдержанной скорбью.

Великий «богатырь русской музыки» и выдающийся ученый – таким вошел А.П. Бородин в историю мировой культуры.

А.П.БОРОДИН ОПЕРА «КНЯЗЬ ИГОРЬ».

Жанр: лирико-эпическая опера.

История создания. Сюжет: предложил написать оперу Бородину – Стасов. В качестве сюжета использован памятник древнерусской литературы, написанный в 12 веке «Слово о полку Игореве». Бородин изучил подлинные русские летописи, научные исследования о половцах, русские народные песни и сказания, песни тюркских народов.

«Слово» рассказывает о походе князя Игоря Светославича Новгород-Северского в 1185 году против степных половцев. Половцы совершали неожиданные набеги на мирные русские города и сёла, сжигали дома, поля, уводили в плен людей. Победить их русские князья не могли, так как были разрознены, их раздирали междоусобные войны. Поэтому князь Игорь потерпел поражение.

Либретто: составил А.П.Бородин.

Герои: Князь Игорь (баритон);

Ярославна (сопрано)– жена князя Игоря;

Владимир – сын князя Игоря и Ярославны;

Князь Галицкий (бас) – брат Ярославны;

Хан Кончак (бас);

Кончаковна (контральто)– дочь хана Кончака.

Композиция оперы:

Пролог, 4 действия, эпилог.

I и IV действия происходит в русском лагере.

II и III действия происходит в лагере половцев.

Идея оперы - это патриотическая идея единства страны. Хотя «слово» пронизано мыслью о народе и заботой о его интересах, там не было фрагментов, рисующих народные массы. А Бородин наполнил ими свою оперу. Он написал хоры девушек, ратников, крестьян и в этой музыке воплотил чувства, думы, характер народа.

ПРОЛОГ рисует торжественные проводы Игоря и его дружины. Внезапно начинается солнечное затмение. Всем кажется, что это дурной знак. Но Игорь непоколебим, он успокаивает народ. Только гудошники – (народные музыканты – скоморохи, игравшие на гудке, старинном струнно-смычковом инструменте) Скулка и Ерошка не желают отправляться в

далекий и рискованный поход. Они предпочитают примкнуть к «войску» Галицкого, на попечении которого оставляет Игорь своё княжество и жену Ярославну. Так уже в прологе композитор намечает не только основной конфликт оперы – между русскими и половцами, но и конфликт внутри русского стана.

1. Хор народа «Солнцу красному Слава!» - выражает могучую силу народа, он полон решительности и мощи. Народ – главный герой пролога. Мелодия хора близка древним обрядовым песням.

I ДЕЙСТВИЕ 1 КАРТИНА.

Двор кн. Галицкого, которого отец прогнал и лишил наследства, мечтает захватить власть в Путивле, где Игорь приютил его как родственника. Этими планами он делится с челядью, которая вместе с ним предаётся пьяному разгулу.

2. Песня Галицкого – это портрет своевольного гуляки, «князя-босяка», как назвал его Стасов. Песня очень полно раскрывает характер Галицкого: прямолинейная, лишенная гибкости мелодия, такой же ритм и стремительный темп создают образ гуляки-бражника.

I ДЕЙСТВИЕ 2 КАРТИНА.

Терем Ярославны. Она тоскует по мужу. Приходят девушки и жалуются на Галицкого, который украл девушку. Увидев Галицкого, девушки разбегаются.

3. Хор девушек «Мы к тебе княгиня..». Мелодия хора близка по интонациям русским причитаниям.

4. Хор бояр «Мужайся княгиня..» - обращаются к ней, прежде чем сообщить страшную весть о разгроме Игорева войска. Хор звучит сурово, сдержано, мрачно.

Завершается действие зловещей картиной пожара, учиненного половцами. Тревожный, призывный набат пронизывает собой всю эту картину народного бедствия.

II ДЕЙСТВИЕ

Это показ другого мира и быта восточных народов. Половецкие девушки поют и танцуют. Дочь хана Кончака – Кончаковна и сын Игоря Владимир полюбили друг друга. Но Игорь не даёт согласие на свадьбу.

5. Ария Игоря «Ни сна, ни отдыха измученной душе» рисует страдания пленённого князя, горечь мужественного сердца, его тоску по свободе.

Появляется крещенный половец Овлур. Он предлагает Игорю побег из плена. Но русский князь благороден, он дал слово чести Кончаку и не хочет нарушить его своим побегом.

6. Ария Кончака – это характеристика дикого необузданного, и в то же время мужественного воина, даже благородного.

Кончак предлагает Игорю дружбу. Но Игорь отказывается, так как хан требует взамен обещания не выступать против него. Нет, на предательство русский князь не пойдет. Кончак восхищен бесстрашием Игоря, и он приглашает князя полюбоваться половецкими танцами.

Финал II действия – грандиозная вокально-танцевальная сюита.

7. Хор девушек «Улетай на крыльях ветра».

8. Дикая пляска мужчин.

9. Танец мальчиков.

10. Пляска с хором.

III ДЕЙСТВИЕ

Рисует другой Восток – хищный, разбойный. Появляется хан Гзак с отрядом, которые ведут русских пленников. Игорь с сыном готовы бежать. Но Кончаковна услышав их разговор, созывает половцев. Убегает только Игорь. Кончак призывает к новому набегу на Русь.

IV ДЕЙСТВИЕ

Тишина и запустение. У городской стены Путивля Ярославна оплакивает мужа и сына.

11. Плач Ярославны «Ах! плачу я..». Здесь образ княгини становится символическим. В нем выражены чувства и переживания всей многострадальной Руси, разоренной дикими ордами. К солнцу, ветру, Днепру обращается Ярославна. Она ищет у них силы перенести горе, просит защитить Русь от недругов.

12. Хор поселян «Ох, не буйный ветер» написан в манере распевной протяжной песни. Начинается одноголосно, а затем «обрастает» подголосками. С потрясающей силой выражено в этой протяжной хоровой песне народное горе.

Крестьяне удаляются, а Ярославна видит двух всадников, приближающихся к Путивлю. Среди них она узнаёт бежавшего из плена Игоря. Возвращение Игоря замечают Скула и Ерошка, они растерянны и напуганы. Но хитрецы находят выход: они начинают звонить в колокола, созывая народ. Игорь прощает их.

ЭПИЛОГ

Народ славит возвратившегося князя – и в этой радости звучит предчувствие будущей победы над врагами.

СИМФОНИЧЕСКОЕ ТВОРЧЕСТВО БОРОДИНА.

БОГАТЫРСКАЯ СИМФОНИЯ.

К симфоническим произведениям относятся: 3 симфонии (1867, 1876, 1887); музыкальная картина «В Средней Азии» (1880).

Композитор не объявлял какой-либо программы к Богатырской симфонии. И все же здесь есть явные черты программности. Стасов писал об этом: «Сам Бородин рассказывал мне не раз, что в медленной части желал нарисовать Баяна, в первой части – собрание русских богатырей, в финале – сцену богатырского пира при звуке гуслей, при ликовании великой русской толпы». Именно это дало повод Стасову назвать симфонию Богатырской (Мусоргский именовал её «героической славянской»). Все эти картины объединены единой патриотической идеей – идеей любви к родине и прославления богатырской мощи народа.

I ЧАСТЬ – написана в форме сонатного allegro. Воплощение богатырских образов. Главная партия близка русским былинным напевам, её исполняют деревянно-духовые.

Побочная партия – близка лирическим песням народного склада. В ней выражаются лирические чувства не одного человека, а целой массы народа. Рисует раздольную русскую степь.

Разработка построена по излюбленному Бородиным эпическому, картинному принципу. Она строится на чередовании героических эпизодов, которые напоминают боевые схватки, былинные подвиги, и лирических, более личных моментов, построенных на развитии побочной партии.

После сжатой репризы кода с огромной силой утверждает первую тему.

II ЧАСТЬ – стремительное скерцо. С предыдущей частью оно связано кратчайшей связкой – одним протянутым аккордом.

1-ая тема скерцо стремительно вырывается из глубины басов на фоне повторяемой валторнами октавы, а потом несёт вниз, словно «не переводя дыхания».

2-ая тема звучит мягче, хотя и она сохраняет мужественный характер.

Мелодия трио овеяна восточной негой.

III ЧАСТЬ –Andante, написана в форме сонатного allegro. Можно назвать богатырской эпической песнью. Оно рисует образ Баяна - легендарного древнерусского певца. Эта часть воспринимается как рассказ народного сказителя о славных битвах и подвигах древних витязей.

Главная партия- это аккорды арфы рисуют перебор струн на гуслях Баяна.

Побочная партия - звучит как продолжение главной. Но настроение здесь становится другим, как будто сказитель от рассказа о мирной жизни перешёл к повествованию о тревожных и грозных событиях.

IV ЧАСТЬ - Аllegro. Музыка захватывает своим размахом, блеском, жизнерадостностью и необыкновенным величием.

Главная партия – размашистая, буйно-весёлая тема, прообразом которой является народная песня «Пойду во Царь-город».

Побочная партия более лирична и спокойна. Она носит характер славления и звучит на фоне как бы «переливов гуслей звончатых».

Симфония заканчивается музыкой, полной молодецкой удали и неудержимого веселья.

РОМАНСЫ А.П.БОРОДИНА

Вокальное творчество Бородина невелико по объёму. Им написано всего 16 романсов и песен на тексты А.С.Пушкина, А.Толстого, Гейне, А.Некрасова, а также на собственные тексты. Их можно разделить на 3 группы.

1. Романсы, воплощающие образы народного эпоса и сказки:

«Песня тёмного леса», «Спящая княжна».

2. Лирические зарисовки и психологические высказывания и психологические зарисовки:

«Отравой полны мои песни», «для берегов отчизны дальной».

3. Бытовые и юмористические романсы:

« Спесь», «У людей-то в дому».

«Спящая княжна» написана на собственный текст Бородина. В этом романсе сопоставляются образы спящей княжны, злых фантастических существ и богатыря-освободителя.

«Песня тёмного леса» содержит более конкретный богатырский образ. Бородин сам сочинил слова в духе старинных народных песен вольницы(недаром своему романсу автор дал подзаголовок – «Старая песня»). В этом романсе Бородин показал народные образы прошлого, он подчеркнул в них то, что было близко современности – стихийную силу и неудержимоё стремление к свободе.

«Для берегов отчизны дальной» по жанру – элегия. Она написана в 1881 году под впечатлением смерти Мусоргского. Музыка этого романса гениально сливается с текстом Пушкина. Настроение глубокой сдержанной печали, мужественной скорби, острота и боль переживаний отличают это сочинение композитора.

«Спесь» - юмористический романс на стихи А.К.Толстого, в котором хорошо видны главные черты этого жанра в творчестве композитора. Бородину не были свойственны хлёсткая насмешка, едкая ирония. Его романсы отличает добродушный комизм. Но спесь – порок общественный. Поэтому, высказывая его, композитор приближается к социальной сатире – жанру столь популярному в творчестве Даргомыжского и Мусоргского.

Тема 19 (6)

Н. А. Римский-Корсаков

Многогранность творческой и общественной деятельности Николая Андреевича Римского-Корсакова (1844-1908) — композитора, педагога, музыкального писателя и редактора, дирижера и пропагандиста русской музыки. Отражение в его творчестве истории и быта народа; широкое обращение к национальному фольклору.

Детские годы в Тихвине. Первое приобщение к музыке. Учеба в Морском корпусе в Петербурге (1856-1862). Увлечение музыкой, посещение оперы и концертов, занятия с Канилле. Знакомство с Балакиревым и его роль в развитии таланта и формировании художественных взглядов Римского-Корсакова. Заграничное плавание (1862-1865). Завершение и успешное исполнение Первой симфонии; создание других произведений для оркестра.

Работа над оперой «Псковитянка» на исторический сюжет. Рост известности композитора. Начало педагогической работы в консерватории (1871). Совершенствование композиторского мастерства. Увлечение народной песней и создание песенных сборников. Обращение к народно-бытовым и сказочным сюжетам в операх «Майская ночь» и «Снегурочка».

Период высшей творческой зрелости; создание лучших произведений для оркестра в 80-е годы («Шехеразада», «Испанское каприччио»), Беляевский кружок. Работа над завершением и редактированием сочинений Мусоргского и Бородина («Борис Годунов», «Хованщина», «Князь Игорь»), Выступления в роли дирижера. Новый расцвет оперного творчества с середины 90-х годов. Солидарность Римского-Корсакова с настроениями передовой части русского общества в годы революции 1905-1907 годов. Создание оперы-сатиры «Золотой петушок». Борьба Римского-Корсакова за реализм и народность русского музыкального искусства. Ученики и последователи Римского-Корсакова. Всемирное признание композитора.

Краткий обзор творческого наследия. Жанровое и тематическое богатство сочинений Римского-Корсакова. Ведущее положение оперы; преобладание сказочно-эпических произведений. Народно-жанровая основа симфонической музыки; роль программности в ней. Сюиты, симфонии и одночастные сочинения для оркестра. Камерная вокальная музыка. Произведения других жанров. Книги и статьи

Римского-Корсакова о музыке. «Летопись моей музыкальной жизни» как образец творческой автобиографии.

Из музыки Римского-Корсакова на биографическом уроке можно прослушать песню Варяжского гостя и песню Индийского гостя из оперы «Садко».

«Шехеразада». Обращение к «Шехеразаде» дает повод восстановить и значительно дополнить представления учащихся о симфоническом оркестре. К концу третьего года обучения у них уже накоплен определенный слуховой опыт от общения с симфонической музыкой и некоторые познания в области инструментоведения. Красочное звучание оркестра Римского-Корсакова, программность сюиты усиливают восприятие музыки, а сольные эпизоды почти всех инструментов облегчают узнавание их голосов. В беседе об оркестре, становящейся своеобразным введением к изучению оркестрового сочинения, могут быть затронуты вопросы, которые помогут учащимся осмыслить ряд понятий, связанных с оркестровой музыкой, и в дальнейшем самостоятельно в них ориентироваться. Основные из них: виды оркестров, различных по инструментальному составу и назначению (репертуару); современный симфонический оркестр, оркестровые группы и их инструментальный состав, расположение групп на концертной эстраде; функции дирижера; понятие о партитуре.

Арабские сказки «Тысяча и одна ночь» как источник содержания музыки сюиты. Сказочный, восточный характер музыки. Картинность и красочность музыкальных образов; выразительная роль оркестровых тембров. Строение цикла. Слуховое и визуальное (по нотным примерам из учебника) выявление выразительных качеств основных тем вступления . Разбор сонатного построения первой части, ее основные темы. Сопоставление контрастных образов во второй части, вариационное развитие основной темы. Песенные и танцевальные черты тем третьей части, ее лирический склад. Чередование тем предшествующих частей в финале. Программное и тематическое содержание коды.

Опера «Снегурочка». «Снегурочка» Римского-Корсакова в наибольшей степени отвечает задачам учебной работы, хотя преподаватель вправе заменить ее какой-либо другой из сказочных опер. В то же время проводить уроки по «Снегурочке» труднее, чем знакомить детей с «Иваном Сусаниным» и «Князем Игорем». Во- первых, есть опасность упрощения, сведения темы оперы к детской сказке о девочке-Снегурочке. С другой стороны, философское начало произведения, его языческий пантеизм и обрядность, особая поэтичность далеки от мировосприятия современных подростков. Приблизить творение Римского-Корсакова к восприятию школьников поможет обращение к чудесному поэтическому тексту А. Н. Островского и построение занятий в форме своеобразной музыкально-литературной композиции. Это, однако, не исключает и традиционного методического подхода к изучению оперы. В его основе — чередование фрагментов музыки с чтением текста Островского. Выразительное чтение поэтического текста преподавателем — обязательное условие осознания высоких художественных достоинств произведения и живого, эмоционального восприятия литературных образов школьниками.

Так, после разбора и прослушивания вступления к прологу естественно воспринимаются строки текста из монолога Весны и ее обращения к птицам, подготавливающего «Песню и пляску птиц». Появление Мороза и его диалог с Весной читается по тексту Островского, в котором мотивируется следующая сцена со Снегурочкой. Ее ария и aриетта - музыкальный центр пролога. В сцене проводов масленицы прослушиваются первый из хоров и заключительная сцена, от появления Снегурочки.

Ограниченность времени не позволяет сосредоточить внимание на первом действии. Смысл происходящего в нем необходим для понимания всего дальнейшего: он объясняется преподавателем с подборкой фрагментов текста.

Во втором действии можно обратиться к строкам из мудрых речений Берендея в его диалоге Бермятой (явление второе), жалобе Купавы (без прослушивания музыки дуэта) и приговору царя («Честной народ, достойна смертной казни вина его...»). Музыкальные номера действия, которые традиционно разбираются и прослушиваются, - это Шествие царя Берендея и его каватина. Медленная, тихая, проникновенная музыка арии проводит более заметное впечатление своей хрупкой красотой после прочтения ее текста по либретто, который воспевает могучую, полную чудес природу.

Два последних действия требуют меньше внимания и времени, и выбор фрагментов поэтического текста для прочтения здесь более ограничен. Если хор «Ай, во поле липенька» и «Пляска скоморохов только прослушиваются с пояснительными комментариями, то песня Леля весьма показательна для анализа выразительных средств, особенностей построения. Дальнейшее сюжетное развитие кратко пересказывается, а музыкальной иллюстрацией к происходящему в ночном лесу служит ариозо Мизгиря.

Последнее действие начинается со сцены Снегурочки с Весною, из которой читается с купюрами ее начальный текст до прощания Весны со Снегурочкой, включая текст хора цветом. Высокая поэзия этих строк навевает тепло и ароматы весенних дней, сближая человека с природой. В единстве человека и природы — одна из основополагающих идей оперы. В сцене таяния, в последних словах Берендея и заключительном хоре, слияние текста и музыки воспринимаются в их единстве как итог творения двух великих представителей русского искусства. Перед прослушиванием ариозо Снегурочки в музыке оперы выделяются тема Ярилы-Солнца, преобразованная тема из ариетты пролога, образ Снегурочки сопоставляется в финале с ее обликом в прологе.

При изучении данной темы используется:

        1. Конспект №27 (6)

        2. Наглядные пособия:

  1. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  2. Набор портретов композиторов

3. Аудиопособие:

1. «Николай Андреевич Римский-Корсаков»

4. Видеопособие:

1. Н.А. Римский-Корсаков опера «Снегурочка»

КОНСПЕКТ № 27 (6)

НИКОЛАЙ АНДРЕЕВИЧ РИМСКИЙ-КОРСАКОВ.

(1844 – 1908 г.г.)

Основные произведения:

- 15 опер: «Садко», «Золотой петушок», «Кащей бессмертный», «Царская невеста», и другие.

- для оркестра: 3 симфонии, муз. картина «Садко», «Сербская фантазия», «Сказка», «Симфониетта на русские темы», «Испанское каприччио», «Шахеразада», «Светлый праздник».

- концерты, ансамбли для различных инструментов с оркестром.

- фортепианные произведения.

- 79 романсов, вокальные дуэты, трио и другие.

Римский-Корсаков родился 6 марта 1844 года в Новгородской губернии, в г.Тихвине. Отец композитора – бывший губернатор - имел дом. Мать – дочь крепостного крестьянина. Семья была музыкальной. У Ники, как ласково называли его родители, музыкальные способности проявились очень рано. С 6 лет его начали учить музыке, и к 11 годам он добился больших успехов. Обязательными упражнениями Ника занимался с ленцой, зато любил менять в исполняемой пьесе конец.

Но не только музыка интересовала тогда юного Нику. Гораздо больше влекла его романтика моря – страсть, развившаяся под влиянием старшего брата, Воина Андреевича, офицера-моряка, участника длительных экспедиций, имевшего звание контр-адмирала. Нику пленяла мысль стать моряком. Наконец его мечта осуществилась. В 12 лет он поступил в Морской корпус в Петербурге.

Кадетский корпус резко изменил уклад его жизни. Всё в нём было подчинено военным порядкам. Но юный кадет быстро освоился там, сдружился со старшеклассниками, среди которых были будущий писатель, автор «Морских рассказов» К. Станюкович и художник В. Верещагин. Учился Николай прекрасно. Шесть лет он всегда входил в «первый десяток» кадетов. Поэтому ему давали еженедельный отпуск. Он стал посещать концерты, оперу.

Но музыкальное образование Николая оставляло желать лучшего. Поэтому с 1859 года он стал заниматься с Ф. А. Канилле - музыкант, пианист, ценитель русской музыки. Через Канилле молодой музыкант познакомился с Балакиревым, Кюи, Мусоргским, Стасовым. Именно это определило его дальнейший путь. Он начинает работу над первым своим серьёзным трудом – Первой симфонией. Но параллельно он сдаёт экзамены в Морском корпусе, а потом как гардемарин уходит в кругосветное плавание на военном учебном клипере «Алмаз». Путешествие длилось 3 года. Клипер побывал в Англии, Америке, Бразилии, Италии, Испании, Франции.

Возвращение к музыке произошло очень быстро. Дебютом композитора стала Симфония № 1, потом появились симфоническая картина «Садко», симфония «Антар». Но самой большой работой первого периода стала опера «Псковитянка». Завершение оперы совпало со счастливым событием в жизни композитора – он женился на Н. Н. Пургольд, талантливой пианистке, участнице музыкальных вечеров балакиревского кружка, постоянной исполнительнице произведений друзей-композиторов. Мусоргский ласково называл ее – «наш любимый оркестр».

Тогда же Римский-Корсаков много работал над сборниками русских песен. Вначале он записал и гармонизовал 40 песен от талантливого певца-любителя Т.Филиппова, а затем стал сам их разыскивать русские народные песни разных жанров. Особенно его интересовали древние игровые и обрядовые песни. Так возник сборник «Сто русских народных песен».

В 1871 году Римский-Корсаков становится профессором Петербургской консерватории. Вскоре после этого его приглашают занять место инспектора духовых оркестров морского ведомства. Для соответствия последней должности он научился играть на духовых инструментах. В середине 70-х годов он также принял на себя обязанности директора Бесплатной музыкальной школы, сменив Балакирева.

В 1905 году Римский-Корсаков выступил на стороне революционно настроенных студентов, за что был исключён из состава профессоров. Возвращение его в консерваторию явилось крупной победой демократических сил.

Весной 1908 года Римского-Корсакого начала беспокоить сердечная болезнь, но он продолжал работу над учебником «Основы оркестровки». Последние записи сделаны им 7 июня. А в ночь на 8 июня композитора не стало.

ОПЕРНОЕ ТВОРЧЕСТВО Н.А.РИМСКОГО-КОРСАКОВОГО.

Н.А. Римский-Корсаков написал 15 опер разных по содержанию:

1. «Псковитянка» - историческая опера.

2. «Моцарт и Сальери» - историческая опера.

3. «Царская невеста» - историческая опера.

4. «Снегурочка» - эпос-сказка.

5. «Ночь перед рождеством» - сказка.

6. «Золотой петушок» - сказка.

7. «Сказка о царе Салтане» - сказка.

8. «Майская ночь» - сказочная опера.

9. «Сказание о невидимом граде Китеже» - фантастическая опера.

10. «Сервилия».

11. «Пан воевода».

12. «Садко».

13. «Млада» - опера-балет.

14. «Кощей бессмертный» - сказка.

15. «Боярыня Вера Шелога».

ОПЕРА «СНЕГУРОЧКА».

Жанр: сочетание эпос-сказки с лирической драмой.

История создания. Сюжет: Римский-Корсаков очень любил природу, особенно весеннюю. Прочитав «весеннюю сказку» А.Островского, где народная мудрость сплетается с миром чувств, решил написать на сюжет этой сказки оперу. Действие оперы происходит в сказочном царстве берендеев, где все люди добры и справедливы, и любят искусство. Ложь и обман считаются преступлением. Берендеи поклоняются природе и солнцу. Римский-Корсаков показал старинные обычаи и обряды.

Либретто: Н.А.Римский-Корсаков.

Герои оперы:

Мифические герои Полуфантастические, Реальные герои:

полуреальные герои:

Дед-Мороз; Снегурочка – флейта. Купава

Весна – валторна; Образ сказочно холоден Мизгирь - кларнет-бас

Леший. и одновременно полон лиризма. Бобыль, Бобылиха

Лель – (кларнет) пастух,

символ вечной волшебной

силы искусства.

Берендей – царь, олицетворение

мудрого образа правления, истинный

отец своего народа.

В опере «Снегурочка» Римский-Корсаков использует лейтмотивы — выдержанные музыкальные характеристики.

Композиция: пролог и 4 действия (преобладают сольные номера).

Идея и драматургия: сопоставление и развитие 2-х разных сфер: мир людей и мир природы. Показаны древние обряды, подлинные народные песни.

ПРОЛОГ

Действие пролога происходит далеко, далеко, за непроходимыми лесами, где лежит сказочная страна берендеев. По пояс в сугробах стоят мохнатые ели, а в глубоких дуплах гнездятся Леший и прочая нечистая сила. Холодно в стране берендеев.

Оркестровое вступление вводит слушателя в царство природы. Среди многих попевок и мелодических тем, на которых основано вступление, выделяются две.

Суровая и властная тема Деда Мороза, ярко контрастирует с мягкой, согретой теплом теме Весны.

Врывается крик петуха и Леший возвещает конец зиме. Весна спускается на землю и сообщает, что Ярило-Солнце в гневеотвернулось от берендеев, отдав их землю во власть Деда Мороза, потому, что в их заповедном лесу живёт Снегурочка, дитя Деда Мороза и Весны. Снегурочку отпускают жить к бередеям, а Лешего как охранника.

1. Песни и пляски птиц. Оркестровое сопровождение наполнено звукоподражательными мотивами — птичьи напевы записанные Римским-Корсаковым. В музыке ясно слышнатся крик кукушки, стук дятла, пощёлкивание, посвистывание и цоканнье других птиц. А на этом фоне звучат 2 народных напева: «Собрались птицы», «Орёл воевода».

2. Ария Снегурочки «С подружками по ягоду ходить». Свои 15 лет Снегурочка прожила в лесной чаще, спрятанная там от людских глаз, и от губительного для неё взора Ярилы.Томится Снегурочка по теплу человеческого чувства. Всё ей нравится в берендеях. Приятно ей слушать песни пастушка Леля, хочется гулять с подругами, водить хороводы, повторять за Лелем его песни. Об этом она поёт в своей первой арии. Музыка этой арии легка, изящна и грациозна. Холодноватый тембр флейты постоянно сопровождает Снегурочку вначале оперы.

3. Ариетта Снегурочки «Слыхала я, слыхала..» выражает чувство стремления к людям. Лирическая мелодия построена на полутоновых интонациях. Гармония состоит из мажорных и минорных трезвучий и их обращениях.

Вторая часть пролога посвящена древнему обряду проводов Масленницы. Соломенное чучело (Масленица) наряжали и с пением возили по улицам, а вечером сжигали, то есть пытались ускорить приход весны.

4. Хор «Прощай, Масленица». Мелодия хора построена на мелодических оборотах старинных обрядовых песен.

Но вот Бобыль замечает Снегурочку. Берендеи замирают от удивления, поражённые её красотой. Вместе с Бобылихой он уводит её к себе в дом. Деревья и кусты кланяются Снегурочке, прощаясь с нею.

1 ДЕЙСТВИЕ

В страну берендеев пришла весна. Снегурочка живёт у Бобыля и Бобылихи. Здесь же и Лель. Он поёт для Снегурочки 2 песни. Но скучно ему с холодной Снегурочкой, которая хочет поцеловать за песни. И, бросив подаренный ею цветок, Лель убегает к весёлым девушкам. Снегурочка огорчена, сердце её сжимает тоска.

5. Ариетта Снегурочки «Как больно здесь, как сердцу тяжко..» - поёт Снегурочка, сетуея и на Леля, и на отца Мороза, лишившего её сердечного тепла.

Рядом с хрупкой Снегурочкой возникает другой образ — берендейки Купавы. Она рассказывает о встрече с красавцем Мизгирём, богатым торговым гостем.

Появляется Мизгирь. По обычаю он должен одарить девушек — подружек Купавы, чтобы выкупить невесту. Запевают свадебные песни. Но Мизгирь видит Снегурочку и забывает обо всём на свете. Он сулит ей несметные богатства за любовь. Берендеи возмущены. Никогда в их стране не было такой измены. Все они советуют Купаве искать защиты у царя Берендея.

2 ДЕЙСТВИЕ

Действие происходит во дворце царя Берендея, где царят добро, справедливость,

любовь ко всему прекрасному — и в людях, и в природе, и в искусстве. Царь Берендей занят рисованием. Но он не может чувствовать себя счастливым. Его волнует немилость Ярилы, непонятное охлаждение и природы и человеческих сердец.

В слезах вбегает Купава и просит защиты царя. Потрясённый горем Купавы и изменой жениха, царь велит вести Мизгиря на суд.

5. Шествие царя Берендея представляет собой торжественный сказочный марш. Громкие возгласы труб, тромбонов и других духовых инструментов ярко контрастируют с лёгким пиццикато скрипок.

Суд над Мизгирём недолог. Никто не сомневался в его вине, да и он не оправдывается. Суров приговор царя — вечное изгнание ожидает его. Но Мизгирь хочет в последний раз взглянуть на Снегурочку.

Вот появляется Снегурочка. Своей красотой она очаровывает всех, включая царя.

6. Каватина Берендея звучит тихим, восторженным гимном всемогущей природы: «Полна, полна чудес могучая природа..». Голосу Берендея вторит виолончель своей мерно покачивающейся мелодией, ласковой и убаюкивающей.

И понял царь, почему злится на них Ярило. Не может такая красота быть холодной. И решает царь Берендей: завтра, в первый день лета — Ярилин день — обвенчать перед ликом восходящего солнца всех женихов и невест. И среди влюблённых должна быть Снегурочка со своим избранником. Мизгирь просит об отсрочке изгнания, и обещает заронить любовь в сердце Снегурочки. Берендей соглашается. Народ славит мудрость Берендея.

3 ДЕЙСТВИЕ

В канун Ярилина дня — праздника солнца — молодёжь водит хороводы под подлинно народную песню «Ай, во поле липенька». Старики угощаются брагой и пряниками. Царь Берендей выходит к народу. Заплясали скоморохи. Запел свою чудесную песню Лель.

7. Песня Леля «Туча с громом сговорилась..». Появление Леля почти всегда сопровождается нежными переливами кларнета (иногда гобоя). Эта песня начинается с соло кларнета, исполняющего подлинный наигрыш. Во вступлении имеются изобразительные черты — подражание раскатам грома (тремоло литавр). Мелодия песни основана на народных оборотах и попевках.

В награду за песню царь предлагает Лелю выбрать девушку. Снегурочка просит Леля выбрать её, но Лель понимая горе обиженной Купавы, избирает её. Все берендеи расходятся, а на лесной поляне остаётся одна тоскующая Снегурочка.

8. Ариозо Мизгиря «На тёплом синем море..». Мизгирь в своём ариозо молит девушку о любви.

Он предлагает Снегурочке за её любовь бесценный жемчуг. Но девушке непонятны его чувства, и она убегает. Её преследует Мизгирь. Лес оживает, превращаясь в непроходимую чащу, вдали мелькает призрачный образ Снегурочки. Леший заманивает Мизгиря в лесную глушь. Поляна принимает прежний вид. Выходят Лель и Купава. Они счастливы. Вбежавшая Снегурочка упрекает Купаву. Лель советует Снегурочке учится любить у Купавы.

4 ДЕЙСТВИЕ

В волшебном озере, в непроходимой чащобе, укрывшись от людей, обитает Весна. Снегурочка просит мать-Весну наделить её чувством любви. Весна дарит венок, цветы которого обладают чудодейственной силой — и в этот же миг для Снегурочки преображается весь мир. Появляется Мизгирь. Его преданная любовь трогает сердце девушки. Счастливый Мизгирь ведёт её к царю. Но Снегурочка боится солнечных лучей. Восходит солнце.

Настаёт Ярилин день - праздник лета. Царь Берендей благословляет молодые пары. Мизгирь подводит её к царю. На вопрос царя о своей любви Снегурочка отвечает: «Спроси меня сто раз, сто раз отвечу, что я его люблю». И в этот момент луч восходящего солнца озаряет её. Испытывая непонятные чувства, она начинает таять.

9. Ариозо Снегурочки «Но, что со мной..» (сцена таяния). Если вначале солирующие скрипка и флейта окрашивают музыку в тёплые тона («Но что со мной!? Блаженство или смерть»), то на словах «Люблю и таю..» присоединяются духовые и арфа (глиссандо), что позволяет ощутить как бы и стаивание, растворение мелодии.

Мизгирь бросается в озеро. А Ярило дарит людям свет и тепло. Так между природой и людьми вновь воцаряется мир и гармония.

10. Заключительный хор «Свет и сила, бог Ярило..» - построен на нарастании силы. Первую строфу запевает Лель. Вторую — хор берендеев, а третью — ансамбль солистов.

Музыка «Снегурочки» проникнута любовью к людям, природе, верой в красоту человека и высокое признание искусства, пробуждающее всё лучшее в человеке, верой в торжество правды и добра.

СИМФОНИЧЕСКАЯ СЮИТА «ШЕХЕРАЗАДА».

Поэтизация Востока русскими композиторами нашла своё отражение в различных музыкальных жанрах. Всем им присущи красочные волшебные образы и картины природы, своеобразие и самобытность интонационного языка. Достаточно назвать второй, «половецкий» акт из оперы А.П.Бородина «Князь Игорь», «Персидский хор» в опере «Руслан и Людмила»

М.И. Глинки. Подлинный и мнимый, «русский Восток» сочетает в себе дикость, буйность, стихийность и изысканность, томность, негу, сказку, волшебство, чары.

Вот уже несколько сот лет увлекают и волнуют людей приключения Синдбата-морехода, который пускался в далёкие и опасные странствия, судьба разумного и предприимчивого Аладдина, история Али-бабы, который, узнав чудодейственные слова: «Сезам, откройся!», овладел несметными сокровищами сорока разбойников, легендарность и достоверность личности всесильного и словного халифа Багдада Гарун-аль-Рашида.

Герой сказок «1001 ночи» давно стали любимыми как среди детей, так и среди взрослых. Сборник этих сказок появился в 18 веке во Франции. С французского языка сказки вскоре были переведены на многие другие языки. «1001 ночи» - подлинно народное сочинение. Оно создавалось многими поколениями разных народов Востока: арабами, персами, индусами. Симфоническая сюита «Шехеразада» была написана всего за два месяца. В четырёх частях этой музыкальной сказки можно не только услышать, но и увидеть чудеса. О них рассказывает грозному султану Шахриару мудрая и прекрасная Шехеразада.

Сюита «Шехеразада» - это не только серия живописных восточных картин, но и поединок двух противников: Шахриара и Шехеразады. Оружие Султана — грубая сила, оружие рассказчицы — это поэтический дар, её безграничная фантазия. Кто же победит?

Симфоническая сюита «Шехеразада» Римского-Корсакого (1888г.) - произведение программное. Все 4 части объеденены не только одним замыслом, но и общими музыкальными темами. Так, тема Шехеразады появляется во всех частях. Сочиняя сюиту, композитор сначала предполагал дать каждой части своё название. Однако позднее он от этой мысли отказался, считая более полезным, чтобы слушатели свободно следовали своей фантазии.

I ЧАСТЬ начинается со вступления, в котором звучат 2 контрастные темы.

Тема царя Шахриара — грозного и жестокого владыки исполняется духовыми инструментами в низком регистре.

Тема юной и прекрасной Шехеразады всегда звучит у скрипки соло.

I часть первоначально Римский-Корсаков назвал «Картина моря с плывущим по нему кораблём Синдбада». Музыка её удивительно тонко передаёт дыхание морской стихии, рисует бесконечную череду волн, корабль Синдбада-морехода, плывущий по спокойной шири океана. Но волнение моря постепенно нарастает, и теперь музыка рисует величие разбушевавшейся стихии. Но к концу части всё успокаивается, и музыка вновь изображает картину ласково плещущегося умиротворенного моря.

II ЧАСТЬ - «Рассказ царевича-Календера». Здесь появляется новый персонаж — царевич, и Шахеразада как бы передаёт ему слово. Так возникает рассказ в рассказе, сказка в сказке. Композитор создаёт музыкальный портрет Календера, а потом изображает его фантастические приключения. Тема Календера построена на интонациях восточных народных песен, звучит она в партии фагота.

III ЧАСТЬ — самая лирическая в сюите, она называлась «Царевич и царевна».

Музыка полна света, жаркого солнца, сладостного томления.

Первая тема (Царевича) — широкая, напевная.

Вторая тема (Царевна) — танцевального характера — создаёт грациозный, женственный образ.

IV ЧАСТЬ является особенно яркой из всей сюиты. В ней объединяются темы всех предшествующих частей. Композитор назвал эту часть «Картина народного праздника в Багдаде». Этот праздничный характер раскрывается в смене различных тем, игре ритмов, тембров. Обширная кода, которая служит заключением всего цикла, рисует самостоятельную картину величественного грозного моря и корабля, разбивающегося о скалу.

В эпилоге тема Шахриара становится мягкой и спокойной, ведь жестокий султан умиротворён.В последний раз, как завершение сказки, звучит тема юной Шехеразады. Ею заканчивается сюита.

«Шехеразада» - одно из самых ярких произведений, рисующих мир музыкального Востока. В ней использован принцип картинности, сопоставления разных по характеру эпизодов, объединенных проведением темы Шехеразады, напоминающей нам о том, что все это рассказ одного лица — очаровательной сказочночницы Шехеразады. В программе сюиты нет последовательного сюжета, нет никаких пояснений и к содержанию сказок.

ЧЕТВЕРТЫЙ ГОД ОБУЧЕНИЯ

Классики русской музыки

Тема 20 (7)

М. П. Мусоргский

Отражение в творчестве Модеста Петровича Мусоргского (1839-1881) общественно-демократических идей 60-70 годов XIX пека. Социально-обличительная направленность и смелое новаторство его творчества. Развитие традиций Даргомыжского.

Детские годы в имении отца. Впечатления от родной природы, жизни крестьян, их фольклора. Проявление музыкального дара, успехи в игре на фортепиано. Переезд в Петербург для обучения военному делу. Служба в Преображенском полку. Музыкальные занятия и интересы молодого Мусоргского. Крутой перелом в жизни: знакомство и дружба с Даргомыжским и Балакиревым, сближение с демократической молодежью, увлечение литературой, философией. Выход в отставку с военной службы. Погружение в творческую работу: оперные замыслы, обращение к крестьянской теме в вокальных сочинениях, их социальная направленность; отражение народных поверий в симфонической картине «Ночь на Лысой горе».

Сближение с Римским-Корсаковым. Создание оперы «Борис Годунов» и ее постановка (1868-1874). Судьба оперы. Общение со Стасовым, работа над операми «Хованщина» и «Сорочинская ярмарка». «Картинки с выставки» — лучший образец инструментальной музыки Мусоргского. Отражение в вокальных циклах на слова Л. Голенищева-Кутузова тяжелых переживаний композитора. Жизненная неустроенность, отход от прежних друзей, материальная нужда, неизлечимая болезнь. Артистический успех концертной поездки с певицей Д. Леоновой в качестве аккомпаниатора и автора исполняемых произведений. Неосуществимость новых творческих планов в связи с обострившейся болезнью. Безвременная смерть в 42 года.

Краткий обзор творческого наследия. Разнообразие оперных замыслов, незавершенность большинства из них. Интерес Мусоргского к исторической и социальной тематике. Редакции оперы «Борис Годунов». Новизна содержания и выразительных средств камерной вокальной музыки, обращение к поэзии Н. Некрасова и Т. Шевченко. Вокальные циклы. Программный замысел и его яркое воплощение в фортепианном цикле «Картинки с выставки». Судьба творческого наследия Мусоргского.

Опера «Борис Годунов». Включение сложной для изучения и понимания подростками оперы «Борис Годунов» в содержание школьного курса обусловлено как центральным положением оперы в творческом наследии композитора, так и своеобразием ее музыкального языка, новаторским подходом к жанру оперы. Приступая к характеристике и разбору «Бориса Годунова», преподавателю предстоит решить, каким путем ему идти, как представить оперу своим ученикам, чтобы они с интересом восприняли и оценили великое творение Мусоргского.

В зависимости от уровня развития и музыкальной подготовки учащихся изучение оперы можно спланировать на четыре или три урока. В последнем случае характеризуются и прослушиваются: вступление к 1-й картине пролога, 2-я картина пролога, монолог Пимена из 1-й картины и песня Варлаама из 2-й картины первого действия, хор «Расходилась, разгулялась сила, удаль молодецкая» из сцены под Кромами и картина-песенка Юродивого. Более полный подход к изучению оперы включает также хоровые эпизоды из 1-й картины пролога, монолог Бориса из второго действия и какой-либо хор из четвертого действия.

В общую характеристику входят: история ее создания, развитие идей Пушкина в новых исторических условиях, раскрытие конфликта между народом и властью царя, объяснение композиции оперы и сквозного развития действия (в сопоставлении с номерным строением опер «Иван Сусанин» и «Князь Игорь»), Песенное и речитативно-декламационное начало вокального стиля, музыкальные характеристики персонажей и народно-хоровых сцен выявляются по ходу учебной работы с музыкальным материалом оперы. Пимен, Варлаам и Юродивый как воплощение различных сторон народного характера.

При использовании клавира оперы лучше обратиться к редакции Римского-Корсакова.

Вариант изучения оперы за три урока оставляет возможность познакомить учащихся с фортепианным циклом «Картинки с выставки». Словесная характеристика произведения окажется убедительнее, если в распоряжении преподавателя будет несколько экземпляров нот для последовательного «просмотра» учащимися всего цикла с показом на фортепиано начальных фрагментов ряда пьес и прослушиванием в звукозаписи тех из них, которые проиллюстрируют многообразие «картинок» Мусоргского.

При изучении данной темы используются:

1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  2. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  3. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  4. Набор портретов композиторов

2. Аудиопособия:

1. «Модест Петрович Мусоргский»

3. Видеопособия:

1. М.П. Мусоргский опера «Борис Годунов»

4. Примерные темы рефератов, докладов, презентаций:

    1. «Творческий портрет М.П. Мусоргского»

    2. «Жизненный путь и творчество М.П.Мусоргского»

    3. «История создания оперы «Борис Годунов» М.П. Мусорского»

    4. «Фортепианное творчество М.П.Мусоргского на примере цикла «Картинки с выставки»»

5. Реферат на свободную тему.

Тема 21 (8)

П. И. Чайковский

Многогранность творческой личности Петра Ильича Чайковского (1840-1893); его композиторская, педагогическая, дирижерская, музыкально-критическая и общественная деятельность. Тематическое и жанровое разнообразие его сочинений, богатство и выразительность мелодики. Отражение в музыке Чайковского различных сторон русской жизни, духовного мира людей, борьбы человека за свое счастье. Обращение к народной песне. Развитие традиций Глинки и Даргомыжского. Широкая популярность музыки Чайковского во всем мире. Международный конкурс его имени в Москве.

Детские годы в Воткинске. Музыка в родительском доме. Впечатлительность как черта натуры Чайковского. Обучение в Училище правоведения в Петербурге. Влияние А. Рубинштейна на формирование творческого облика композитора в годы обучения в консерватории (1862-1865).

Московский период жизни и творчества (1866-1877). Напряженная композиторская, педагогическая и музыкально-критическая, журналистская деятельность. Создание театральных, концертных и камерных сочинений; первый расцвет творчества. Круг московских друзей композитора. Повод и причины отъезда из Москвы.

Образ жизни Чайковского в последующие годы. Интенсивная творческая работа во время пребывания в Европе и в летние месяцы на родине. Обращение к новым темам и жанрам. Знакомство с видными зарубежными композиторами. Выступление в качестве дирижера-пропагандиста русской музыки.

Жизнь в Подмосковье с середины 80-х годов. Сочетание повседневной творческой работы с концертными поездками по городам России и Европы; выступление в Нью-Йорке. Создание последних опер, балетов, симфоний. Трагедийная основа «Пиковой дамы» и Шестой симфонии. Дом Чайковского в Клину. Смерть в расцвете творческих сил.

Жизненный путь Чайковского можно представить в виде наглядной схемы, что значительно облегчит учащимся осмысление и запоминание его основных этапов.

1840-1850

1850-1865

1866-1877

1877-1885

1885-1893

Воткинск

Петербург

Москва

Жизнь в Европе и в России

Подмосковье (Клин)

Детство

Учеба в училище правоведения, затем в консерватории

Педагогическая, муз.-критическая, композиторская деятельность.

1-й расцвет творчества

Композиторская деятельность

Композиторская, дирижерская деятельность.

Концертные поездки по городам России, Европы и Америки. Высший расцвет творчества

Обзор творческого наследия. Богатство и разнообразие творческого наследия Чайковского, его вершинные достижения во всех видах музыки того времени, при ведущей роли оперы и симфонии. Театральные, концертные и камерные сочинения, обращение композитора к духовной музыке. Литературное наследие Чайковского: учебник гармонии, музыкально-критические статьи, письма, дневники.

Знакомство учащихся с творческим наследием Чайковского позволяет закрепить и углубить их знание основных жанров музыки. А если представить сочинения Чайковского в систематизированном и наглядном виде, то учащимся будет легче ориентироваться в разнообразии названий жанров и конкретных сочинений, в инструментальных составах камерных ансамблей, в литературных источниках сценических, вокальных и инструментально-программных произведений композитора.

театральные

(сценические) сочинения

концертные виды музыки

камерные произведения

церковные сочинения

Оперы

1

2

3

Балеты

1

2

3

музыка к драматическим спектаклям

для симфонического

оркестра

симфонии

сюиты

одночастные

произведения

концерты

произведения для хора и оркестра

для фортепиано

для других инструментов

инструментальные

ансамбли

романсы

для хора a capella

Представленная таблица (схема, опорный сигнал) — один из возможных вариантов наглядной систематизации сочинений композитора. Таблица заполняется преподавателем на классной доске с необходимыми пояснениями и при участии школьников или заготавливается на раздаточных карточках для их последующего осмысления. Часть работы, по усмотрению преподавателя, может быть выполнена учащимися дома. Например, можно дополнить перечень опер с указанием их литературного источника или список одночастных произведений для оркестра; привести названия ряда романсов, сочинений для фортепиано; расшифровать инструментальный состав трио, квартета, указать жанр, программное название произведений, связанных с именами Данте, Шекспира, Байрона, Шиллера, Пушкина, Жуковского, Гоголя, Островского.

Такие задания учащиеся могут выполнять, пользуясь различными словарями, справочниками, энциклопедиями, и с помощью родителей.

Степень полноты таблицы определяет преподаватель с учетом всех обстоятельств учебной работы. Повторению биографии и обзору творческого наследия композитора можно отвести целый урок. Посвященную этому таблицу, оформленную соответствующим образом, хорошо представить на постоянном стенде в классе.

В наглядной форме, подобно приведенным выше образцам, можно представить периоды жизни и творческое наследие С. Прокофьева.

Симфония № 1 «Зимние грезы». Симфонии Чайковского — одна из вершин в развитии европейской симфонической музыки. Народно-жанровые черты ранних, московских симфоний (1,2,3 симфонии) и усиление трагедийного начала в последующих.

«Зимние грезы» — первое крупное произведение композитора. Программность симфонии, ее лирико-драматическое содержание, подобное соль минорной симфонии Моцарта и «Неоконченной» Шуберта, известных учащимся. Выражение в музыке лирических раздумий, связанных с образами русской природы. Национальная основа и песенный склад основных тем.

Характеристика тем главной партии 1-й части, их преобразование в ходе развития. Народно-песенный склад побочной партии, аккордовое изложение заключительной. Некоторые черты разработки. Изменение главной темы в репризе. Возвращение в коде первоначального музыкального образа.

Характеристика вступительной и главной тем 2-й части, ее драматическая кульминация. Сопоставление темы скерцо и вальса в 3-й части. Преобразование народно-песенной мелодии в финале. Тональности частей.

Опера «Евгений Онегин». Роман Пушкина и опера Чайковского. Определение Чайковским жанра оперы как «лирических сцен». История создания и первой постановки «Евгения Онегина». Крушение надежд на счастье — основная тема оперы. Душевная драма героев и картины русского быта. Композиция оперы и композиция отдельных картин (см. образцы наглядных схем композиции в темах «Глинка» и «Бородин»).

Сочетание законченных номеров с фрагментами сквозного развития, образующее сцены. Некоторые особенности драматургии оперы и построение музыкально-сценического действия. Роль ариозо в выражении состояния героев в тот или иной момент действия. Последовательная характеристика, разбор и прослушивание следующих фрагментов оперы: вступление, дуэт и квартет из 1-й картины; вступление и сцена письма из 2-й картины; ария Онегина и хор девушек из 3-й картины; вальс, мазурка, ариозо Ленского (начало финала 4-й картины); 5-я картина; полонез и ариозо Онегина из 6-й картины. Дополнительно: ариозо Ленского из 1-й картины; куплеты Трике из - 4-й картины; ария Гремина из 6-й картины.

Опера Чайковского, благодаря ее прекрасной музыке, близкому и знакомому всем сюжету, опоре на поэзию Пушкина, благодаря ясной драматургии, изучается достаточно полно (особенно сцены из 1 и 2-го действий), с чтением (в соответствующих эпизодах действия) поэтических текстов Пушкина. Построение занятий возможно и в виде музыкально-литературной композиции, подобно «Снегурочке», но с более тщательным, порою детальным разбором наиболее значительных эпизодов оперы. Изучение «Евгения Онегина» можно рассматривать как своеобразную кульминацию курса, поскольку на этом благодатном материале достигаются многие учебные задачи. Опера Чайковского дает возможность раскрыть перед учащимися ряд закономерностей оперного жанра, проникнуть в творческий процесс ее сочинения.

Изучение «Евгения Онегина» в течение месяца — достаточный срок, чтобы учащиеся успели прочесть роман Пушкина, побывать на спектакле в театре, если есть такая возможность, просмотреть видеозапись оперы (дома с родителями или во время внеклассной встречи с преподавателем в школе).

При изучении данной темы используются:

1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  2. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  3. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  4. Набор портретов композиторов

2. Аудиопособия:

1. «Петр Ильич Чайковский»

3. Видеопособия:

1. П.И.Чайковский опера «Евгений Онегин»

4. Примерные темы рефератов, докладов, презентаций:

1. «Творческий портрет П.И.Чайковского»

2. «Жизненный путь и творчество П.И.Чайковского»

3. «История создания оперы «Евгений Онегин» П.И.Чайковского»

4. Реферат на свободную тему.

Тема 22 (9)

Русская музыкальная культура конца XIX - начала XX века

Сопоставление понятий «музыкальная литература» и «Музыкальная культура». Состав музыкальной культуры, включающей как творческую деятельность композиторов, так и музыкантов других специальностей: исполнителей, критиков, ученых, педагогов, сотрудников различных музыкальных учреждений и всех тех, чья деятельность служит распространению и усвоению музыкальных ценностей.

Высокий расцвет русской музыкальной культуры на рубеже столетий; рост популярности русской музыки и авторитета отечественных музыкантов за рубежом.

Музыкальное образование как фундамент развития музыкальной культуры. Плодотворная деятельность Петербургской и Московской консерваторий, других учебных заведений и музыкально-просветительских организаций, отвечающая растущему интересу широких слоев городского населения к музыке и знаниям о ней. Достижения отечественной исполнительской культуры и ее великие представители (инструменталисты, певцы, дирижеры). Русские меценаты и музыкально общественные деятели.

Начало разносторонней творческой, исполнительской и педагогической деятельности третьего поколения русских композиторов-классиков — учеников и последователей Римского-Корсакова и Чайковского: А. К. Лядова (1855-1914),

А. К. Глазунова (1865-1936), А. С. Аренского (1861-1906), В. С. Калинникова (1866-1901), С. И. Танеева (1856-1915), М. М. Ипполитова-Иванова (1859-1935), А. Н. Скрябина (1872-1915), С. В. Рахманинова (1873-1943), Н. К. Метнера (1880-1951), И. Ф. Стравинского (1882-1971). Развитие ими национальных традиций отечественной музыки, поиски новых путей в искусстве. Связи музыкальной культуры конца XIX — начала XX века с русской литературой и поэзией, живописью и архитектурой, театром и хореографией.

Знакомство с творчеством композиторов в теме 22 (9) методически осуществляется в ином ключе — без биографий и привычного разбора сочинений. Оно ограничивается краткой общей характеристикой личности и творческого наследия композитора и необходимыми комментариями к произведениям перед их прослушиванием.

Принимая во внимание ограниченное время, отводимое на знакомство с личностью и творческим наследием названных композиторов, отметим, что их изучение не охватывает всех тех вопросов, которые освещались в монографических темах, посвященных классикам XIX века. Знакомство с Лядовым, Глазуновым и Танеевым можно ограничить краткой характеристикой личности композиторов и их творческого наследия, а также прослушиванием одного — двух сочинений (или фрагментов), которое предваряется кратким комментарием, достаточным для качественного восприятия музыки. Личность и творческое наследие Рахманинова, Скрябина и Стравинского освещаются полнее, с привлечением биографических сведений и более развернутой характеристикой звучавших на занятиях сочинений.

В учебнике О. И. Аверьяновой по данным темам содержится значительно больший материал, чем можно охватить на уроках, и преподавателю предстоит сделать отбор, продиктованный условиями учебного процесса, отложив остальное для самостоятельного чтения дома.

А. К. Лядов (1855-1914)

Видный представитель петербургской композиторской школы. Ученик, друг и последователь Римского-Корсакова, участник Беляевского кружка, профессор Петербургской консерватории, дирижер.

Своеобразие творческого наследия композитора: обращение к малым формам инструментальной музыки, преимущественно фортепианной миниатюре; «сказочные картинки» для оркестра; обработки народных песен.

Особенности музыки Лядова: светлый колорит, преобладание лирических образов, проявление национальных черт, тщательная отделка деталей. Некоторые черты личности Лядова.

В качестве иллюстраций избираются «Музыкальная табакерка» (фортепиано) и «Волшебное озеро» (оркестр), которые представят композитора в характерных для него жанрах и звуковой образности.

А. К. Глазунов (1865-1936)

Многосторонняя творческая и музыкально-общественная деятельность Глазунова— ученика и последователя Римского-Корсакова. Вклад Глазунова в развитие музыкального образования; воспитание молодого поколения на посту директора Петербургской консерватории (1905-1928), участие в концертной и театральной жизни столицы.

Жанровое разнообразие творческого наследия композитора. Обращение к крупным формам инструментальной музыки (симфонии и другие сочинения для оркестра, концерты, сонаты, камерно-инструментальные ансамбли); произведения для театра (балеты, музыка к драматическим спектаклям).

Сочетание в музыке Глазунова эпических и лирических черт, мужественности и пластичности, жизнеутверждающего начала и оркестровой красочности. Мастерское владение элементами музыкальной речи. Высокий авторитет Глазунова, признание его творчества и общественной деятельности в России и за ее пределами. Присвоение почетного звания «Народный артист республики».

Иллюстрацией музыки Глазунова может послужить антракт ко 2-й картине балета «Раймонда» и один из концертных вальсов.

С. И. Танеев (1856-1915)

Яркий и многогранный музыкант, широкообразованный человек, внесший неоценимый вклад в музыкальную культуру Москвы. Ученик и друг Чайковского, профессор Московской консерватории; блестящий пианист, крупный ученый, музыкально-общественный деятель, дирижер, хранитель заветов классического искусства.

Обращение Танеева к жанрам инструментальной и вокальной музыки. Опера «Орестея», кантаты, хоры, романсы; симфонии и многочисленные камерно-инструментальные ансамбли различных составов. Значительность содержания и сдержанность в выражении чувств — характерная особенность многих сочинений Танеева, иные из которых не лишены острого драматизма. Широкое использование полифонии, знатоком и исследователем которой он был. Высоконравственный облик музыканта.

В качестве музыкальных иллюстраций предпочтительнее привлечь что-либо из хорового наследия композитора или какой-либо романс (хоровые сочинения в школьном курсе практически отсутствуют). Это, к примеру, могут быть части кантаты «Иоанн Дамаскин» или хоры без сопровождения — «Утро», «Сосна»; романсы — «Зимняя дорога», «Свет восходящих звезд».

А. Н. Скрябин (1872-1915)

Своеобразие творческого и духовного облика Скрябина, выделяющее его в ряду других композиторов рубежа веков. Смелый новатор, открывший новые пути музыке XX века; яркий пианист.

Учителя Скрябина в Московской консерватории; поддержка молодого композитора Беляевым. Концертная деятельность в России и за рубежом.

Обращение Скрябина исключительно к инструментальной музыке для фортепиано и оркестра. Малые формы фортепианной музыки: прелюдии, этюды, вальсы, мазурки, ноктюрны, а также фантазии, поэмы и сонаты. Грандиозность симфонических замыслов, их эволюция от ранней небольшой поэмы «Мечты» к трем масштабным симфониям и двум поэмам с увеличенным составом исполнителей («Поэма экстаза», «Прометей»). Своеобразие программности инструментальных сочинений Скрябина.

Эволюция музыкального языка Скрябина-композитора на протяжении творческого пути. Близость музыки Скрябина раннего периода (XIX век) традициям классики. Постепенное усложнение музыкальной речи, поиски новых выразительных средств, обновивших гармонический язык, привычную мажоро-минорную основу музыки.

Контрастность образов, яркая эмоциональность, динамическая устремленность, сочетание восторженного порыва и хрупкой утонченной лирики — характерные черты музыки Скрябина.

Споры современников вокруг музыки и личности композитора. Международный конкурс пианистов им. А. Н. Скрябина и мемориальный музей в Москве, в доме, где жил композитор.

Масштабность и сложность симфонических произведений Скрябина не позволяют обращаться к ним на уроке. Во внеклассной работе можно использовать видеозапись поэмы «Прометей», а в классе прослушать этюд ор. 2 до-диез минор и поэму «К пламени», иллюстрирующие «раннего» и «позднего» Скрябина.

С. В. Рахманинов (1873-1943)

Творчество Рахманинова — одна из вершин русской музыкальной классики. Многогранность деятельности: композитор, пианист, дирижер. Близость творческой индивидуальности Рахманинова Чайковскому: яркий мелодический дар, способность воплощать в музыке как лирические, так и драматические образы, создавать произведения жизнерадостные и трагедийные.

«Школа» Н. С. Зверева в становлении профессионализма Рахманинова. Московская консерватория. Начало творческого пути, первое общественное признание. Творческий кризис. Дирижерская деятельность в опере; дружба с Ф. Шаляпиным. Расцвет композиторского творчества, создание произведений в разных жанрах. Ивановка — «малая» родина Рахманинова.

Перелом в судьбе после революции 1917 года и отъезда за границу. Жизнь вне родины; творческое молчание; концертирование; создание последних сочинений проявление в них трагического начала. Тоска по родине, переживания за ее судьбу в годы второй мировой войны. Смерть на чужбине. Всемирная слава Рахманинова — композитора и пианиста. Присвоение имени Рахманинова камерному залу Московской консерватории, международному конкурсу пианистов, Тамбовскому музыкальному училищу.

Богатство и многообразие творческого наследия композитора. Создание опер, кантат, хоров, романсов. Сочинения для одного и двух фортепиано; симфонические произведения. Концерты для фортепиано с оркестром — одна из вершин музыки Рахманинова. Судьба духовных сочинений.

Музыка Рахманинова должна быть представлена на уроке как инструментальными, так и вокальными произведениями. Это могут быть отдельные пьесы для фортепиано или 1-я часть концерта № 2; какой-либо романс, например, «Вокализ» или часть из «Всенощного бдения». В последнем случае потребуются комментарии, поясняющие роль музыки в церковном обиходе и основные особенности православного церковного пения.

И. Ф. Стравинский (1882-1971)

Один из крупнейших композиторов XX века, в своем творчестве отдавший дань различным направлениям современного ему музыкального искусства. Новаторская сущность творческих устремлений композитора, обогатившего музыкальную речь новыми выразительными возможностями и приемами композиторской техники.

Русские истоки творчества Стравинского. Занятия с Римским-Корсаковым. Успех ранних балетов «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», преломление в них национальных традиций. Отъезд за границу (1910) и «врастание» в культурную среду западного мира. Широкие связи композитора с крупнейшими представителями мировой художественной элиты. Роль С. П. Дягилева в создании ряда сочинений Стравинского и их исполнении в странах Европы и США. Выступления Стравинского в качестве пианиста и дирижера. Посещение Москвы и Ленинграда в 1962 году.

Огромное творческое наследие композитора, не поддающееся привычной классификации по традиционным жанровым группам. Многообразие театральных форм музыки Стравинского и инструментальных составов многочисленных ансамблей. Произведения «на стыке» жанров («Свадебка», хореографические сцены с пением и музыкой на народные тексты); вторжение в сферу джаза («Регтайм» и другие сочинения). Мастерское владение разнообразными жанрами, формами, выразительными средствами музыкального искусства. Воздействие музыки Стравинского на искусство XX века.

В беседе о Стравинском есть возможность для разъяснения таких понятий как модернизм, неоклассицизм, конструктивизм, авангардизм, атональная музыка, додекафонная техника. Сделать это следует кратко, доступно, выборочно.

Балет «Петрушка» — наиболее близкое и понятное подростковой аудитории сочинение Стравинского, позволяющее показать своеобразие и художественные достоинства музыки композитора. Национальные истоки сюжета, интонационные связи с русской песенностью, «броская» красочность оркестра. («Русская», «У Петрушки»).

В примерном тематическом плане не предусмотрен урок, аналогичный «Введению» в музыкальную литературу советского периода в программе 1982 года, в котором дана общая картина советской музыкальной культуры после 1917 года. Содержание «Введения», как и соответствующий ему текст учебника И. Прохоровой и Г. Скудиной, утратили свою актуальность. Информация подобного рода вряд ли необходима ученикам музыкальной школы. Существенные сведения общего характера могут упоминаться в биографиях Прокофьева и Шостаковича, а посвященные им темы логично рассматривать как продолжение раздела курса «Русская музыкальная литература».

Преподаватели, которые сочтут нужным запланировать обзорный урок перед темой «С. С. Прокофьев», смогут воспользоваться материалом из соответствующих глав в учебнике О. И. Аверьяновой, посвященных отечественной музыке советского периода.

При изучении данной темы используются:

1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  2. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  3. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  4. Набор портретов композиторов

2. Аудиопособия:

1. Русская музыкальная культура конца XIX - начала XX веков.

2. А. К. Лядов

3. А.К.Глазунов

4. А.Н.Скрябин

5. С.В.Рахманинов

6. И.Ф.Стравинский

3. Видеопособия:

1. И.Ф.Стравинский балет «Петрушка»

4. Примерные темы рефератов, докладов, презентаций:

1. «Сказочные образы в творчестве А.К.Лядова»

2.«Жизненный путь и творчество А.К.Глазунова»

3. «Фортепианные произведения А.Н.Скрябина»

4. «Вокальное творчество С.В.Рахманинова»

5. «Русское начало в балете «Петрушка»

6. Реферат на свободную тему.

Тема 23 (10)

Отечественная музыкальная культура после 1917 года

Воздействие Октябрьской революции и последующих радикальных реформ на все стороны общественной жизни. Идеалы социализма и реалии послереволюционных лет. Интенсивность художественной жизни в 20-е годы вопреки трудностям и противоречиям эпохи. Провозглашение политики «государственного музыкального строительства». Национализация художественных учреждений и ценностей; создание новых музыкальных учреждений, художественных коллективов, учебных заведений. Вовлечение в культурный процесс широких народных масс, развитие музыкальной самодеятельности. Переплетение различных течений, разнообразие поисков, определенная свобода творческого выражения в искусстве двадцатых годов. Полемика о путях развития музыкального творчества. Старое и новое в музыке тех лет, Произведения на актуальные темы. А. В. Луначарский и его деятельность в сфере культуры. Потери в рядах творческой интеллигенции как следствие политики новой власти.

Создание в 1932 году единых творческих союзов литераторов, художников, композиторов. Ограничение свободы художественного творчества, осуждение произведений, не отвечающих требованиям социалистического реализма. Воздействие на художественную жизнь страны и творческую интеллигенцию усиления культа личности Сталина. Достижения отечественной музыкальной культуры в 30-40-е годы в трудных условиях политической жизни страны. Создание классических образцов музыки в различных жанрах Мясковским, Прокофьевым, Шостаковичем, Хачатуряном, Шапориным, Дунаевским. Расцвет массовой песни. Формирование советской исполнительской школы; становление государственной системы музыкального воспитания и образования. Развитие музыкального искусства в республиках Советского Союза. Многонациональный характер культуры в СССР.

Музыкальная жизнь, творческая и общественная деятельность композиторов в условиях борьбы советского народа с фашистскими захватчиками. Выдающиеся произведения военных лет.

Условия общественно-политической жизни в последние годы сталинского режима, осложнявшие развитие отечественной музыки. Несправедливые обвинения ведущих советских композиторов в формализме и космополитизме. Цензура на контакты с современной музыкальной культурой западных стран, жесткие ограничения на исполнение ряда выдающихся произведений.

Новые веяния в отечественной культуре в годы хрущевской «оттепели». Оживление международных культурных связей, активизация поисков новых путей в музыкальном искусстве. Обращение композиторов к современным техникам музыкальной композиции, обновленным средствам выразительности. Расширение круга образов и тем в произведениях различных жанров. Возрождение традиций русской духовной музыки. Создание новых опер, балетов, кантат и ораторий, произведений симфонической и камерной музыки. Взаимодействие различных жанров и стилей. Трансформация песенного жанра: от песни массовой— к сольной, авторской и эстрадной. Распространение рок- и поп-музыки, появление отечественного мюзикла. Воздействие радио и телевидения на художественные потребности слушательской аудитории, особенно молодежи. Интенсивное распространение музыки посредством новейших технических средств. Различные музыкальные фестивали и исполнительские конкурсы как характерная черта обновляющейся музыкальной жизни. Постепенное ослабление идеологического диктата и административного контроля с середины 80-х годов.

Воздействие распада СССР в начале 90-х годов и последовавших коренных преобразований во всех сферах общественной жизни на культурную жизнь страны, творческую деятельность музыкантов. Новые явления, характеризующие состояние и перспективы развития музыкальной культуры, возникающие под воздействием происходящих в стране процессов.

При изучении данной темы используются:

1. Наглядные пособия:

      1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

      2. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

      3. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

      4. Набор портретов композиторов

2.Аудиопособия:

      1. С.С.Прокофьев

      2. Д.Д.Шостакович

3. Примерные темы рефератов, докладов, презентаций:

1. «Отечественная музыкальная культура после 1917 года»

Тема 24(11)

С. С. Прокофьев

Сергей Сергеевич Прокофьев (1891-1953) — выдающийся русский композитор первой половины XX века, представитель поколения композиторов, расцвет творчества которых приходится на советское время. Связь искусства Прокофьева с его эпохой, с условиями, в которых жил и творил композитор. Самобытность его музыки, сочетающей черты отечественной классики с новизной выразительных средств, новаторским подходом к решению творческих задач. Влияние музыки Прокофьева на младших современников композитора.

Детские годы в Сонцовке. Разносторонние интересы и пытливость юного Прокофьева. Увлечение музыкой. Р. М. Глиэр — первый профессиональный учитель Прокофьева. Обучение в Петербургской консерватории (1904-1914) композиции, игре на фортепиано, дирижированию.

Можно рекомендовать учащимся прочитать книгу «Детство», ярко, с юмором написанную самим композитором. Она была опубликована издательством «Музыка» в 1971 ив 1980 годах.

Поиски своего стиля. Выступления Прокофьева-пианиста; отношение к нему современников. Раннее наступление зрелости, создание ярких и самобытных сочинений в различных жанрах.

Годы пребывания за рубежом (1918-1933). Рост мировой славы Прокофьева — композитора и пианиста. Общение с выдающимися представителями западного искусства.

Возвращение на родину. Интенсивность творческой и музыкально-общественной деятельности. Создание сочинений, характеризующих высший расцвет искусства композитора: кантата «Александр Невский», балет «Ромео и Джульет¬та», опера «Война и мир», балет «Золушка», 5-я симфония. Широкий охват жизненных явлений в произведениях Прокофьева: от событий далекого прошлого - до актуальной тематики XX века (революция, гражданская война, Великая Отечественная война, международное движение за мир).

Сложные условия общественной жизни в последние годы сталинского режима. Воздействие необоснованной критики, а порою, травли талантливых писателей, художников, композиторов (в числе которых оказался и Прокофьев) на жизнь и творчество великого композитора.

Значение творчества Прокофьева для дальнейшего развития музыкального искусства. Огромный рост популярности произведений Прокофьева во всем мире.

На биографическом уроке могут прозвучать части из «Классической симфонии», песня «Болтунья» на слова А. Барто или какое-либо фортепианное сочинение в авторском исполнении.

Полное изложение биографии Прокофьева в учебнике, насыщенное событиями, названиями сочинений, именами современников, потребует от учащихся повышенного внимания при чтении текста. Его качественной проработке могут помочь специальные задания. Одно из них состоит в следующем: выделить, то есть подчеркнуть, выписать фамилии известных деятелей искусств, с которыми общался и сотрудничал Прокофьев, чтобы на уроке объяснить, кем являлся тот или иной из современников композитора, и в чем выражались их связи. Пример ответа: А. Н. Есипова— известная русская пианистка, профессор Петербургской консерватории, по классу которой Прокофьев блестяще закончил консерваторию как пианист.

С. М. Эйзенштейн — крупнейший советский кинорежиссер, с которым сотрудничал Прокофьев в создании музыки к кинофильмам «Александр Невский» и «Иван Грозный».

Н. И. Сац — видный театральный и музыкальный деятель, инициатор создания театров для детей, в том числе и музыкального (1964), ныне носящего ее имя; для Н. И. Сац Прокофьев написал симфоническую сказку «Петя и волк», и т. п.

Назначение другого возможного задания — систематизация по группам основных жанров, упоминаемых в тексте биографии и перечне сочинений Прокофьева, в виде таблицы (см.с.50), облегчающей их осмысление и запоминание.

Обзор творческого наследия. Тематическое и жанровое богатство, разнообразие сочинений Прокофьева. Обращение композитора к истории и современности, произведениям классической литературы и сказочным образам. Жанры театральной музыки. Сотрудничество с Эйзенштейном в создании киномузыки. Кантаты, оратория, другие вокальные произведения. Инструментальная музыка Прокофьева: симфонии, сюиты, концерты, фортепианные произведения, ансамбли. Сочинения для детей. Необычные жанровые черты симфонической сказки «Петя и волк» и вокальной сказки «Гадкий утенок».

Закрепление и углубление в процессе обзора творческого наследия Прокофьева знаний и представлений учащихся о жанрах музыки, связанных с ними исполнительских составах. Освоение новых понятий, терминов в разносторонних связях с пройденным; применение этих знаний. Выявление наблюдений учащихся, обращение к опыту их учебной и внешкольной музыкальной деятельности.

Произведения для фортепиано. Прокофьев-пианист. Формирование самобытного фортепианного стиля композитора. Разнообразие жанров фортепианной музыки: пьесы, циклы, сонаты, концерты. Музыкальный материал подбирается преподавателем по его усмотрению. Один из возможных вариантов — прослушивание цикла пьес ор. 12 с нотным текстом.

Кантата «Александр Невский». Основные признаки жанра; происхождение кантаты, ее композиция и состав исполнителей. Историко-патриотическая тема произведения и героико-эпический характер музыки. Противопоставление образов русского народа и тевтонских рыцарей. Композиционные и художественные особенности отдельных частей.

Знакомство с кантатой окажется эффективнее, если организовать работу с нотным текстом Хрестоматии по советской музыкальной литературе (составители Э.Смирнова и А.Самонов, последнее издание ее осуществлено в 1993 году). Каждую из частей целесообразно разбирать перед прослушиванием. Образность музыки, простота выразительных средств позволяют провести эту работу тщательно, опираясь на знания и опыт учащихся.

Балет «Ромео и Джульетта». Воплощение образов трагедии Шекспира. Традиции и новаторство балетного театра Прокофьева. Драматургическое единство спектакля. Образы добра и зла. Воспевание красоты и нравственного величия любви. Яркость музыкальных характеристик. Постановка балета на сценах музыкальных театров мира. Г. Уланова — выдающаяся исполнительница партии Джульетты в хореографической версии балетмейстера JI. Лавровского (Ленинград, 1940 г.).

Прослушиваются по выбору преподавателя: Улица просыпается (№ 3), Джульетта-девочка (№ 10), Маски (№ 12), Меркуцио (№ 15), Танец рыцарей (№ 13), Прощание перед разлукой (№ 39).

Балет «Золушка» (в рабочий план преподавателя включается один из балетов Прокофьева). Сказочная тема в творчестве Прокофьева. Развитие традиций русского классического балета. Народные истоки сюжета. Утверждение добра, красоты и благородства человеческих чувств, их противопоставление миру злобы, зависти, эгоизма. Музыкальные портреты-характеристики основных персонажей; своеобразие выразительных средств в каждом из них.

Прослушиваются по выбору преподавателя: Па де шаль (№ 2), Золушка (№ 3), Фея-нищенка (№ 5), Гавот (№ 10), Отъезд Золушки на бал (№ 13), Сцена Золушки и принца (№ 35), Галоп (№ 40).

Симфония № 7. Общая характеристика цикла и разбор первой части. Светлый, лирический характер музыки, проявление в ней национальных черт. Песенный, полифонический склад главной темы, ее развитие. Мелодическое своеобразие побочной темы, выразительная роль в ней регистра, фактуры. Черты сказочности в заключительной теме. Развитие тем в разработке и повторение в репризе. Особенности коды.

Удобное и полное переложение для фортепиано в 2 руки первой части симфонии в школьной хрестоматии позволяет проследить весь ход развития музыкального тематизма и проанализировать выразительные особенности основных тем и других эпизодов музыки.

При изучении данной темы используются:

1. Наглядные пособия:

      1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  1. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  2. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  3. Набор портретов композиторов

2.Аудиопособия::

1. С.С.Прокофьев

3. Видеопособия:

1. С.С. Прокофьев «Ромео и Джульетта»

2. С.С. Прокофьев «Золушка»

4. Примерные темы рефератов, докладов, презентаций:

  1. «Творчество С.С. Прокофьева »

  2. «Народные истоки сюжета балета «Золушка»

  3. «Фортепианное творчество С.С. Прокофьева»

  4. «Любовь и ненависть в балете Ромео и Джульетта»

  5. «Реферат на свободную тему»

Тема 25 (12)

Д. Д. Шостакович

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906-1975) — крупнейший представитель отечественного искусства эпохи революций и войн, массового героизма и неисчислимых трагедий, великих побед и человеческих страданий. Его творчество — правдивая художественная летопись жизни народа, судеб миллионов людей, какими их видел и «слышал» чуткий художник с чистой совестью и огромным талантом. Шостакович — продолжатель лучших традиций музыкального искусства прошлого и смелый новатор. Отражение в его музыке острейших социальных конфликтов, осуждение зла, насилия, сострадание человеческой беде, утверждение ценности жизни. Трагедия, сатира и лирика в музыке Шостаковича; гуманистическая направленность его искусства. Активная жизненная позиция композитора, многогранность его творческой и общественной деятельности.

Детские годы в Петербурге. Семья Шостаковича. Впечатления от революционных событий 1917 года. Учеба в консерватории (1919-1925). Успех Первой симфонии. Участие в Международном конкурсе пианистов им. Шопена в Варшаве (1927). Шостакович — пианист. Общение с Маяковским и Мейерхольдом. Поиски своего пути в музыке в сложное время противоречивых тенденций, борьбы идей и взглядов в искусстве. Создание произведений для театра, симфоний, концертов, пьес для фортепиано. Несправедливая критика произведений Шостаковича, инспирированная партийными органами. Вступление в пору творческой зрелости: опера «Катерина Измайлова» («Леди Макбет Мценского уезда»), 4, 5, 6 симфонии, фортепианный квинтет. Работа в консерватории.

Шостакович в годы Великой Отечественной войны; «военные» симфонии, фортепианное трио. Переезд в Москву. Осуждение партийной критикой крупнейших деятелей советской культуры в конце 40-х годов. Попытки подчинить духовную жизнь общества официальной идеологии. Создание невыносимых условий для свободной творческой деятельности, ограничения в публичном исполнении музыки Шостаковича и других композиторов. Непоколебимость композитора в избранном пути; напряженная творческая работа в различных жанрах, создание выдающихся произведений: симфоний, концертов, квартетов, вокальных циклов, киномузыки.

Привлечение композитора, известного всему миру, к общественной деятельности в советских организациях, в Верховном Совете. Признание заслуг перед страной, руководство которой авторитет, творчество Шостаковича выставляет в качестве «витрины» социалистической культуры. Двойственное положение композитора в условиях существующего режима, его верность гуманистическим идеалам, свободному творчеству. Подспудная непокорность принуждению.

Последние годы жизни великого композитора: прогрессирующая болезнь, затрудняющая сочинение музыки. Непрекращающаяся творческая работа, свидетельствующая о силе духа музыканта, неисчерпаемости его творческого потенциала.

Рассказ о жизни и творческом пути Шостаковича — труднейшая задача для преподавателя. Устаревшая литература, пересмотр оценок деятельности композитора, ряда его сочинений, сложная социальная проблематика творческого пути музыканта — все это требует взвешенного подхода к отбору материала и его освещению. Появление нового учебника облегчит задачу преподавателя, хотя его личное отношение к материалу, как ни в какой другой теме, останется весьма существенным. Биография Шостаковича менее всех других поддается рассказу, и преподавателю придется искать такую форму урока, в которой гармонично объединяются эпизоды рассказа с объяснениями, проблемное изложение с элементами беседы.

Обзор творческого наследия. Ведущее значение крупных инструментальных произведений: симфоний, концертов, камерных ансамблей (квартеты, трио, квинтет, сонаты). Шостакович как величайший симфонист, продолжатель традиций Бетховена, Брамса, Чайковского, Малера. Общая характеристика пятнадцати симфоний: программные, с включением вокального начала, с нетрадиционным количеством частей, посвященные памятным датам и событиям.

Обзор симфоний композитора возможно проводить в виде беседы, обращаясь к тексту учебника с тем, чтобы учащиеся, извлекая соответствующие абзацы из книги, могли назвать особенности отдельных симфоний: наличие программы, состав исполнителей, обращение к тексту, количество частей, посвящения. Комментарии преподавателя, дополняющие ответы учащихся, позволяют составить широкое представление о цикле симфоний — главном в наследии композитора. Подобный урок обеспечит большую активность учащихся, если на предшествующем занятии они получат задание: читая биографию Шостаковича, выделить в тексте учебника, то есть подчеркнуть, отметить на полях, абзацы, характеризующие симфонии. Подводит итог обзору прослушивание первой части 15-й симфонии, которое создаст представление о необычном композиционном приеме — коллаже, — использованном композитором в ряде сочинений. Е. Мравинский как интерпретатор симфоний Шостаковича.

Обращение композитора к жанрам театральной и вокальной музыки, прелюдии и фуги для фортепиано, кинофильмы с музыкой Шостаковича.

Симфония № 7. Работа над симфонией в Ленинграде в дни обороны города летом и осенью 1941 года и ее завершение в г. Куйбышеве (ныне Самара), где 5-го марта 1942 года состоялась премьера. Посвящение симфонии «Городу Ленинграду». Успех произведения на родине и в странах антигитлеровской коалиции. Исполнение симфонии в осажденном Ленинграде 9 августа 1942 г. Огромное политическое значение произведения в годы войны. Музыка всепобеждающего мужества, напряженной борьбы, грядущей победы.

Программный замысел первой части. Противопоставление образов мира и войны, народа и захватчиков. Необычность сонатного построения. Музыка экспозиции, рисующая картины мирной жизни. Героико-эпический характер главной партии, своеобразие ее выразительных средств. Лирические темы побочной партии, их характерные черты. «Эпизод нашествия»: особенности темы и ее развития. Трагическое содержание репризы, изменение и переосмысление тем экспозиции. Кода, ее программное и тематическое содержание. Тональный план первой части.

При разборе первой части, до ее прослушивания, желательно опираться на нотный текст хрестоматии, связывая звучание (показ на фортепиано) с нотной записью и определяя по ней тональности, тип фактуры, другие выразительные элементы музыки.

Определение музыкальных тем по нотам хрестоматий и нотным примерам в учебниках — один из видов классной работы, который должен найти в ней широкое применение наряду с определением музыки на слух. Ксерокопирование нотных примеров из хрестоматий и учебников даст возможность преподавателю оперировать необходимым музыкальным материалом для подобной работы.

В целях расширения представлений учащихся о музыке Шостаковича и для знакомства с произведениями других жанров нужно найти возможность прослушивания с предварительной общей характеристикой еще одного - двух произведений (по усмотрению преподавателя). Это могут быть прелюдия и фуга для фортепиано, части квинтета, романс из вокального цикла. Сильное впечатление на учащихся производит прослушивание вокально-симфонической поэмы «Казнь Степана Разина» на слова Е. Евтушенко. Комментарии перед прослушиванием должны дать представление о содержании поэмы, составе исполнителей, жанровых особенностях произведения, сочетающего концертность и театральность, структуре. Впечатление усиливает наличие нотного текста. Учащимся может быть предложено выразить свои впечатления от музыки в письменной форме, в качестве домашнего задания.

При изучении данной темы используются:

1. Наглядные пособия:

  1. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  2. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  3. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  4. Набор портретов композиторов

2. Аудиопособия:

1. «Д.Д.Шостакович»

3. Перечень тем рефератов

1. «Творческий облик Д.Д.Шостаковича»

2. «Симфоническое творчество Д.Д.Шостаковича»

3. Значение творчества Д.Д.Шостаковича в развитии отечественной музыкальной культуры»

4. «Реферат на свободную тему»

Тема 26(13)

Заключение

Заключительные уроки курса, обозначенные в примерном тематическом плане как тема 26, проводятся свободно, в зависимости от количества оставшихся уроков и достигнутого результата в усвоении учащимися содержания предмета. Назначение заключительных уроков — познакомить школьников с видными отечественными композиторами последних десятилетий, чье творчество осталось за пределами основных тем.

А. Хачатурян — фрагменты из балета «Спартак»

Г. Свиридов — фрагменты из вокально-хоровых произведений (поэма «Памяти Сергея Есенина» или «Патетическая оратория») и музыки к «Метели» Пушкина.

Р. Щедрин — «Озорные частушки» (концерт для оркестра).

А. Шнитке — Токката из Кончерто гроссо № 1.

Могут быть привлечены другие имена и музыкальные примеры.

Творчество каждого из названных выше композиторов дает повод коснуться тех или иных вопросов развития музыкального искусства последней четверти XX века: пути развития национального искусства в условиях интернационализации музыкальной речи (Хачатурян, Гаврилин), проявление фольклорных элементов в музыке (Щедрин), концерты для оркестра и для хора в творчестве современных композиторов (Свиридов, Щедрин, Эшпай), создание звуковых эффектов с помощью синтезатора; новые композиторские техники и их отражение в нетрадиционной нотной записи (Шнитке) и т. п.

Другая задача заключительных уроков — ввести выпускников школы в богатый и пестрый мир современной музыкальной жизни, участниками которой они становятся. Формирование интереса учащихся к событиям музыкальной жизни, умения ориентироваться в окружающей их звуковой среде.

Беседа с элементами дискуссии как форма заключительных уроков, соответствующая накопившимся знаниям и музыкальному опыту учащихся.

Использование материалов прессы, журнала «Музыкальная жизнь», обращение к музыкальным передачам телеканала «Культура», регулярные обзоры газеты «Музыкальное обозрение».

5-Й ГОД ОБУЧЕНИЯ

Пятый год обучения является дополнительным по отношению к основному курсу. Он предназначен для учащихся, которым решением педагогического совета продлено пребывание в школе на год с целью их подготовки к поступлению в средние профессиональные учебные заведения.

Назначение занятий по музыкальной литературе — содействовать профессиональной ориентации учащихся, их сознательному выбору профессии музыканта путем расширения и углубления знаний и умений, приобретенных при изучении основного курса, и в самостоятельном общении с музыкой.

При определении содержания занятий автор исходил из реалий музыкальной жизни и ставил целью подготовить выпускников школы к встрече с музыкальной классикой — той, что часто звучит в эфире, исполняется в концертах, распространяется через аудио и видеокассеты, компакт-диски. Другое назначение дополнительного года — облегчить будущим студентам музыкальных училищ изучение значительно более сложного и объемного курса музыкальной литературы в среднем профессиональном учебном заведении.

Из подбора и последовательности тем и произведений у них должно сложиться общее представление о музыкальном процессе в Европе XVIII- XX веков, основных жанрах музыки, художественных направлениях и национальных композиторских школах. Накопленный учащимися опыт позволит обратиться к более сложным и объемным произведениям, затронуть вопросы, отвечающие интересам взрослеющих школьников. Однако общее количество уроков (менее 30 на новый материал), требуя экономного расходования времени, ограничивает объем каждой темы рамками 1-2-х занятий. Построение темы при таком лимите времени исключает биографию и привычный разбор произведений. Благодаря этому в годовой план работы можно включить до 20 и более имен великих композиторов и прослушать про-изведения каждого из них (полностью, отдельные части, сцены из опер).

Учитывая, что русская музыкальная классика XVIII - XVIII веков (в лице ее основных представителей) учащимся уже знакома, а европейская классика в предшествующем курсе (5 класс) была представлена лишь шестью монографическими темами, целесообразно вновь вернуться к классикам европейской музыки и, не дублируя темы основного курса, познакомить учеников с именами и некоторыми сочинениями крупнейших композиторов Италии, Германии, Франции, ряда других стран, входящими в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

Выбор тем и произведений осуществляет преподаватель, исходя из своего опыта и условий учебного процесса (состав группы, наличие музыкальных записей, нот, пожелания учеников).

Ниже приводится один из возможных вариантов тематического плана 5-го года обучения.

№№ темы

Содержание уроков (темы)

Кол-во часов

Музыкальные произведения

1

2

3

4

1-е полугодие

1.

Вводный урок

1-2

2.

Итальянская музыка XVIII века; А.Вивальди, Д.Скарлатти; скрипка и клавесин; камерный оркестр

2

Скрипичный концерт, 2-3 сонаты для клавира

3.

Опера и оратория в XVIII веке; Г.Гендель; К.Глюк

2

Части из произведений для камерного оркестра Генделя, ария из оперы, хор из оратории. Фрагменты из оперы «Орфей»

4.

Немецкие романтики 1-й половины XIX века: Вебер, Мендельсон, Шуман

3

Увертюра, хор охотников из оперы «Волшебный стрелок». Приглашение к танцу. «Сон в летнюю ночь». «Любовь поэта».

5.

Ф.Лист

1

«Прелюды»

6.

Г. Берлиоз

1

Фантастическая симфония (2,4,5 части)

7.

Н.Паганини

1

Каприс №24 и сочинения Листа, Брамса на его тему.

8.

Д.Россини

2

3 оперные увертюры и части из Маленькой торжественной мессы

Итоговый семинар

1

Обзор газеты «Музыкальное обозрение»

1

16 час.

2-е полугодие

9.

К. Сенс-Санс

1-2

2-й ф-п. концерт, Рондо-каприччиозо, ария Далилы из оперы «Самсон и Далила»

10.

И.Брамс

1

Финалы 1-й и 4-й симфоний

11.

Д.Верди

1

Реквием (фрагмент) или какая-либо оперная сцена в видеозаписи

12.

Р.Вагнер

2

«Лоэнгрин»: вступление к 1 и 3 действиям; «Тристан и Изольда»; вступление к 1,3 действиям, сцена смерти Изольды.

13.

А.Дворжак или Б.Сметана

1

9-я симфония (3,4 части) «Влтава», увертюра к опере «Проданная невеста»

14.

Г.Малер

1

1-я симфония (3,4 части)

15.

Французские импрессионисты: Дебюсси, Равель, Дюка

2

Сочинения для ф-но, оркестра, «Ученик Чародея»

16.

Б.Бриттен и английская музыка

1

Вариации на тему Перселла

17.

Д.Гершвин и американская музыка

1

Рапсодия или ф-п. концерт

18.

О.Мессиан и французская музыка

1

Возможны варианты

Итоговый семинар

1

Обзор газеты «Музыкальное обозрение»

1

15 час. и 3 урока в резерве

Обзорное ознакомление учащихся 8 класса с творчеством классиков европейской музыки XVIII - XX веков в ДМШ Академического музыкального училища при Московской консерватории проводилось в течение ряда лет. Были «опробованы» многие темы, прослушаны произведения разных жанров и стилей.

Выбор музыкальных произведений определялся не только их местом в творчестве того или иного композитора, учебной целесообразностью, но и фондами нотной библиотеки и фонотеки училища, возможностью использования аудиокассет, видеокассет и дисков со стороны. Учебная практика выявила то, что более интересно и доступно восприятию и пониманию учеников ДМШ, ориентированных на музыкальную профессию. Так, произведения камерно-инструментальной музыки (сонаты-дуэты, квартеты), а также сочинения авангардного направления воспринимаются с трудом, и донести до подростков их художественный смысл подчас весьма проблематично. Преждевременно знакомить школьников данного возраста и практического музыкального опыта с современными композиторскими техниками. В построении плана занятий пришлось отказаться, за малым исключением, от произведений оперного жанра, ибо 1-2 урока не позволяют осмыслить оперу как музыкально-театральное произведение с присущими ему чертами. К тому же известные арии из популярных опер Россини, Визе, Верди, Пуччини на слуху у многих современных школьников, приобщенных к музыкальной классике.

Предложенный тематический план занятий выкристаллизовался на основе практического опыта, и представляется автору оптимальным, хотя и не исключает дальнейших поисков, проб, экспериментов.

Методику занятий можно представить в следующем виде.

Тему открывает небольшое вступительное слово преподавателя, устанавливающее связи новой темы с содержанием предшествующих уроков и собирающее внимание учеников. Затем слово передается ученику, подготовившему сообщение по данной теме в пределах 5-10 минут (возможно чтение написанного текста). Оно должно содержать краткую характеристику эпохи, среды, личности и творческого наследия композитора. При этом можно приводить наиболее значительные факты из жизни композитора. Ввиду того, что подобная форма заданий ранее не практиковалась и представляет для подростка определенную сложность, задача преподавателя объяснить, каким должно быть подобное сообщение и как его следует готовить. Отсутствие школьного учебника по тематике года делает необходимым обращение к иным источникам информации (словари, справочники, энциклопедии, литература о музыке для школьников, статьи в журнале «Музыкальная жизнь»; возможно использование учебных пособий по музыкальной литературе для музыкальных училищ). И здесь не обойтись без советов и практической помощи преподавателя.

Выступление школьника перед своими товарищами (а это не традиционный ответ по еженедельному заданию!) должен быть тактично прокомментирован преподавателем, его замечания и советы учтены будущими «докладчиками». Количество выступлений каждого ученика зависит от численного состава группы, в среднем, 2-3 раза в учебном году. Каждое выступление засчитывается как выполнение требований и идет в общий зачет. Оценивать выступления в баллах нежелательно, — самостоятельность учащихся при подготовке выступления всегда относительна, и это неизбежно, в силу характера самого задания и отсутствия опыта. Обучающая направленность такого задания — в приобщении школьников к студенческому виду работы над текстовым материалом, из которого нужно отобрать минимум необходимого. Распределение тем для сообщений можно осуществить как в начале четверти, полугодия, так и по ходу занятий.

Основное время урока посвящается прослушиванию музыки с необходимым предисловием преподавателя, подготавливающим осмысленное восприятие произведения (возможен предварительный показ одной или нескольких основных тем на фортепиано). Обмен впечатлениями и краткое подведение итогов завершают урок.

Дополнительный год обучения должен содействовать проявлению творческой инициативы учащихся. Хорошо обсудить с ними в начале года общую тематику занятий, выслушать и учесть пожелания учеников, объяснить назначение и содержание их сообщений, предусмотреть возможность исполнения музыки (в соответствии с тематикой занятий).

Традиционную поурочную проверку знаний и четвертные контрольные уроки лучше заменить иными формами контроля. Должны оцениваться (не баллами, а оценочными суждениями преподавателя) сообщения учеников, поощряться и учитываться высказывания по ходу урока. Возникающие элементы дискуссии могут свидетельствовать о растущем интересе к занятиям, способствовать выявлению оригинальных суждений учащихся. Проведение не реже одного раза в полугодие семинара по пройденному материалу — хорошая форма закрепления знаний, подведения итогов. Ответы на семинаре, как и активность учеников в его работе, дифференцированно оцениваются.

Обозревая европейскую классику трех последних веков, необходимо только найти возможность приблизить школьников к современной музыкальной жизни, участниками которой они становятся, к некоторым ее проблемам. Хорошим материалом для этого могут послужить важнейшие события музыкальной жизни (конкурсы, фестивали, премьеры музыкальных театров и т. п.), информация, содержащаяся в газете «Музыкальное обозрение», статьи в журнале «Музыкальная жизнь». Свое место в учебной работе должны найти и памятные музыкальные даты.

Завершением учебного года может служить своеобразная олимпиада, содержание и формы которой избирает преподаватель. В отличие от экзамена, с его строгой обусловленностью, трудоемкой подготовкой и, во многом, случайностью результатов, олимпиаду можно рассматривать как праздничное соревнование на финише школьной жизни, но без победителей и побежденных, неудачников и обязательных отличников. Курс музыкальной литературы должен завершиться с хорошим настроением для всех выпускников. Даже оценки лучше заменить памятными сувенирами с вручением их на выпускном вечере. А в справке за 8-й класс по музыкальной литературе всем, выполнившим установленные требования, записать «зачет».

Особого внимания потребуют учащиеся, поступающие на теоретическое отделение музыкального училища, где проводится вступительный экзамен по музыкальной литературе. Для них можно организовать дополнительные уроки-консультации.

ПЕРЕЧЕНЬ НАГЛЯДНЫХ ПОСОБИЙ

  1. Иллюстрации к циклу Сен-Санса «Карнавал животных»

  2. Иллюстрации к сюите Э.Грига «Пер Гюнт»

  3. Иллюстрации для изучения темы «Оркестр»

  4. Пособие по темам: «Барокко», «Классицизм», «Романтизм»

  5. Пособие «Старинная сюита»

  6. Пособие «Сонатная форма»

  7. Пособия «Симфония», «Соната»

  8. Иллюстрации из универсального иллюстрированного справочника для всей семьи «Древо познания».

  9. Иллюстрации из собрания журналов «Художественная галерея»

  10. Иллюстрации из книги «История костюма от древности до нового времени»

  11. Рисунки из иллюстрированного сборника «Детский альбом» П.И. Чайковского (Иллюстрации Веры Павловой)

  12. Репродукции из путеводителя «Третьяковская галерея»

  13. Иллюстрации из книги «Боги и богини». Зачарованный мир.

  14. Иллюстрации из «Энциклопедического словаря юного пианиста»

  15. Иллюстрации из иллюстрированного энциклопедического словаря Терра лексикон

  16. Иллюстрации из альбома «Михаил Иванович Глинка». (Автор А.С. Розанов)

  17. Набор портретов композиторов

ПЕРЕЧЕНЬ АУДИОПОСОБИЙ

Первый год обучения

      1. «Музыка в нашей жизни»

  1. «Содержание музыкальных произведений»

  2. «Выразительные средства музыки»

  3. «Музыкальные жанры. Марши»

  4. «Песня»

  5. «Танец»

  6. «Народная песня в произведениях русских композиторов»

  7. «Программно-изобразительная музыка»

  8. «Музыка в театре»

  9. «Балет»

  10. «Опера»

Второй год обучения

  1. «Введение. Музыка от древних времён до XVIII века. Формирование классического стиля»

  2. «Зарубежная музыка. Классицизм»

  3. «Йозеф Гайдн»

  4. «Вольфанг Амадей Моцарт»

  5. «Людвиг ван Бетховен»

  6. «Романтизм»

  7. «Франц Шуберт»

  8. «Фредерик Шопен»

  9. « Барокко»

  10. «Иоганн Себастьян Бах»

Третий год обучения

  1. «Древнерусская музыка»

  2. «М.И. Глинка»

  3. «А.С.Даргомыжский»

  4. «Русская музыкальная культура 2-й половины XIX в.»

  5. «А.П.Бородин»

  6. «Н.А. Римский-Корсаков»

Четвертый год обучения

  1. «М.П. Мусоргский»

  2. «П.И. Чайковский»

  3. Русская музыкальная культура конца XIX - начала XX веков.

  4. А. К. Лядов

  5. А.К.Глазунов

  6. А.Н.Скрябин

  7. С.В.Рахманинов

  8. И.Ф.Стравинский

  9. Отечественная музыкальная культура после 1917 года

  10. С.С.Прокофьев

  11. Д.Д.Шостакович

  12. А. Хачатурян — фрагменты из балета «Спартак»,

  13. Г. Свиридов — фрагменты из вокально-хоровых произведений поэма «Памяти Сергея Есенина» и музыки к «Метели» Пушкина.

  14. Р. Щедрин — «Озорные частушки» (концерт для оркестра).

  15. А. Шнитке — Токката из Кончерто гроссо № 1.

Пятый год обучения

  1. А.Вивальди. Скрипичный концерт (D-dur)

  2. Д.Скарлатти. Соната для клавира

  3. Г.Гендель. Части из произведений для камерного оркестра Генделя, ария из оперы, хор из оратории.

  4. К.Глюк. Фрагменты из оперы «Орфей»

  5. Вебер. Увертюра, хор охотников из оперы «Волшебный стрелок».

  6. Мендельсон. Приглашение к танцу. «Сон в летнюю ночь».

  7. Шуман.«Любовь поэта».

  8. Ф.Лист. «Прелюды»

  9. Г. Берлиоз. Фантастическая симфония (2,4,5 части)

  10. Н.Паганини. Каприс №24 и сочинения Листа, Брамса на его тему.

  11. Д.Россини. Оперные увертюры и части из Маленькой торжественной мессы

  12. К. Сенс-Санс. 2-й ф-п. концерт, Рондо-каприччиозо, ария Далилы из оперы «Самсон Далила»

  13. И.Брамс.Финалы 1-й и 4-й симфоний

  14. Д.Верди.Реквием (фрагмент)

  15. Р.Вагнер«Лоэнгрин»: вступление к 1 и 3 действиям; «Тристан и Изольда»; вступление к 1,3 действиям, сцена смерти Изольды.

  16. Б.Сметана. Увертюра к опере «Проданная невеста»

  17. Г.Малер. 1-я симфония (3,4 части)

  18. Дебюсси, Равель, Дюка. Сочинения для ф-но, оркестра, «Ученик Чародея»

  19. Б.Бриттени английская музыка. Вариации на тему Перселла

  20. Д.Гершвин и американская музыка. Рапсодия или ф-п. Концерт

  21. О.Мессиан и французская музыка. 4 симфонические пьесы «Вознесение»

ПЕРЕЧЕНЬ ВИДЕОПОСОБИЙ

1. М.И. Глинка опера «Руслан и Людмила»

2. М.И. Глинка опера «Жизнь за царя»

3. А.С. Даргомыжский опера «Русалка»

4. М.П. Мусоргский опера «Борис Годунов»

5. П.И. Чайковский балет «Щеокунчик»

6. П.И. Чайковский опера «Евгений Онегин»

7. Н.А. Римский-Корсаков опера «Снегурочка»

8. И.Ф. Стравинский балет «Петрушка»

9. С.С. Прокофьев «Ромео и Джульетта»

10. С.С. Прокофьев «Золушка»

11. А.П. Бородин опера «Князь Игорь»

12. В.А. Моцарт опера «Свадьба Фигаро»

ПРИМЕРНЫЕ ТЕМЫ РЕФЕРАТОВ, ДОКЛАДОВ, ПРЕЗЕНТАЦИЙ

  1. «Творческий портрет М.П. Мусоргского»

  2. «Жизненный путь и творчество М.П.Мусоргского»

  3. «История создания оперы «Борис Годунов» М.П. Мусорского»

  4. «Фортепианное творчество М.П.Мусоргского на примере цикла «Картинки с выставки»»

  5. «Творческий портрет П.И.Чайковского»

  6. «Жизненный путь и творчество П.И.Чайковского»

  7. «История создания оперы «Евгений Онегин» П.И.Чайковского»

  8. «Сказочные образы в творчестве А.К.Лядова»

  9. «Жизненный путь и творчество А.К.Глазунова»

  10. «Фортепианные произведения А.Н.Скрябина»

  11. «Вокальное творчество С.В.Рахманинова»

  12. «Русское начало в балете «Петрушка»

  13. «Отечественная музыкальная культура после 1917 года»

  1. «Творчество С.С. Прокофьева »

  2. «Народные истоки сюжета балета «Золушка»

  3. «Фортепианное творчество С.С. Прокофьева»

  4. «Любовь и ненависть в балете Ромео и Джульетта»

  5. «Реферат на свободную тему»

  6. «Творческий облик Д.Д.Шостаковича»

  7. «Симфоническое творчество Д.Д.Шостаковича»

  8. Значение творчества Д.Д.Шостаковича в развитии отечественной музыкальной культуры»

  9. «Реферат на свободную тему»

ИСПОЛЬЗУЕМАЯ ЛИТЕРАТУРА

        1. Аверьянова О. И. Отечественная музыкальная литература XX века. Четвертый год обучения. Учебник для детских музыкальных школ. М., 2001.

        2. Брянцева В. Н. Музыкальная литература зарубежных стран. Второй год обучения. Учебник для детских музыкальных школ. М. 1999, 2000.

        3. Владимиров В., Лагутин А. Музыкальная литература. Для 4-го класса детской му¬зыкальной школы. М., 1992, 1993.

        4. Кабалевский Дм. Как рассказывать детям о музыке. М., 1977.

        5. Кабалевский Дм. Основные принципы и методы программы по музыке для общеобразовательной школы // Дм. Кабалевский. Воспитание ума и сердца. М., 1984.

        6. Кабалевский Дм. Про трех китов и про многое другое. М., 1972.

        7. Кабалевский Дм. Цели и задачи музыкально-эстетического воспитания детей и юношества // Дм. Кабалевский. Воспитание ума и сердца. М., 1984.

        8. Козлова Н. П. Русская музыкальная литература. Третий год обучения. Учебник для детских музыкальных школ. М., 2003.

        9. Лагутин А. Методика преподавания музыкальной литературы в детской музыкальной школе. М., 1982.

        10. Лагутин А. Музыкальная литература как предмет школьного преподавания //Вопросы методики начального музыкального образования. М., 1981.

        11. Лагутин А. Подготовка учащихся к педагогической работе по музыкальной литературе // Вопросы музыкальной педагогики. Вып. 3. М., 1981.

        12. Лагутин А., Владимиров В. Музыкальная литература. Учебник для 4 класса детских музыкальных школ и школ искусств. М., 1999, 2000.

        13. Осовицкая 3. Е., Казаринова А. С. «В мире музыки». Учебное пособие по музыкальной литературе для преподавателей ДМШ. Первый год обучения. Москва «Музыка» 1999 .

        14. Осовицкая 3. Е., Казаринова А. С. Музыкальная литература. Первый год обучения. Учебник для детских музыкальных школ. М., 2000.

        15. Панова Н.В. Музыкальная литература зарубежных стран. Рабочая тетрадь для 5 класса. Москва «Престо» 2009.

        16. Панова Н.В. Русская музыкальная литература (часть 1). Рабочая тетрадь для 6-7 классов. Москва «Престо» 2005.

        17. Панова Н.В. Русская музыкальная литература (часть 2). Рабочая тетрадь для 6-7 классов. Москва «Престо» 2010.

        18. Португалов К. П. Серьезная музыка в школе. М., 1980.

        19. Прохорова И. Музыкальная литература зарубежных стран. Для 5 класса детской музыкальной школы. М., 2001.

        20. Прохорова И., Скудина Г. Музыкальная литература советского периода. Для 7 класса детской музыкальной школы. М., 2001.

        21. Смирнова Э. Русская музыкальная литература. Для 6-7 классов детской музыкальной школы. М., 1994.

        22. Столова Е., Кельх Э. Музыкальный детектив. Занимательное пособие по музыкальной литературе в вопросах и ответах. Санкт-Петербург «Композитор» 2006.

        23. Хрестоматия по музыкальной литературе для 4 класса детской музыкальной школы. Составители В. Владимиров, А. Лагутин. М., 1987.

        24. Хрестоматия по музыкальной литературе зарубежных стран. Для 5 класса детской музыкальной школы. Составитель И. Прохорова. М., 1990.

        25. Хрестоматия по русской музыкальной литературе. Для 6-7 классов детской музыкальной школы. Составители Э. Смирнова, А. Самонов. М., 1993.

        26. Хрестоматия по музыкальной литературе советского периода. Для 7 класса детской музыкальной школы. Составил и переложил для фортепиано А. Самонов. М. 1993.

        27. Шорникова М. Музыкальная литература. Русская музыкальная классика. Третий год обучения. Издание второе, дополнительное. Ростов-н/Д. «Феникс», 2004.

        28. Шорникова М. Музыкальная литература. Развитие западно-европейской музыки. Второй год обучения. Издание второе, дополнительное. Ростов-н/Д. «Феникс», 2004.

114

1

Смотреть полностью


Похожие документы:

  1. Рабочая программа по предмету «Музыкальная литература» срок реализации программы 4 года

    Рабочая программа
    ... Сосьва» РАБОЧАЯ ПРОГРАММА по предмету «Музыкальная литература» срок реализации программы 4 года Составитель ... программы: Данная рабочая программа является адаптированной к условиям ДШИ поселка Сосьва и представляет собой курс «Музыкальная литература ...
  2. Рабочая программа по предмету «Слушание музыки» для 1-3 классов дши составители

    Рабочая программа
    ... адаптированная программа. Рабочая программа конкретизирует содержание предметных тем, дает распределение учебных часов по ... 10. Лисянская Е.Б. Методические рекомендации по предмету «Музыкальная литература» для детских музыкальных школ. М., 1990. 11. ...
  3. Рабочая модифицированная программа по предмету «Слушанье музыки»

    Программа
    ... г-к Анапа ____________ А.А.Голодаева РАБОЧАЯ МОДИФИЦИРОВАННАЯ ПРОГРАММА по предмету «Слушанье музыки» срок реализации 7 лет ... литературы: Агапова И.А., Давыдова М.А. Лучшие музыкальные игры для детей. М., 2006г. Владимирова О. А. Рабочая программа по ...
  4. Рабочая программа по предмету «Сольфеджио» срок реализации программы 7 лет

    Рабочая программа
    ... 20___ г. РАБОЧАЯ ПРОГРАММА По предмету «Сольфеджио» срок реализации программы 7 лет ... особенности программы: Данная рабочая программа является адаптированной к ... экзамен. Список литературы Программа по сольфеджио для детских музыкальных школ. ...
  5. Рабочая программа по предмету «Сольфеджио» срок реализации программы 5 лет

    Рабочая программа
    ... г. РАБОЧАЯ ПРОГРАММА По предмету «Сольфеджио» срок реализации программы 5 лет ... Отличительные особенности программы: Данная рабочая программа является адаптированной  к ... ДМШ  Список литературы  1. Программа по сольфеджио для детских музыкальных школ. -М., ...

Другие похожие документы..